Angela Peralta wurde als zivilisierendes Instrument eingesetzt, sagt Experte

▲ Ángela Peralta als Lucía de Lammermoor, porträtiert von Giovanni Battista Ganzini, um 1865. Albuminabzüge. Privatsammlung. Das Bild ist Teil des Artikels „Grün, Weiß und Rot: Porträts von Ángela Peralta während des Zweiten Mexikanischen Kaiserreichs“ von Gustavo Amézaga; später diente es als Cover der Partitur „Adiós a México“, Teil des Musikalbums von 1938, mit freundlicher Genehmigung von Cenidim.

Alondra Flores Soto

La Jornada Zeitung, Samstag, 5. Juli 2025, S. 2

Ángela Peralta (1845-1883) wurde im 19. Jahrhundert im politischen Rahmen eingesetzt, um Europa und der Welt zu zeigen, dass die junge Nation Mexiko einen zivilisierten Charakter hatte, sagt die Historikerin Áurea Maya, die vom Nationalen Zentrum für Musikforschung, Dokumentation und Information (Cenidim), einer Agentur des Bundesministeriums für Kultur, an der Erweiterung des dokumentierten Wissens über diese herausragende Sängerin, Pianistin und Komponistin mitwirkt.

Die in Russland geborene Musikwissenschaftlerin Elena Kopylova arbeitet gemeinsam an der Rettung des 1875 veröffentlichten Musikalischen Albums, das dazu beitragen soll, die selten aufgeführten Stücke Peraltas aus dem 19. Jahrhundert in das Konzertrepertoire unseres Landes aufzunehmen.

180 Jahre nach der Geburt der Frau mit der wunderbaren Stimme halten sich Mythen, Falschinformationen und mangelnde Wertschätzung hartnäckig. Ihre Klaviermusik ist zudem unbekannt. Zu ihrem Gedenken findet eine Ehrung mit dem Titel „Die Nachtigall Mexikos: Ángela Peralta und ihre Musik “ statt. Im Rahmen eines Konzerts wird erneut ihre Musik präsentiert, und Experten diskutieren aufschlussreiche Informationen. Beide Veranstaltungen finden heute um 18:00 Uhr im José Vasconcelos Auditorium des Nationalen Kunstzentrums (Cenart) statt. Der Eintritt ist frei.

„Als ich begann, mich mit Ángela Peralta zu beschäftigen, stieß ich auf viele Überraschungen“, sagt Áurea Maya, die derzeit an einem Buch arbeitet, das in den kommenden Monaten erscheinen wird. „Sie ist vielleicht eine der von Geschichte und Musikwissenschaft am stärksten geprägten Persönlichkeiten. Nicht nur im 19. und 20. Jahrhundert, sondern auch im 21. Jahrhundert, denn ihr wird noch immer vieles vorgeworfen .“

Durch die Untersuchung von Archiven und Dokumenten fand er beispielsweise heraus, dass sie keine Dienerin war, wie viele behaupten. Es gibt Historiker, die sich nie die Mühe gemacht haben, dies zu bestätigen. Natürlich war sie Gegenstand von Legenden, Mythen, historischen Romanen und Theaterstücken, die sie preisen, aber auch negativer Persönlichkeitsmerkmale .

In Polanco trägt ein Freilichttheater ihren Namen. Dasselbe gilt in San Miguel de Allende, Guanajuato. Auch in Mazatlán, Sinaloa, kennzeichnet der Name der Sängerin das wichtigste Theater der Stadt. Die als „Mexikanische Nachtigall“ bekannte Sängerin war eine international bekannte Persönlichkeit und die erste mexikanische Sängerin, die in Europas bedeutendstem Theater, der Mailänder Scala, auftrat. Obwohl es darüber nur wenige Dokumente gibt, bezweifelt der Historiker, wie viele Belcanto- Profis das von sich behaupten können.

Ángela Peralta wurde am 6. Juli 1845 in Mexiko-Stadt geboren. Sie war schon in jungen Jahren erfolgreich und ging nach Europa. Sie kehrte zurück, als Maximilian in Mexiko weilte, der sie zur Kammersängerin des Kaiserreichs ernannte. In Mazatlán starb sie am 30. August 1883 im Alter von 38 Jahren an Gelbfieber. Diese Epidemie löschte 17 Prozent der Bevölkerung aus, sagt Maya, weshalb Peralta nach einer solchen Tragödie zu einer Symbolfigur der Trauer wurde. Einer der Mythen, die sich um sie ranken, besagt, dass sie in ihren letzten Zügen Julián Montiel Duarte heiratete, von dem viele behaupten, er sei ihr Liebhaber gewesen.

Elena Kopylova, Forscherin bei Cenidim, arbeitet derzeit an einer gründlichen Lektüre des Musikalischen Albums, das die Partituren seiner Stücke, hauptsächlich für Gesang und Klavier, enthält. Es umfasst Walzer, Polkas, Romanzen, Fantasien und sogar eine Etüde, etwas damals sehr Zeitgenössisches, mit Frédéric Chopin als einem ihrer wichtigsten Vertreter.

Im Interview mit den beiden Musikwissenschaftlern und Cenidim-Direktor Víctor Barrera zeigen sie Ausdrucke einiger Seiten dieser Stücksammlung, deren Handschrift für Musiker schwer zu lesen ist. Das Cover zeigt ein Porträt des Komponisten, dessen Klavierwerke selten in Konzertsälen aufgeführt werden.

Ziel dieses Projekts ist es, Peraltas Themen in die Ausbildung junger Musiker einfließen zu lassen, beispielsweise an der Hochschule für Musik, die sich nur wenige Schritte von den Büros des Forschungszentrums entfernt oben im violetten Turm des Kulturkomplexes befindet.

In diesem Zusammenhang betonte Barrera, dass Cenidim bei der Erforschung und Verbreitung mexikanischer Musik interdisziplinäre Ansätze verfolgt. Die Zusammenarbeit mit Schulen und die Ausbildung neuer Musiker seien dieser Institution sehr wichtig.

Einige dieser Schülerinnen und Schüler waren begeistert, am heutigen Nachmittagskonzert teilzunehmen. Obwohl sie nur wenig Zeit zur Konzertvorbereitung hatten und noch Abschlussprüfungen vor sich hatten, stellten sie sich dieser Herausforderung, die viel Disziplin und Mühe erforderte, und wählten sogar einige der schwierigsten Stücke aus, erklärt Kopylova.

Aurea Maya, Kunsthistorikerin und Musikwissenschaftlerin, berichtete, dass die Oper im Mexiko des 19. Jahrhunderts einen komplizierten, aber sehr interessanten Zyklus durchlief, weil die Politiker der Zeit, allen voran Lucas Alamán, in diesem aufstrebenden Land diese Gesangskunst als zivilisierendes Instrument betrachteten, um den Augen Europas zu zeigen, dass wir eine fortschrittliche Nation seien.

Als ich begann, die Figur Ángela Peraltas zu erforschen, erkannte ich, dass sie in diesen Kontext eingebettet war und natürlich als zivilisierendes Instrument fungierte. Die Autorin des Buches „Opera y gastos secretos“ (Oper und geheime Ausgaben) betonte, dass sie nicht nur eine privilegierte Stimme besaß, sondern auch sehr intelligent und geschäftstüchtig war. Sie folgte den Grundsätzen des 19. Jahrhunderts und hatte die Ansprüche einer perfekten jungen Dame, war aber gleichzeitig eine Frau mit einer großartigen Weltanschauung, die ihr vielleicht von ihrem Vater und später von ihren Lehrern vermittelt wurde .

An der Konferenz über die bedeutende mexikanische Sängerin nehmen die Forscherinnen Elena Kopylova, Áurea Maya und Zuly Amir López Ríos teil. Moderiert wird die Veranstaltung von Cenidim-Direktor Víctor Barrera. Die Pianisten Isis González, Maximiliano Rosas und Elías Morales sowie die Sopranistinnen Patricia Mastachi und Isamar Reyes erwecken die Partituren nach sorgfältiger Transkription und Analyse zum Leben.

▲ Giants, Peeking At The City, Havanna, Kuba, 2019. Foto: Néstor Kim / mit freundlicher Genehmigung des Künstlers und der Galerie

Alejandra Ortiz Castañares

Spezialangebot für La Jornada

La Jornada Zeitung, Samstag, 5. Juli 2025, S. 3

San Gimignano. Die Continua Galerie wurde 1990 mit nur 500 Euro in einer Garage in San Gimignano in der Toskana gegründet und zählt heute zu den innovativsten Orten für internationale zeitgenössische Kunst. Die drei Jugendfreunde Lorenzo Fiaschi, Mario Cristiani und Maurizio Rigillo gründeten die Galerie ohne finanzielle Mittel und Kontakte in der Kunstwelt und stellten von Anfang an die Konventionen der Branche in Frage. Sie verfügt heute über acht Standorte auf drei Kontinenten.

Um ihre zehnjährige Präsenz in Kuba zu feiern, organisierten sie die Ausstellung „The Ability to Dream“ (17. Mai – 9. Juli), in der 40 kubanische Künstler vertreten sind.

„Wir begannen immer mit einer Leidenschaft für die Kunst “, sagt Fiaschi aus Havanna, wo er lebt. Zehn Jahre lang arbeiteten sie ohne Bezahlung, und der Wendepunkt kam im Jahr 2000 mit einer Ausstellung des Künstlers Chen Zhen, als sogar der Sammler François Pinault seine Werke erwarb. Er vermittelte uns den Wert der Vielfalt als Prinzip und der Kunst als Brücke zwischen Kulturen .

Dieser antikolonialistische Ansatz war der Ausgangspunkt für die internationale Expansion der Galerie, die sich bewusst für Randgebiete entschieden hat: ein altes Kino in San Gimignano (ihrem historischen Standort), eine mittelalterliche Windmühle auf dem Land eine Stunde von Paris entfernt und seit 2015 ein ehemaliges Kino in Havannas Chinatown.

Das Inselabenteuer

Während der Biennale von Marrakesch besuchten Lorenzo Fiaschi und die kubanische Kuratorin Laura Salas Michelangelo Pistolettos Performance Tercer paraíso : ein Symbol ähnlich der Unendlichkeit, aber mit drei Kreisen, von denen der mittlere die Möglichkeit der Harmonie zwischen Gegensätzen darstellt. Beeindruckt von der poetischen Kraft des Werks schlug Salas vor, es auf See zwischen Havanna und Miami nachzustellen, als Geste der Versöhnung in einem vom Embargo geprägten Kontext. In einer spontanen und inoffiziellen Aktion bildeten Hunderte kubanischer Fischer mit ihren Booten dieses Symbol. Am folgenden Tag, dem 17. Dezember 2014, verkündeten Barack Obama und Raúl Castro, die Präsidenten der Vereinigten Staaten und Kubas, in dieser Reihenfolge die historische Wiederherstellung der Beziehungen zwischen ihren Nationen. Dieses kraftvolle und prophetische Zeichen inspirierte die Gründer der Continua-Galerie dazu, einen Standort in Havanna zu errichten. Mit Hilfe des Biennale-Direktors Jorge Fernández entschieden sie sich für ein altes, verfallenes Kino in Chinatown, das sie restaurierten und für das sie sogar das Dach aus Italien mitbrachten.

Pioniere in einem komplexen Kontext

Continua war die erste private und ausländische Galerie, die sich in Kuba niederließ und als Kulturzentrum fungierte. Nun gebe es einen Gesetzentwurf, der die Eröffnung privater Galerien legalisiere , erklärt Fiaschi. Ihre Einzigartigkeit auf der Insel habe internationale Künstler und Sammler angezogen: „Die Financial Times widmete uns eine ganze Seite. Unsere Kollegen konnten es kaum glauben!“, sagt er.

Künstler wie Michelangelo Pistoletto, Anish Kapoor und Daniel Buren, die unter anderem in Paris und New York regelmäßig auftreten, stellten in Havanna aus und boten dem lokalen Publikum so beispiellose Begegnungen mit globaler Kunst. Ihre Ausstellungen im November 2016 fielen mit dem Tod Fidel Castros zusammen: Pistolettos Ausstellung fand wie geplant statt, bevor die Nachricht bekannt wurde. Kapoors für den folgenden Tag geplante Ausstellung hingegen wurde aufgrund der Staatstrauer offiziell abgesagt, fand aber ohne Beleuchtung statt, sodass Besucher die Werke mit ihren Handytaschenlampen beleuchteten.

Förderung

Continua hat maßgeblich zur internationalen Bekanntheit zahlreicher kubanischer Künstler beigetragen und sie auf Messen und Ausstellungen in Europa und Asien präsentiert. Ein herausragendes Beispiel ist Yoan Capote, dessen monumentales Werk aus über tausend Vorschlägen für Art Unlimited auf der Art Basel ausgewählt und später von einem bedeutenden Museum erworben wurde.

Durch dieses Engagement hat sich nicht nur die Sichtbarkeit der Künstler der Insel verbessert, sondern auch ihre Lebensbedingungen: Sie lebten und arbeiteten nicht mehr in vier mal vier Meter großen Räumen, sondern haben nun anständige Räume, in denen sie frei leben und gestalten können .

Internationale Sammler sind von der Originalität und Ausdruckskraft kubanischer Kunst fasziniert, noch bevor sie deren Herkunft kennen. Laut Fiaschi ist kubanische Kunst deshalb so beeindruckend, weil sie sich nicht leicht klassifizieren lässt: Sie folgt keiner einheitlichen oder folkloristischen Ästhetik, sondern ist zutiefst heterogen und individuell, mit starken Identitäten und einem sehr persönlichen Stil.

Der Kontext der geopolitischen Isolation veranlasste viele kubanische Künstler, mit begrenzten Ressourcen kreative Lösungen zu entwickeln und Werke voller Einfallsreichtum und symbolischer Tiefe zu schaffen. Diese Kombination aus materieller Knappheit und konzeptionellem Reichtum fasziniert ein Publikum, das in diesen Werken eine wahrhaft universelle Berufung erkennt.

Zensur und Meinungsfreiheit

In Bezug auf die dissidente Künstlerin Tania Bruguera erkennt Fiaschi die Bedeutung der Meinungsfreiheit an, kritisiert aber ihr Vorgehen. Er verweist auf ihre Bitte, „Tatlins Flüstern“ auf der Plaza de la Revolución aufzuführen und Kubaner durch ein offenes Mikrofon zur freien Meinungsäußerung einzuladen – eine Aktion, die sie Jahre zuvor auf der Biennale in Havanna durchgeführt hatte. Damals wurde ihr ein anderer Veranstaltungsort angeboten, doch sie bestand darauf, was zu ihrem Hausarrest führte.

Dieselbe Aktion auf dem Petersplatz in Italien, bei der man sich gegen den Papst ausspricht, hätte auch rechtliche Konsequenzen , bemerkt Fiaschi, der die Aktion als provokativ und unzeitgemäß bezeichnet, insbesondere zu einem Zeitpunkt, da Kuba und die Vereinigten Staaten einen Dialogprozess begannen.

Globale Vision und Offenheit

Der Ansatz der Continua Gallery basiert auf einer langfristigen Vision und der Offenheit für kulturelle Vielfalt. „Wir begannen vor 20 Jahren in Indien, dem Nahen Osten und China zu arbeiten – wir waren die erste ausländische Galerie in China –, als sich alle fragten, was wir dort machten.“ Alles schien weit weg und schwer verständlich, aber auch anregend: Es waren kulturelle Gewürze, die unser allzu eurozentrisches Gericht verfeinerten .

Ihr Ziel: Verschiedene Welten zu verschmelzen. Diese Reisen haben ihre Entwicklung im Laufe der Zeit bereichert. Dieselbe Vision veranlasste sie, in die Messe in Dubai zu investieren und damit eine Dynamik vorwegzunehmen, die sich heute in der kürzlich angekündigten Organisation der Art Basel in Doha widerspiegelt.

Kuba sei ein großes Kulturland , so Fiaschi, mit weltberühmten Künstlern, Schriftstellern und Musikern. Das seit 63 Jahren bestehende Embargo sei eine der am längsten andauernden Wirtschaftssanktionen der modernen Geschichte. Die meisten Kubaner waren während der Revolution noch nicht einmal geboren. Diese Blockade stelle nicht nur ein praktisches Problem dar, sondern verhindere auch eine klare Einschätzung der tatsächlichen Fähigkeiten der Regierung. Angst vor der Supermacht USA führe zu irrationalen Entscheidungen. Angst fördere keine Klarheit. Die Wiederherstellung des Friedens in Kuba würde auch die Wiederherstellung der Freiheit und frischen Wind bedeuten .

▲ Bild aus der dritten Ausgabe der Manifiesta im Jahr 2023. Foto mit freundlicher Genehmigung von Eloy Tarcisio

Fröhliche Macmasters

La Jornada Zeitung, Samstag, 5. Juli 2025, S. 4

Der Constitution Plaza ist Schauplatz der vierten Ausgabe der Manifiesta, einer Performance -Kunstveranstaltung, die heute im Rahmen des 700. Jahrestages der Gründung Mexiko-Tenochtitlans stattfindet, jedoch nicht als thematische Veranstaltung. Insgesamt 50 Projekte, darunter auch Videomapping, die im Rahmen einer Ausschreibung eingereicht wurden, werden von 11 bis 18 Uhr präsentiert.

„Die Initiative entstand 1993 als konzeptionelles Manifest für die Eröffnungsausstellung der damals Ex Teresa Arte Alternativo genannten Ausstellung, in der Werke von Helen Escobedo, Felipe Ehrenberg und Marcos Kurtycz gezeigt wurden. Sie wurde 1997 mit der Teilnahme von 37 Künstlern wiederholt, diesmal mit einer Arbeitsmethodik, bei der wir den Raum verließen, um das Äußere zu besetzen“ , sagt Eloy Tarcisio (Mexiko-Stadt, 1954), der von 1993 bis 1995 und von 1996 bis 1998 Direktor des dem Nationalen Institut für Schöne Künste und Literatur angegliederten Veranstaltungsortes war. „Für ihn sollte Kunst nicht nur einem spezialisierten Publikum vorbehalten sein, das sie aufsucht, sondern wir sollten den Künstler mit der breiten Öffentlichkeit konfrontieren .“

Im Jahr 2023 brachte Manifiesta III 70 Künstler verschiedener Disziplinen zu einer Veranstaltung in der Straße Primo Verdad zusammen, wo sich das Museum befindet. „Die Erfahrung der 30 Jahre seit der Gründung von Ex Teresa – heute Ex Teresa Arte Actual – und die Veranstaltung eines Festivals auf der Straße vor dem Museum gaben mir eine andere Sicht auf die künstlerische Praxis, bei der die Künstler gleichzeitig, zu einem bestimmten Zeitpunkt, so arbeiteten, dass sie zum Publikum ihrer eigenen Werke wurden. Es ging nicht mehr nur darum, das Publikum außerhalb der Kunst zu beeinflussen, sondern auch darum, sich selbst zu erfahren“, sagte Eloy Tarcisio gegenüber La Jornada.

Er erkannte, dass ein Raum benötigt wurde, der die Meinung des Künstlers außerhalb des White Cube, des traditionellen Kunstkontexts von Museen und Messen, zum Ausdruck bringen konnte und der sich stärker an ein Publikum aus kommerzieller Perspektive richtete . Die Besorgnis einiger Künstler über die Zukunft von Manifiesta motivierte Tarcisio, eine vierte Ausgabe zu starten. Darüber hinaus bot uns der 700. Jahrestag der Gründung Tenochtitlans die Gelegenheit, den Rahmen für eine andere Art ästhetischer Erfahrung zu schaffen .

–Warum auf dem Zócalo?

– Weil die vier Zweige des Bundes und der Kirche präsent sind und eine beeindruckende Anzahl von Menschen vorbeikommt. Die Tatsache, dass Künstler gleichzeitig am selben Ort arbeiten, ermöglicht es den Zuschauern, sich frei zu bewegen und auf zufällige Weise ein ästhetisches Erlebnis zu erleben.

Die Themen der teilnehmenden Künstler reichen von Gewalt, Ethik, Krieg bis hin zu Umweltfragen. Dadurch wird Manifiesta zu einem Raum für vielfältige Stimmen und ästhetische Erfahrungen in einem Laborkontext . Manifiesta entstand daher als Aufschrei und als eine Feier dessen, was in unserer Umwelt geschieht .

Kein eingereichtes Projekt musste eine Jury oder ein kuratorisches Komitee durchlaufen, da alle nach den Kriterien eines jeden angenommen wurden, der sich selbst als Künstler bezeichnet, und was sie als Kunstwerk schaffen, wird auch genau das. Mit anderen Worten: Es besteht keine Absicht der Legitimierung. Es handelt sich nicht um einen Raum, der legitimiert, sondern um einen offenen, in dem der Künstler seine Arbeit legitimiert. Wenn es gut ist, wird es bemerkt; wenn es schlecht ist, wird es auch bemerkt. Wenn es stimmig ist und die Öffentlichkeit beeinflusst, wird es bemerkt. Andernfalls wird es sich verselbstständigen und aus dem Kontext seiner eigenen Arbeit herausgelöst .

–Wie sieht die Zukunft von Manifiesta aus?

Es ist zu einem Manifest horizontaler Arbeit geworden, an dessen Erhalt Künstler arbeiten müssen. Es ist kein Raum, den ich selbst bewahre, sondern einer, der sich den Stimmen von Künstlern öffnet, mit dem Ziel, aus dem White Cube auszubrechen und Werke für unkonventionelle Betrachter zu schaffen, auch in Räumen, die nicht für Kunst konzipiert sind.

Für Eloy Tarcisio ist Performance eine Handlungsphilosophie, eine Übung im direkten Kontakt, die darauf abzielt, die Reflexion des Alltagslebens rund um menschliche Probleme weiterzuentwickeln . Darüber hinaus hat der Künstler die Verpflichtung, sich mit seinem Thema auseinanderzusetzen und über konventionelle Praktiken wie Galerien, Messen und den Kunstmarkt hinaus zu sprechen .

Denken Sie daran, dass es bei Auftritten um Ethik und Verantwortung geht. Der Künstler muss sich bewusst sein, dass er ein Meinungsführer ist und dass alles, was er sagt oder tut, Auswirkungen auf das Publikum hat. Wenn er sich nicht darüber im Klaren ist, was seine Handlungen provozieren könnten, kann das Ergebnis unangemessen sein .

▲ Das Werk des Choreografen César Brodermann feiert dieses Wochenende im Teatro de la Ciudad Premiere. Foto mit freundlicher Genehmigung der Produktion.

Fabiola Palapa Quijas

La Jornada Zeitung, Samstag, 5. Juli 2025, S. 4

Return, ein Werk des Choreografen und Direktors der Aterno-Kompanie, César Brodermann, „ist eine Reise der Selbstfindung und Reflexion darüber, was im Leben wirklich zählt. Ein sicherer Raum, in dem das Spiel zu einem Werkzeug auf der Suche nach Freiheit und Kreativität wird.“

Durch Bewegung wird eine Verbindung mit der Essenz der Kindheit hergestellt , erklärte der Schöpfer in einem Interview, der sein Stück heute und morgen im Esperanza Iris City Theater uraufführt.

In Regreso beginnt Brodermann mit einer einfachen, aber tiefgründigen Frage: Wann haben Sie das letzte Mal ohne Grund, ohne Angst, ohne Ziel gespielt? Diese Frage wird zu einem Bühneninstrument, das Publikum jeden Alters fesselt.

Die Produktion entstand über fünf Monate hinweg in offenen Laboren, gemeinsamen Proben und Prozessen, in denen jedes Teammitglied eine Stimme hatte. Am Ende präsentiert Brodermann dem Publikum ein Live-Stück, das bei jeder Aufführung anders sein wird.

„Regreso entstand aus dem Bedürfnis, mich daran zu erinnern, was mir das Gefühl gibt, lebendig zu sein und was ich beim Tanzen fühle. Das Spiel gibt mir die Möglichkeit, frei zu erkunden, wer ich bin, wer ich sein möchte und wie ich werden möchte“, kommentierte der Choreograf, der neun Tänzer und drei Auszubildende in den kreativen Prozess einbezog.

„Im Rahmen des Projekts analysieren wir Spiel und Kindheit, wobei alles, was wir tun, intuitiv und nicht analytisch ist, denn wenn man anfängt, erwachsen zu werden, sagt man: ‚Ich kann das nicht oder ich muss mich so verhalten‘, aber wenn man klein ist und ein riesiges T-Shirt tragen möchte, zieht man es an, und wenn man die Straße entlang rennen möchte, tut man das.“

Also beschloss ich, mich mit der Frage zu befassen, warum das Spielen in unserem täglichen Leben, ob als Kind oder als Erwachsener, notwendig ist und wie wir auf diese Ideen zurückkommen können, denn als Kind sind wir sehr fantasievoll, wir haben viel Vorstellungskraft , fügte er hinzu.

Der Künstler möchte mit seinem Werk eine Verbindung herstellen und das Publikum befreien. „Mich interessiert, dass die Menschen Freiheit empfinden, sich lebendig fühlen und Wege finden, diese Freiheit zu erreichen“ , sagte der Künstler.

Das Spiel ergibt im choreografischen Vorschlag einen Sinn und bietet dem Körper die Möglichkeit, ein Weg zur Erinnerung zu sein und dadurch eine Verbindung mit der Freiheit herzustellen, die im Laufe der Zeit vergessen wurde.

Nach einem Jahrzehnt künstlerischer Transformation und nachdem er an verschiedenen Orten wie New York und Tel Aviv gelebt hat, stellt Regreso für den Choreografen auch eine Rückkehr an seinen Geburtsort, sein Heimatland dar; es ist eine Hommage an seine frühen Jahre, an das Land, in dem er seine ersten Schritte machte und das ihn aus seiner ewigen Liebe zum Tanz zurückbrachte, um seine Kompanie zu gründen.

Brodermann ist ein multidisziplinärer Künstler, zeitgenössischer Tänzer, Fotograf, künstlerischer Leiter und Gründer von Aterno. Seine Arbeit zeichnet sich durch einen tief emotionalen und körperlichen Ansatz aus, bei dem der Körper nicht mehr nur ein Archiv von Erinnerungen und Emotionen ist, sondern zum perfekten Vehikel für Kommunikation durch Bewegung wird.

Das Stück Regreso, das mit der Steuervergünstigung gemäß Artikel 190 des LISR (Efiartes) gefördert wurde, wird heute und morgen um 19:00 Uhr bzw. 18:00 Uhr im Esperanza Iris City Theater (Donceles 36, Historisches Zentrum) uraufgeführt; am 11. und 12. Juli wird es kostenlos um 17:00 Uhr im Saal Elisa Carrillo des Bicentennial Mexiquense Cultural Center aufgeführt; und am 20. und 21. November um 20:00 Uhr sowie am 22. und 23. November um 19:00 Uhr und 18:00 Uhr (in dieser Reihenfolge) im Theater Raúl Flores Canelo des Nationalen Zentrums für Künste.

▲ Die Handlung präsentiert eine neue Art der Verbindung mit Technologie , erklärte Drehbuchautor und Regisseur Óscar Tapia. Foto mit freundlicher Genehmigung der Produktion.

Daniel López Aguilar

La Jornada Zeitung, Samstag, 5. Juli 2025, S. 5

In Figaro und der Android wird die Oper als Science-Fiction-Abenteuer neu interpretiert; sie wird heute und morgen im Teatro de las Artes des Nationalen Zentrums für Künste (Cenart) aufgeführt.

Der Vorschlag zielt darauf ab, das lyrische Genre einem neuen Publikum durch Humor, Fantasie und Reflexionen über die Beziehung zwischen Menschen und ihren Schöpfungen näherzubringen.

Der berühmte Barbier Figaro kehrt zurück, doch sein Weg führt ihn in eine mögliche Zukunft . Zusammen mit Doktor Alchemist folgt er einem Hilferuf vom Mond: Kira, die letzte freie Frau, bittet um Hilfe im Kampf gegen Olympia, den Androiden, der die Erde beherrscht. Als es ihnen gelingt, die Maschine zu deaktivieren, entdecken sie, dass ohne sie die Welt untergehen würde.

Die Handlung stellt eine neue Art der Verbindung mit der Technologie dar und unterstreicht unsere Abhängigkeit von dem, was wir erschaffen , erklärte der Drehbuchautor und Regisseur Óscar Tapia in einem Interview mit La Jornada.

In der Geschichte steht Science-Fiction im Dialog mit der klassischen Oper durch Fragmente von Mozart, Rossini, Dvorak und anderen Komponisten.

Das Atizapán Philharmonic Orchestra, bestehend aus jungen Musikern unter der Leitung von Édgar Rainier Palacios, führt Stücke wie die Ouvertüre zu Così fan tutte, das Katzenduett und die Mondarie auf, die Kira aus ihrer Perspektive der Erde singt.

Olympia bietet eine erneuerte Version von Offenbachs Puppenarie , eine Reflexion ihres Zustands zwischen dem Menschlichen und dem Mechanischen.

Tapia betonte den kollektiven Charakter der Produktion, der durch die Beiträge der Besetzung genährt wird: Amed Liévanos und Alberto Albarrán spielen Figaro; Luis Rodarte und Alexander Soto spielen Doctor Alchemist; Rosalía Ramos und María Anaya spielen Olympia; Tania Solís und Angélica Alejandre spielen Kira; Linda Saldaña, Penélope Lázaro und Rosa Muñoz spielen Hypatia von Alexandria; und Enrique Guzmán und Ricardo Estrada spielen Lindoro.

„Zuerst haben wir das Drehbuch überprüft und verbessert; dann hat Gabriel Ancira die Kostüme und Bühnenbilder entworfen; schließlich haben wir geprobt, um Musik, Bühnenbild und Erzählung zu integrieren“ , erklärt der Regisseur.

Die Geschichte lässt die Hofintrigen hinter sich und entwirft eine Erzählung, die die Zukunft hinterfragt. Hypatia von Alexandria, Wissenschaftlerin und Leiterin der legendären Bibliothek, spielt eine Schlüsselrolle: Im Stück schenkt sie Olympia einen Körper in der Hoffnung, der Menschheit zu helfen, muss aber am Ende mit ansehen, wie sie ihre eigenen Ideale verrät.

Wie in der klassischen Science-Fiction stellt die Inszenierung die Frage, was wir bauen, mit welcher Absicht und zu welchem ​​Preis , betonte Tapia.

Das Projekt möchte auch die Kluft zwischen Publikum und Oper überbrücken. Die Aufführung erfolgt auf Spanisch und in einem an Film oder Fernsehen erinnernden Format. Durch die Kombination von Live-Schauspiel und Gesang wird eine direkte Verbindung zwischen Publikum und Oper hergestellt.

„Wir möchten Kindern und Erwachsenen die schönsten Aspekte der Oper näherbringen“ , fügte der Regisseur hinzu und betonte, dass die Musikstücke ein wesentlicher Teil der Geschichte seien.

Es wirft auch Fragen auf, die uns zwingen, nach innen zu blicken: Was passiert, wenn das, was wir erfinden, unverzichtbar wird? Kontrollieren wir die Technologie oder werden wir letztlich von ihr beherrscht?

Wir möchten mit klassischer Oper faszinieren und das Publikum gleichzeitig mit den Auswirkungen dessen konfrontieren, was wir geschaffen haben , so Óscar Tapia abschließend.

Die Oper Figaro und der Android, eine Produktion von Arándano AC, wird heute und morgen viermal um 12:00 Uhr und 14:30 Uhr im Cenart Theater der Künste (Río Churubusco 79, Viertel Country Club Churubusco) aufgeführt. Tickets kosten 150 Pesos.

Aus der Redaktion

La Jornada Zeitung, Samstag, 5. Juli 2025, S. 5

Zeit erforschen, mit Schatten gestalten und Wunder modellieren. Diesen Sommer bieten das Museum of Modern Art (MAM) und das University Museum of Contemporary Art (MUAC) zwei Workshops für Kinder von 6 bis 12 Jahren an, um Kunst durch Neugier, Fantasie und Erinnerung zu entdecken. Die Aktivitäten finden vom 21. Juli bis 8. August statt.

„Moderns in Action: A Journey Through Time“ lädt Sie ein, die Moderne anhand ikonischer Werke, Skulpturen und Konzeptkunst zu erkunden, und „PLAY: The Playful Box of Expanded Theater and Cinema“ bietet eine Sinnesreise mit Bildern, Schatten und Performances, die vom Mythos von Platons Höhle inspiriert sind.

Beide Initiativen wollen das Museum zu einem lebendigen Ort machen, an dem Kinder erfinden, fragen und entdecken können. Bei Spielen, Ausflügen und Picknicks nimmt die Fantasie Gestalt an.

Das MAM bietet ein Programm, das in drei Themenwochen unterteilt ist. Die erste Woche widmet sich der Moderne mit einer Ausstellung, darunter Werke wie Kahlos „ Die zwei Fridas“ und Werke von Dr. Atl und Remedios Varo. Kinder gestalten Werke, die von diesen Techniken inspiriert sind.

Die zweite Woche ist der Bildhauerei gewidmet: Die Teilnehmer besuchen den Skulpturengarten und die Ausstellung „Drifts of Sculptural Form“ und modellieren anschließend ihre Werke.

Der dritte Kurs konzentriert sich auf abstrakte und konzeptuelle Kunst. Kinder erstellen bildende Kunst, Fotografien und Mail-Art, um sie mit dem Nationalmuseum von San Carlos zu tauschen.

Täglich finden Führungen, fächerübergreifende Aktivitäten und freies Spielen statt. Mittags gibt es eine Mittagspause und ein gemeinsames Essen; mittwochs gibt es Überraschungen wie Zirkusvorstellungen oder Theaterführungen.

„Wir beginnen mit lebendigen Darstellungen, die das Erlebnis verändern “, sagte Adela González, Leiterin der Bildungs- und Vermittlungsabteilung des MAM (Paseo de la Reforma, Wald Chapultepec). Die Aktivitäten finden montags bis freitags von 10 bis 14 Uhr statt und bieten Platz für 60 Kinder. Für weitere Informationen wenden Sie sich bitte an [email protected] .

Vom 4. bis 22. August präsentiert das MUAC PLAY…, gestaltet vom Estudio Nómade. Kreation trifft auf Experiment: Lucida-Kameras, Daumenkinos, Crankie-Bücher, Masken und Acetat-Sets bilden ein Werkstatt-Labor.

Das Programm beginnt mit Aktivitäten und einem Besuch in Cuicuilco. Anschließend experimentieren die Kinder mit Schattentheater und Masken und erkunden den Skulpturenraum und den Skulpturengarten. Der Workshop endet mit Proben und der Präsentation der fertigen Inszenierung vor den Familienmitgliedern.

Die Sitzungen finden montags bis freitags von 10:00 bis 14:00 Uhr im MUAC Agora (CCU, Insurgentes Sur 3000) statt. Für weitere Informationen senden Sie bitte eine E-Mail an [email protected] .