Die Entstehung des Urknalls: Malba würdigt Luis Felipe Noé mit wenig bekannten Werken

Im intimsten Raum des Malba-Museums , einer Kapelle, wie sie ihr künstlerischer Leiter Rodrigo Moura beschreibt, und hinter einer vergrößerten Fotografie von Luis Felipe Noé in seinem Atelier aus dem Jahr 1960 – ein Porträt des Fotografen Sameer Makarius – befinden sich fünf seiner Werke, die nur sehr selten zu sehen waren und für das Verständnis seiner umfangreichen Karriere von wesentlicher Bedeutung sind.

Auf dem Foto ist Noé gerade einmal 27 Jahre alt und weiß noch lange nicht, welchen Platz er in der Geschichte der zeitgenössischen Kunst unseres Landes einnehmen wird , der ihm dank seiner disruptiven Vision, seiner Unzufriedenheit mit der Einhaltung etablierter Kanons und seiner Großzügigkeit gegenüber Kollegen, Freunden und Künstlern anderer Generationen zusteht.

Diese von Malba und der Noé-Stiftung geförderte Hommage bringt dem Publikum die kreative Kraft dieses vielschichtigen und vielseitigen Künstlers anhand seiner Werke aus den Jahren 1962 bis 1965 näher, einer Schlüsselphase und der Entstehung des Urknalls. Obwohl er sieben Jahrzehnte lang und bis zu seinem 90. Lebensjahr unermüdlich arbeitete , konzentriert sich hier der Beginn seines Bruchs.

1960 präsentierte Rafael Sqirru, Direktor des brandneuen Museums für Moderne Kunst, die erste internationale Ausstellung moderner Kunst in Argentinien. Sie umfasste neben Werken des jungen Noé auch Werke von Jackson Pollock, Willem de Kooning, Antoni Tàpies, Candido Portinari und Lygia Clark sowie vieler anderer lokaler Künstler der neuen Generation. Die Internationalisierung der Kunst unseres Kontinents stand auf der Tagesordnung.

Zwei Jahre später organisierte die Galerie Bonino, eine der solidesten und bahnbrechendsten ihrer Zeit und Schöpferin eines ehrgeizigen Plans, der Zweigstellen in Buenos Aires, Rio de Janeiro und New York vorsah, eine Ausstellung in Brasilien, die zum Dialog zwischen den Regionen und den sich mit Nachdruck etablierenden Avantgardebewegungen beitrug und bei der Künstler wie Antonio Díaz oder Rubens Gerchman sagten: „Betet Noah an, denn er ist schmutzig“ , und bezog sich dabei auf seine Fähigkeit, die Kraft der Materialität und der bildlichen Zerstörung wiederzuerlangen, wie Malbas Chefkuratorin Marita García erklärte.

In diesem Jahrzehnt wurde Noé Vater und unternahm wichtige Schritte nach seiner ersten Ausstellung in der Witcomb-Galerie im Jahr 1959, wo er sich mit Jorge de la Vega und Alberto Greco anfreundete , mit denen er Visionen rund um die Idee der Demontage von Kunst teilte, oder mit Romulo Macció, der ebenfalls in der von Makarius porträtierten Werkstatt in der Avenida Independencia im Herzen des Viertels San Telmo arbeitete.

Sie waren Freunde, Zeugen und kreative Komplizen, was sich in der Ausstellung „Otra Figuración“ zeigte, die sie 1961 im Salón Peuser präsentierten und die zur Gründung der Gruppe New Figuration führte, in der Noé, de la Vega und Macció sich mit Ernesto Deira zusammenschlossen, um einen Vorschlag zu entwickeln, der Abstraktion und Figuration zu überwinden suchte, der den Menschen in den Mittelpunkt der Themen stellte, nicht als Darstellung, sondern als Präsenz, und der uns einlud, die Welt mit anderen Augen zu sehen.

Zu diesem Anlass luden sie auch Makarius und Carolina Muchnik ein, obwohl die Gruppe letztlich aus vier Personen bestand, die vier Jahre lang Seite an Seite arbeiteten, auch als sie ins Exil nach Paris gingen.

In Noés Werk begannen die materielle Ladung, die Krise des Bildobjekts und die Idee der geteilten Malerei oder der gebrochenen Vision aufzutauchen, zusätzlich zu Gesten des Chaos, der Gewalt und der Explosion des Kerns der Kunst. Wie Marita García betont, beschlossen sowohl er als auch die anderen Mitglieder der Gruppe, in ihr Land zurückzukehren und dort zu investieren , eine Entscheidung, die Früchte trug mit Ausstellungen, die sie gemeinsam in Bonino, Lirolay und dem Nationalmuseum der Schönen Künste entwickelten, sowie ihrer Teilnahme am Di-Tella-Preis. Der Bruch mit der Malerei wurde gut aufgenommen.

Am Ende dieser kurzen Zeitspanne, zwischen März und Dezember 1964, gewann Noé ein Stipendium, das es ihm ermöglichte, seinen Wohnort zu wählen. Seine Wahl fiel auf New York , wo er Werke wie „Newport Festival“ schuf, eines von fünf Werken dieser Hommage, das die Verwendung alltäglicher Materialien wie Holz, Kunststoff, Metall, Acetat und Epoxidharz sowie die Entstehung der Dreidimensionalität demonstriert, bei der Figuren entstehen und eine Verbindung zwischen den Ebenen herstellen.

Noé erklärte: „Das Bewusstsein, dass ich, eingetaucht in eine einhüllende Atmosphäre, nur beruhigt ein Chaos angenommen hatte, während die Welt um mich herum mir nur Spannungen und Brüche als Schauspiel bot , brachte mich dazu, von einer gebrochenen Sicht, einem geteilten Bild und zum ersten Mal bewusst von der Annahme des Chaos zu sprechen.“

Dieses Werk bezieht sich auf das berühmte Folkmusik-Treffen, bei dem Bob Dylan ein Jahr später des Hochverrats angeklagt wurde, weil er dort zum ersten Mal live eine E-Gitarre spielte, obwohl er damit lediglich die Zukunft der Szene verändern wollte. Yuyo, unser Rebell und Förderer neuer Visionen , hat in dieses Gemälde ein kleines Porträt, eine Karte der Region – so versteht Rodrigo Moura sie zumindest –, eine an die Gegend erinnernde Landschaft und Materialien wie Acetat eingearbeitet.

Mit diesem Titel spielt er auf repräsentative Momente der Popkultur an, um Kritik zu üben und vor allem zur Debatte anzuregen. Hat er das Festival besucht? Wie stark hat die amerikanische Kultur seine Arbeit in diesen Monaten beeinflusst? Handelt es sich um ein Selbstporträt? Ein Werk, das – wie alle großen Werke – mehr Fragen aufwirft als beantwortet .

Dasselbe passiert mit „Christ of Sin“ von 1963 , einem riesigen Gemälde, das ebenfalls anonyme Figuren zeigt, die sich in die untere Ecke der Leinwand drängen, während die Mitte von einem großen, imposanten Loch eingenommen wird, das durch ein Feuer entstanden ist, das die Komposition überdeckt und nur das Skelett (einen verkohlten Rahmen) freigibt. Ein Stück Papier ist darauf geklebt, fast unleserlich, obwohl einige Buchstaben, die dem Akronym INRI ähneln, zu erkennen sind. Vielleicht ist es das oder eine optische Täuschung, denn die dargestellte Figur ist die eines Kreuzes. Wieder Fragen über Fragen …

In diesen Jahren wagte sich Noé auch an das Schreiben , einen sehr wertvollen Zweig seines Denkens, und so endeten die ersten fünf Jahre der 60er Jahre mit der Präsentation seines ersten Buches, Antiestética , das von vielen als eine Bibel angesehen wird und das er mit Unterstützung der Galerie Van Riel vorstellte und in dem er seine These zum Chaos als Struktur darlegt.

Es folgten zahlreiche weitere Titel, darunter „Assuming Chaos“ und „In Therapy“ , das seine Rückkehr zur Malerei dank einer Therapie dokumentiert und in Zusammenarbeit mit der Galerie Rubbers erschien, mit der er jahrzehntelang zusammengearbeitet hatte. Obwohl es Yuyo in den folgenden Jahrzehnten gelang, nahezu alle Bereiche der Kunstwelt zu erobern, gibt es über diesen Shootingstar, der eine unendliche Spur hinterließ, noch viel zu erzählen.

„Hommage an Yuyo Noé in Malba“ ist bis zum 29. September im Museum für lateinamerikanische Kunst in Buenos Aires (Av. Figueroa Alcorta 3415) zu sehen.