Musikalische Hommage an Goyeneche in Nuevo Baztán

Das Wappen des Hauses Goyeneche ist ein Schachbrettmuster mit ausgesprochen modernem Aussehen. Der Mangel an Verzierungen und die Einfachheit seines Designs bringen es einer rationalen, geordneten und essentiellen Denkweise näher. Es soll vom navarrischen König Sancho nach der Schlacht von Las Navas de Tolosa verliehen worden sein, die als eines der grundlegenden Ereignisse der Reconquista zu Beginn des 13. Jahrhunderts in Erinnerung geblieben ist. Die Familie Goyeneche stammte aus dem Baztán-Tal und reiste von dort in sehr verschiedene Richtungen und ließ sich in Peru, Frankreich und anderswo in der Nähe von Alcalá de Henares nieder. Hier wurde Neu-Baztán erbaut, ein Beispiel einer idealen Stadt wie Babel oder die Modelle von Le Corbusier. Ihr Förderer war Juan de Goyeneche (1656-1735), ein Vorläufer der Aufklärungsbewegung, der bald seine Heimat verließ, um nach Madrid zu gehen, entschlossen, der Schwermut eines Landes, das tief zwischen Adel und Kirche verwurzelt war, neues Leben einzuhauchen. Der dritte Weg von Juan de Goyeneche beinhaltet die Verteidigung der Bourbonen-Dynastie und die Förderung – zusammen mit dem Architekten José de Churriguera – jener Stadt mit netzartigem Städtebau, die, als wäre sie das Familienwappen, Ordnung in das Leben einer Gruppe von Siedlern brachte, die sich der Herstellung von Glas, Stoffen, Hüten und Papier widmeten.

Die Ordnung und Hierarchie der Straßen von Nuevo Baztán offenbaren Goyeneches Reformideen, genauso wie die musikalischen Affinitäten der damaligen Madrider Gesellschaft durch die Musik seiner Ära zum Ausdruck kommen. Architektur und Musik standen als Künste der Proportion immer schon in enger Beziehung, die es zu erforschen und zu erfahren gilt. Das materielle Erbe der Musik nimmt die Form einer Partitur, eines Gemäldes, eines Kostüms, eines Fächers oder eines Instruments an. Mit dem Ziel, das Klangbild von Goyeneches Ära wiederzubeleben, ist die Ausstellung „ Der Soundtrack von Goyeneches Madrid “ bis zum 29. Juni im Interpretationszentrum Nuevo Baztán zu sehen. Diese Ausstellung, organisiert vom Ministerium für Kultur, Tourismus und Sport der Autonomen Gemeinschaft Madrid und kuratiert von Judith Ortega Rodríguez , ist zu sehen.

Die gezeigten Beispiele enthüllen einen kraftvollen musikalischen Herzschlag, der aus der Perspektive des 21. Jahrhunderts eine besondere Anziehungskraft besitzt. Zahlreiche Forschungsarbeiten haben zu ebenso vielen musikalischen Praktiken geführt. Ortega kennt das Thema sehr gut, und dies wird in der Synthese deutlich, mit der er das Umfeld des Hofes und des Adels erklärt, das Vordringen in das aristokratische Theater und sogar in den Militärbereich, und wie sich parallel dazu die Kirchenmusik entwickelt, die eine große Kuppel bildet, unter der andere, besonders identitätsstiftende Repertoires wachsen, die näher am Alltag und an der Unterhaltung sind. Vornehmheit und Eigenart vermischten sich im französischen Umfeld, das von der Bourbonen-Dynastie aufgezwungen wurde, obwohl sich aufgrund des Einflusses Italiens, der im Laufe des 18. Jahrhunderts durch das Eingreifen der Gemahlinnen Maria Luisa von Savoyen, Isabel de Farnesio und Barbara de Braganza an Bedeutung gewann, sofort charakteristische Gesten herausbildeten.

Der Beginn des Jahrhunderts brachte Ideen und eine Richtungsfindung mit sich, die sich im Ausstellungsraum Nuevo Baztán widerspiegeln. Gleichzeitig waren die Gruppe Ars Combinatoria und jüngst Concerto 1700 in der Kirche San Francisco Javier zu hören, die sich der Instrumentalmusik und der Sonate als charakteristischer Musikform widmet. Es ist der Interpret, der letztlich Gegenwart und Vergangenheit verbindet und als Einziger das Geheimnis des Verlorenen wieder aufleben lassen kann. Doch ist es hilfreich, dies im Kontext des natürlichen Raums zu tun. Die Kirche San Francisco Javier, die noch immer restauriert wird, lässt Churrigueras üppige Ornamentik wieder aufleben, doch vor allem bietet ihre Größe einen Raum, der den häuslichen Charakter der im Programm präsentierten Werke zu integrieren vermag.

Scarlatti war ein eindrucksvoller Auftakt, denn die musikalische Autorität des Komponisten ist unbestreitbar und das Konzert 1700 erschafft auf fantasievolle Weise die scheinbare Korrektheit dieses Repertoires, das fortan mit der Agilität einer Jam-Session aufgeführt wird. So bewies Ester Domingo Qualität in der „Sinfonie für Cello“ von Giacomo Facco , der als Pionier der solistischen Verwendung dieses Instruments gilt. Der Cembalist Ignacio Prego betrachtete mit außerordentlicher Scharfsinnigkeit die Sonate Nr. 11 des nicht minder innovativen Sebastián de Albero , eines Autors, dessen kurzes Leben ihn nicht davon abhielt, Zeugnis von einer persönlichen Neigung zum Sentimentalent zu hinterlassen. Pablo Zapico vertiefte sich in die sehr merkwürdigen Meditationen des Gitarristen Santiago de Murcia , dessen „Grabe“ auf das Echo hinweist, das viele dieser Werke in der Neuen Welt, in diesem Fall im kolonialen Mexiko, fanden.

Und Daniel Pinteño war auch der Protagonist anderer Kompositionen, bei denen die Violine im Mittelpunkt stand. Die Wiederentdeckung der konventionelleren „Sonate Nr. 1“ des unbekannten Mauro D’Alay in der Neuzeit ist ein relevanter Umstand, der durch die Ausgabe von Raúl Angulo ermöglicht wurde. Guillermo Turina , Ana Lombardía und Daniel Pinteño selbst sind für die Transkription anderer Werke des Programms verantwortlich, wie etwa der sehr überraschenden „Sonata a violino solo“ von Juan de Ledesma , die sich merkwürdigen Instrumentaleffekten widmet, die in ihrem Ansatz so einzigartig wie in ihrer Ausführung komplex sind. Auch die „Toccata V“ von José Herrando , der wie Ledesma Mitglied der Königlichen Kapelle von Madrid war, ist ein Beispiel für einen boomenden Geigenmarkt, der einen ebenso wesentlichen Teil des spanischen 18. Jahrhunderts prägte. All dies wurde mit technischer Genauigkeit beobachtet und mit wahrer Zufriedenheit genossen. Denn dies wurde durch den Vorschlag von Daniel Pinteño und die Aufführung des Concerto 1700 möglich, das in diesem Fall der Wiederherstellung des „Soundtracks“ einer Ära gewidmet war, die, wie der außerhalb des Programms aufgeführte Fandango zeigt, Leichtigkeit und Beweglichkeit mit Vorstellungskraft in Einklang brachte: jene alte und heute mehr denn je notwendige Fähigkeit der Seele, die aufgeklärte Persönlichkeiten wie Juan de Goyeneche mit Vernunft und Fortschritt vereinten.