Wütend oder minimalistisch, die Geste der abstrakten Fotografie in der Larivière-Stiftung

Die Möglichkeit, die die Fotografie in Bezug auf das Erfasste als etwas Existierendes aufrechterhält – einen klaren Knotenpunkt innerhalb dessen, was das Gerät vorschlägt – wird durch den Fokus bedingt. In einem wesentlichen Punkt ist dies bereits seit einigen Jahrzehnten der Fall. Aus dem durch Fokussierung erzeugten fotografischen Schnitt werden Ausschnitte der jeweils erfassten Wirklichkeit gewonnen, die als eigenständige Werke funktionieren und das widerspiegeln, was das Auge des Autors in dem von ihm Betrachteten wahrnimmt.

Aber die Ausstellung Photographic Abstractions , die in der Larivière Foundation zu sehen ist, von Alexis Fabry kuratiert wird und deren Ausstellungsdesign von Juan Lo Bianco sehr suggestiv ist, zeigt den anderen Knotenpunkt, der den Begriff „abstrakt“ in Bezug auf die Fotografie beinhaltet. Dabei werden sowohl lichtempfindliche Emulsionen – die durch verschiedene chemische Faktoren verändert werden können – als auch Fotos verwendet, die direkt „kopiert“ werden, wenn sie zwischen Licht und eine lichtempfindliche Platte gelegt werden.

Die Gründe für diesen Schnitt innerhalb einer Sammlung von über 400 Fotografen liegen in der Verwendung des titelgebenden Substantivs, was in den Worten des Kurators sehr deutlich zum Ausdruck kommt. „Die Ausstellung oszilliert frei, je nach den Neigungen von Jean-Louis Larivière , zwischen zwei seiner Inspirationen: einerseits dem Informalismus und dem abstrakten Expressionismus und andererseits den Geometrien des kalten Amerikas“, sagt Fabry, ein Freund des Sammlers und Gründer des Raums in La Boca, mit dem er die Leidenschaft für die Fotografie teilt.

Jean-Louis ist der Meinung, dass abstrakte Fotografie im Gesamtkorpus keinen bedeutenden Platz einnimmt, aber „sie ist sicherlich präsent und war es von Beginn an in der Sammlung“, sagt er über die erste Ausstellung der Stiftung im Jahr 2022. „Ich sah die Gelegenheit, fotografische Materialien zu zeigen, die sich stark von denen in der dicht besiedelten Ausstellung „Dreams of Spider Woman“ unterschieden und diese ergänzten. Es waren radikale Materialien, inspiriert vom Experimentieren, wie viele der Werke in der Eröffnungsausstellung.“

So findet man in der Reihe „Fotografische Abstraktionen“, einer Studienrichtung innerhalb der Sammlung lateinamerikanischer Autoren, Werke von León Ferrari oder Julio Le Parc , die sich für ihre Produktionen normalerweise anderer Geräte bedienten, sowie sehr interessante Variationen der Werke von Sameer Makarius und dem Kolumbianer Jorge Ortiz , die der bildlichen Abstraktion sehr nahe stehen, auf Experimenten basieren und bei denen die Kamera an Bedeutung verliert, um sich auf den fotografischen Prozess und die Freiheit zu konzentrieren, die das Labor mit sich bringt.

Unter denjenigen, die mit diesem Ansatz Ausschnitte erstellen, ragen die argentinischen Künstler Andrea Ostera , Jorge Roiger und Facundo de Zuviría hervor, die auf die geometrische Substanz oder formale Harmonie einer gezeichnet wirkenden Architektur hinweisen . Juan Travnik und der Kolumbianer Santiago Rebolledo zeichnen sich dadurch aus, dass sie die Überreste einfangen, die Spuren an den Wänden, wo etwas passiert ist, das kaum eine subtile Präsenz aufweist.

Víctor Robledo und Geraldo de Barrios , der erste Kolumbianer und der zweite Brasilianer, verwenden das Fenster als Vermittler zwischen zwei Visionen, die von dem reichen, was das Licht im Winkel eines hängenden Glaswerks reflektiert, bis zu dem, was dieser Pseudo-Bildschirm ausschneidet und mit Drähten, die fast wie schwarze Linien funktionieren, etwas Einfaches und zugleich Kurioses enthüllt.

Der Chilene Cristián Silva-Avária schneidet, bis er eine malerische Abstraktion à la Mark Rotko erreicht, und der Kolumbianer Fernell Franco, der im letzten Jahr eine interessante Einzelausstellung hatte , lässt durch die Art der willkürlichen Bearbeitung der dem Regen ausgesetzten Kopie den Hinweis auf das Erfasste fast verschwinden.

Ein weiterer Punkt in Fabrys Text betrifft einen bestimmten Ursprung der fotografischen Herangehensweise an die Dokumentation. Er stellt fest: „Die Mauern Amerikas, vom Salpeter zerfressen, durch Stöße zerschrammt oder in leuchtenden Farben leuchtend, waren für viele Fotografen ein unerschöpfliches Motiv. Doch immer mehr Künstler haben sich entschieden, die fotografische Aufzeichnung aufzugeben und sie durch eine direkte Konfrontation mit lichtempfindlichem Papier zu ersetzen, sowohl innerhalb als auch außerhalb der Dunkelkammer. Die Geste verrät Wut , ist manchmal ausdrucksstark, aber seit den 2000er Jahren ist sie meist akribisch minimalistisch.“

Um den Umfang dieser Sammlung besser zu verstehen, haben wir im Gespräch mit Jean-Louis Larivière das Konzept der „lateinamerikanischen Fotografie“ und seine Verwendungszeit angesprochen.

Das Konzept der lateinamerikanischen Fotografie hat sich meiner Meinung nach seit den späten 1970er Jahren gefestigt, nach dem ersten Kolloquium für lateinamerikanische Fotografie mit dem Titel „Hecho en Latinoamérica“ (Hergestellt in Lateinamerika). Dieses Treffen war entscheidend! Forscher, Kuratoren und vor allem Fotografen aus ganz Lateinamerika waren dazu eingeladen. Die Veranstaltung war bahnbrechend, sowohl weil sie das Konzept der lateinamerikanischen Fotografie etablierte, als auch weil sie den Begriff der Fotografie selbst erweiterte, was insbesondere von einigen mexikanischen Künstlern vertreten wurde. Wir befinden uns im Mexiko der späten 1970er Jahre, und die Experimente von Avantgarde-Gruppen wie Suma oder Peyote y la Compañía, um nur einige zu nennen, die mit dem Konzept der Fotografie spielten, sich anonyme Fotos aneigneten und alternative Medien wie das Fotokopieren erkundeten, sind im Kolloquium präsent.“

Wenn man bedenkt, dass „viele Fotografen auf dem Kontinent Autodidakten sind, lastet der Kanon weniger schwer auf ihnen und sie sind besonders offen für Experimente, für eine Art formalen Radikalismus. Zwei Jahre später, 1981, veranstaltete das stets bahnbrechende Kolloquium eine Ausstellung, die Fotobüchern lateinamerikanischer Autoren gewidmet war und die entscheidende Bedeutung des Buches, insbesondere des Fotobuchs, feierte.“ Es ist interessant, diese Tatsache zu kennen, um die Leidenschaft für das Sammeln und Veröffentlichen von Fotografen unseres Kontinents zu verstehen, aber auch diesen anderen Aspekt, der aus dem Gespräch mit Larivière hervorgeht.

Wenn es ein besonderes Merkmal der lateinamerikanischen Fotografie gibt, dann ist es meiner Meinung nach die Porosität zwischen Hochkultur und Populärkultur . Hinzu kommt der Kontext der Gewalt, in dem sich der Fotograf bewegt und der seine Arbeit beeinflusst. Diese Porosität war für die Eröffnungsausstellung der Stiftung von neuralgischer Bedeutung. Wie Manuel Puig in seinem Werk bestand die Absicht der Gemeinschaftsausstellung darin, Stimmen und Register zu kombinieren, zu kreuzen und zu vermischen, die die Grenzen zwischen dem Populären und dem Kultivierten aufheben, oder zwischen der nachdrücklichen Unterscheidung zwischen einer Massenkultur, die mit Kitsch arbeitet, der Kitschigkeit sentimentaler Seifenopern oder B-Movies und dem Kanon und Glamour des traditionellen Klassizismus.

Es ist faszinierend, einige der Schlüssel zu finden, die uns definieren und die aus der ältesten Funktion der Kunst stammen, die mit Anthropologie zu tun hat. Während wir einzigartige Werke sehen, erweitern die zugrunde liegenden Aspekte dieser Produktionen unsere Wahrnehmung innerhalb einer Kultur erheblich.

Beteiligte Künstler: Rómulo Aguerre | Geraldo de Barros | Lazarus Weiß | Johanna Calle | David Consuegra | Martin Chambi | León Ferrari | Fernell Franco | Billy Hare | Jorge Heredia | Beatriz Jaramillo | Agustín Jiménez | Julio Le Parc | Pablo López Luz | Sameer Makarius | Raúl Martínez | Jorge Ortiz | Andrea Ostera | Santiago Rebolledo | Victor Robledo | Jorge Roiger | Armando Salas Portugal | Christian Silva-Avaria | Juan Travnik | Victor Trejo | José Yalenti | Facundo de Zuviría