Joachim Trier con la película más popular de Cannes

Joachim Trier se especializó en describir la tristeza de los conflictos familiares y los estados de soledad que ahora ocupan el rostro de Renate Reinsve, actriz que se hizo famosa en La peor persona del mundo , un éxito amado en todo el mundo. En esta película, en la que el mundo giraba en torno a su personaje, a Renate le faltaba un punto de apoyo fuerte en el reparto, razón por la cual Sentimental Value es superior a ella. Esta vez, el papel actoral lo ocupa Stellan Skarsgård. La película los presenta como padre e hija, él un director de cine en un paréntesis creativo, ella una actriz de Chéjov que atraviesa un momento de falta de confianza. Su relación fue dolorosa durante toda su vida. Un proyecto de trabajo conjunto (financiado por Netflix, qué irónico) se abre como una posibilidad de acercamiento, pero los personajes tendrán que recorrer un largo camino para entender si el intento valió la pena.

Hay una idea fuerte detrás de la película, su juego de espejos que imitan la vida: es que la simulación, una vez tomada en serio, puede hacernos olvidar por un momento la realidad, permitiéndonos mirarla y redescubrirla desde otra perspectiva. Gustav, como se llama el personaje interpretado por Skarsgård, sabe que no fue un buen padre para Nora y su hermana Agnès (Inga Ibsdotter Lilleaas). Siempre se puso a sí mismo en primer lugar, en una comodidad egocéntrica que los cineastas nórdicos, se quiera más o menos, han sabido desenmascarar en Cannes (a través de las películas de Ruben Östlund, por ejemplo).

Sin caer en las exageraciones de quienes comparan este cine con Bergman (ni el mayor cansancio festivalero puede justificar tamaña idiotez), hay que decir que la nueva película de Trier, cautelosa y sin pisar territorios oscuros, está impecablemente escrita, es un acierto en cuanto a la dirección de actores (Elle Fanning se suma a la citada) y está un paso por encima del "perfume ligero" de la obra anterior. “Las personas que niegan sus emociones toman decisiones terribles”, dijo el director. En Cannes, dejó al descubierto este lado emocional.

Stellan Skarsgård es un fuerte candidato a mejor interpretación y la película es candidata a un premio importante, si no a la Palma de Oro (porque es un consenso, le gusta a la mayoría, y los jurados están divididos). A juzgar por la ovación, de hecho, ya lo ganó.

Programada para el mismo día, la película de Trier le robó gran parte de la atención que el festival le había dado a La historia del sonido del sudafricano Oliver Hermanus. Aquí el tono es diferente porque rápidamente nos damos cuenta de que estamos ante personajes que, en realidad, ya han negado sus emociones y no hay vuelta atrás, por cobardía, por indiferencia, han hecho la cama en la que yacen. En este caso, dos jóvenes musicólogos (Paul Mescal y Josh O'Connor), uno cantante y el otro compositor. En 1917 recopilaron música folclórica tradicional del estado norteamericano de Maine. Se enamoran y viven su amor consumado en secreto, pero esa época de la Primera Guerra Mundial no es el momento de salir del armario. Y sus vidas se separan inevitablemente, con matrimonios de por medio y mucha amargura cocinada a fuego lento, ya que los dos hombres nunca dejarán de amarse.

Al salir de la sala, no había perro ni gato que no dijera que la historia de Lionel y David (así se llaman los personajes) era una versión de Brokeback Mountain cuando, en realidad, por la delicadeza del tratamiento y de los gestos, nos parece que Hermanus está más cerca de cortejar otras novelas, otras maneras de hojear el tiempo, como en el cine de un Terence Davies, por ejemplo. Pero La Historia del Sonido no soporta esta comparación. En algún momento las compuertas se rompen y el melodrama se apodera del juego. La película está contenida, y el público de todo el mundo llorará mucho, quién sabe, tal vez sea coronada en los Oscar el año que viene.

En Romería , la catalana Carla Simón vuelve a hablar de experiencias vividas y adopta una línea autobiográfica (no expuesta directamente) del Verano 1993 y Alcarrás –pero de nuevo en diminuendo, un hecho preocupante. Verano de 1993 sigue siendo su mejor trabajo. Aquí tenemos una especie de alter ego de la cineasta (Marina/Llúcia Garcia) en un viaje a Galicia, a la ciudad de Vigo, en el verano de 2004, para reencontrarse con sus abuelos paternos a quienes nunca conoció. Su padre y su madre, drogadictos, murieron de SIDA en los años 80 por el consumo de rock y “horse”. Se trata, en realidad, de la historia de los padres biológicos del cineasta, una ficción tomada de la vida en la que la hija adoptiva va en busca de la verdad.

Como en las películas anteriores, la familia es una estructura compleja que se va pelando capa a capa, como una cebolla, entre silencios, secretos, principios éticos que ya no tienen sentido, pero sin la vía de escape que le proporcionaba Alcarrás, por ejemplo, con el mundo del trabajo en el campo. En este caso, Carla Simón parte de una estructura de cine que se apoya en fechas y está fechada. En la película se puede sentir cómo van pasando las páginas del guión.

Pero volvamos a las cuestiones de identidad no asumidas en la historia de la obra de Hermanus, recuperando una película proyectada en los primeros días del festival que puede contar para el jurado en términos de interpretaciones femeninas: La petite dernière , dirigida por la conocida actriz francesa de origen magrebí Hafsia Herzi (próximamente podremos verla en los cines en El prisionero de Burdeos , junto a Isabelle Huppert). Adaptada de la novela homónima de Fátima Daas, es la historia de una chica de 18 años, un poco marimacho, en casa de mujeres de origen argelino, su madre, sus tías, sus hermanas. Fátima se siente atraída por otras mujeres dados los conflictos familiares que tal elección implica para una joven lesbiana musulmana. Se enamora de una chica franco-coreana que es otro reflejo de la inmigración en Francia. La petite dernière es limitada a nivel artístico pero está a la altura de la realidad que retrata, en su modestia, en su historia de aprendizaje sobre el amor y el sexo, en su llamado a la tolerancia y la inclusión.

En cuanto a actrices-cineastas, Cannes nombró a dos, con resultados muy diferentes. Eleanor the Great , sobre una mujer judía estadounidense nonagenaria (interpretada por June Squibb) que se muda a Nueva York para estar con su hija después de la muerte de su amiga con la que compartió siete décadas, es una película discreta sobre el dolor ajeno que Scarlett Johansson es incapaz de sentir o sintetizar a nivel dramático. La actriz fracasa en su primer paso como directora.

La cronología del agua , protagonizada por Imogen Poots, sigue la torturada existencia de Lidia, traumatizada en la infancia tras el abuso parental, y es una película frenética y de ritmo rápido centrada en un personaje con tendencia a la autodestrucción desde su juventud en los años 60 y 70. Kristen Stewart ha adaptado de manera única las memorias de Lidia Yuknavitch. Hizo lo que quiso, como quiso, experimentó, fragmentó una biografía en pedazos. El resultado es sorprendente.