Las mejores películas del Festival de Cannes 2025 de las que todo el mundo hablará

En lo que podría llamarse un cambio de rumbo para el autor turco-alemán de Head-On , el clásico Amrum de Akın sigue a un niño en la isla alemana homónima en los últimos días de la Segunda Guerra Mundial. Él es Nanning (Jasper Billerbeck, un recién llegado talentoso), un niño agobiado criado por una madre nazi, adoctrinado por la ideología de las juventudes hitlerianas contra su voluntad. Pero a medida que descubre lentamente su propia brújula moral, se da cuenta de que siempre ha estado ahí para ayudarlo a distinguir el bien del mal. Estructurada como una fábula oscura pero elegante que sigue a Nanning por la isla mientras busca suministros básicos para alimentar a su madre, Amrum (escrita por Hark Bohm y basada en sus propios recuerdos) se convierte en un acto de generosidad al presentar una de esas buenas acciones desinteresadas. Es un reloj silenciosamente conmovedor.

Teme la furia explosiva de una madre primeriza insatisfecha que vive en el campo y disfruta de una de las mejores interpretaciones de Jennifer Lawrence. Tras Causeway (2022), sigue siendo una experiencia inigualable verla abrazar los rincones más libres y arriesgados del cine independiente, ese tipo de cine que nos enamoró en un principio. Salvaje, salvaje y meticulosamente diseñada, la originalísima "Muere, mi amor" de Lynne Ramsay pone a prueba a Lawrence y Robert Pattinson al interpretar de forma sensual e ilimitada a una pareja feroz. En Cannes, se la calificó como una "película sobre la depresión posparto", pero esa abreviatura incompleta tergiversa la verdad que se esconde en el corazón de la película de Ramsay. "Muere, mi amor" es a la vez una mordaz disección de la pareja y una oda cinematográfica a toda mujer indomable en contacto con su corazón lleno de deseos y su mente espinosa: mujeres que, sin complejos, lo desean como lo desean.

Vivir en los siempre divididos Estados Unidos y presenciar algunos de los peores instintos del país en torno a la intolerancia que niega la ciencia puede volver loco a cualquiera. En su continuación de la embriagadora odisea de Beau is Afraid sobre la psique humana, Ari Aster transforma esa locura estadounidense cotidiana en uno de los pergaminos fatalistas más artísticamente completos y compulsivamente visibles del año. Es perspicaz, gloriosamente disparatada y, a menudo, muy divertida. (Quizás sea hora de que reconozcamos que el sentido del humor de Aster es tan agudo como sus dotes para el terror). Su Eddington es a la vez la película definitiva sobre la COVID y una especie de western moderno, que culmina en un final magníficamente dirigido y gradualmente sombrío. Ahora un pilar de Aster, Joaquin Phoenix está, como era de esperar, sensacional aquí como el sheriff corrupto de su pueblo. Al igual que Pedro Pascal, en el papel de su principal adversario.

La hermosa película de Hermanus de 2022, Living, fue una lección magistral de tierna moderación, y lo mismo puede decirse de su impecable película protagonizada por Paul Mescal y Josh O'Connor, que narra una historia de amor discretamente épica entre dos jóvenes musicólogos con la Primera Guerra Mundial como telón de fondo. Si bien la naturalidad con la que Hermanus trata el amor y el anhelo entre los dos hombres como algo natural en una película de época resulta discretamente radical, lo más especial de The History of Sound es su aire clásico y atemporal. Su alcance transcontinental y su viaje a través de los sonidos y notas musicales únicos de la antigua cultura americana (la banda sonora es de una belleza dolorosa) te sumergen en las páginas de una gran novela perdida, hasta el merecido final, al estilo de Expiación . En los 90, solíamos ver este tipo de película de prestigio, intelectual pero accesible, con bastante frecuencia. Hoy, se siente como un lujo excepcional.

Fue un acontecimiento histórico para Jafar Panahi regresar a Cannes en persona por primera vez desde 2003. El maestro iraní, frecuentemente perseguido por el régimen iraní, arrestado durante años y vetado del cine, nunca ha dejado de desafiar a su gobierno con obras pioneras como "Esto no es una película" (2011). Liberado de prisión en febrero de 2023, Panahi firma ahora una de sus mejores y más personales películas hasta la fecha, que sigue a un grupo de personas comunes que intentan determinar si el hombre que capturaron es realmente quien los torturó en prisión. Inicialmente un thriller de venganza, luego un cuestionamiento expansivo y digno de nociones como la venganza, el perdón, la moralidad y la conclusión, la merecida ganadora de la Palma de Oro de este año presenta un excelente argumento a favor de aferrarnos a nuestra humanidad para salvar la vida, sean cuales sean las circunstancias.

Películas tan emotivas y con una mirada tan íntima como La Hermanita son difíciles de encontrar. Liderada por la actuación asombrosamente segura de Nadia Melliti (ganadora del premio a la Mejor Actriz de este año en el festival), la discreta meditación de Herzi es un breve drama paciente y compasivo sobre una joven musulmana practicante en París, que navega por los ritmos de su ciudad llena de posibilidades, descubre su floreciente identidad como lesbiana e intenta reconciliar sus necesidades y deseos con las enseñanzas de su religión. Uno de los mayores logros de la película reside en el absoluto rechazo de Herzi a los clichés. Donde una película inferior habría explotado el estereotipo de la familia musulmana conservadora (del que este crítico musulmán está harto), La Hermanita crea una hermosa escena madre-hija donde el amor incondicional se siente profundamente y tiene un impacto profundamente universal.

¿Cómo se vería y se sentiría una película de atraco con Kelly Reichardt? Encontrarás la respuesta con la deslumbrante y breve aventura The Mastermind , una comedia dramática amable y maravillosa, inspirada en el espíritu del cine de los 70 (pero discreta y sin pretensiones). Josh O'Connor interpreta conmovedora y astutamente a un ladrón de arte en un pueblo de Nueva Inglaterra, con mala suerte y afectado por una serie de malas decisiones. Con una banda sonora encantadora y jazzística que realza el humor idiosincrásico de la película, The Mastermind es una nueva joya estadounidense, y quizás la película más comercial de Reichardt.

La primera película nigeriana en estrenarse en Cannes, el impresionante debut de Davies Jr., narra una historia a presión que se desarrolla a lo largo de un solo día de 1993, siguiendo a un padre prácticamente ausente (el increíble Ṣọpẹ́ Dìrísù) en su viaje desde un pueblo rural a Lagos con sus dos hijos pequeños, quienes lo idolatran. Con las elecciones presidenciales del país como telón de fondo, la introspectiva primera película de Davies Jr. es un consumado estudio de contrastes: violencia contra la humanidad yuxtapuesta, malestar social frente a los momentos amables y geniales que comparte la familia, y una maravilla infantil frente a las terribles circunstancias. La película es también un retrato multidimensional de la masculinidad negra, tanto vista con adoración a través de los ojos de los jóvenes personajes de la película como llevada con aplomo poético por Dìrísù.

La elegante carta de amor de Linklater a la influyente época del cine francés (que incluso inspiró a la generación del Nuevo Hollywood) sería un logro rotundo incluso si se limitara a invitar generosamente a los cinéfilos en ciernes a la historia del cine sin intimidarlos. Pero el autor estadounidense de ritmos fluidos y diálogos orgánicamente fluidos logra mucho más con su alegre y hermosa narración de la creación de la revolucionaria Sin aliento de Jean-Luc Godard. En un impresionante blanco y negro, y con la calidad de sonido granulada de la época, infunde nueva vida a la película de época, haciéndola romántica, exquisitamente detallada y atemporal. Con las cautivadoras y asombrosamente exigentes interpretaciones de Guillaume Marbeck y Zoey Deutch como Godard y Jean Seberg, la lista de maestros galardonados con el premio Nouvelle Vague (François Truffaut, Claude Chabrol, Agnès Varda y más) es tan rica como la película que los rodea. A Linklater le encanta este período y también quiere convertirte en su amante.

"Dulce" probablemente no sería la primera palabra que un romance BDSM traería a la mente. Sin embargo, esa palabra resume perfectamente Pillion , la nueva película del escritor y director debutante Harry Lighton. Viviendo con sus comprensivos y amables padres, el joven instantáneamente adorable interpretado por Harry Melling intenta comprender el espectro completo de su identidad como hombre gay, mientras que (en palabras de la película) un "increíblemente guapo" Alexander Skarsgård interpreta a un motociclista hardcore que se convierte en el objeto de atracción de Melling. Hay sexo pervertido, instancias de dinámicas abusivas, lamido de botas y algunas otras imágenes impactantes a lo largo de Pillion , realizadas sin miedo por los dos intérpretes. Pero gracias a la delicada línea tonal, Lighton camina radiantemente con sentimiento y humor dentro de una subcultura, todo eso queda en segundo plano ante la historia de mayoría de edad profundamente resonante y desarmante que es el núcleo de la película.

Un magnífico debut que aporta un aire de thriller a un campamento de verano masculino de waterpolo. The Plague plantea preguntas oportunas sobre el acoso escolar, la masculinidad en ciernes y la deportividad. Utilizando ingeniosamente los movimientos básicos del género de terror, este largometraje brillantemente escrito comienza como una especie de cónclave entre preadolescentes (con una cámara que los persigue sin descanso y una banda sonora con altibajos), para luego convertirse en una inquietante exploración de los temores existenciales de la adolescencia masculina. Everett Blunck está maravilloso como el chico recién acosado, infectado por una plaga simbólica y misteriosa, al igual que Joel Edgerton, con su limitado tiempo en pantalla como el entrenador de los chicos. Pero la verdadera estrella es la principal torturadora del campamento, interpretada por Kayo Martin en una actuación que presagia la llegada de una futura estrella de cine.

La película más aventurera y formalmente ambiciosa de la competición de este año (y también una de las más hermosas de la sección), la secuela de "Largo viaje hacia la noche", dirigida por Bi Gan, da la sensación de estar en un sueño. Y como tal, es difícil hacerle justicia con simples palabras, y quizás aún más imposible de clasificar. Una narrativa fluida pero concisa nos lleva a un viaje volátil por la historia del cine, con guiños a sus diversos estilos, épocas y maestros como Méliès y Murnau, mientras la película se reinventa con gran emoción a cada paso. Las estrellas Jackson Yee y Shu Qi sorprenden constantemente, y el épico final de "Resurrección" es una proeza conmovedora que inspirará a las generaciones venideras.

No verás un thriller político mejor este año que la ultra chic entrada de género de Filho, libremente en el espíritu de una película de Costa-Gavras. Pisándole los talones a la obra maestra brasileña ganadora del Oscar del año pasado, I'm Still Here , este es otro nocaut ambientado en el contexto traumático de la dictadura del país. Visto recientemente en Civil War , Wagner Moura ofrece una actuación profundamente enigmática en su regreso al cine brasileño como un hombre de tecnología de la década de 1970 que pretende reconectarse con su hijo en un pequeño pueblo, mientras los asesinos se acercan lentamente a él. Con un guion ágil y gradualmente oscuro que rastrea una misteriosa pierna cortada en medio de los enclaves corruptos del desgarrador pasado de un país, The Secret Agent está preparada para tener una fuerte presentación durante la temporada de premios (después de haber ganado ya los premios a Mejor Director y Actor en Cannes). Bono: Te encantarán todas las gotas de aguja bien calibradas y las referencias cinematográficas nostálgicas que incluyen Tiburón .

Probablemente hayas escuchado que la cantante Charli xcx declaró la próxima temporada como el "Verano Joachim Trier", una frase inmortalizada por Elle Fanning con la elegante camiseta que usó en Cannes. Bueno, también llamémosla "Temporada de Premios Joachim Trier", ya que su película profundamente reflexiva sobre el trauma generacional y la sanación familiar a través del arte y el cine está a punto de causar sensación tras su amada La Peor Persona del Mundo . Reuniéndose con su estrella de La Peor Persona , Renate Reinsve (interpreta a una actriz febril atormentada por el pasado) y dándole a Stellan Skarsgård uno de los papeles que definen su carrera como director de cine desapasionado al frente de un proyecto personal poco convencional, Trier cuenta una historia conmovedora e inesperadamente llena de humor que te romperá antes de hacerte completo de nuevo. Podrías detectar rastros de Chéjov y indicios de las mejores cualidades de la Trilogía de Oslo del director aquí, y salir de la película con una renovada gratitud por todo lo que el cine puede hacer.

El futuro del realismo social británico en el cine parece más prometedor que nunca gracias al debut como director del actor Harris Dickinson, quien narra la historia contemporánea de un hombre sin hogar en Londres y el ciclo sin salida en el que se encuentra. El hecho de que Urchin se asemeje cuidadosamente a los clásicos británicos no sorprende en absoluto, dado que está dirigida por un cinéfilo apasionado que luce con orgullo un tatuaje de Kes en el brazo y que, evidentemente, conoce a la perfección a Ken Loach y Mike Leigh. Aun así, Urchin no copia en absoluto lo que le precedió. Impulsada por la impactante y revolucionaria interpretación de Frank Dillane y profundizada por la escritura profundamente humanista de Dickinson, la reflexiva visión del actor y director es completamente moderna y propia. Podría ser el nuevo autor más emocionante desde los hermanos Safdie.