Angela Peralta a été utilisée comme un instrument de civilisation, selon un expert

▲ Ángela Peralta dans le rôle de Lucía de Lammermoor, interprétée par Giovanni Battista Ganzini, vers 1865. Tirages albuminés. Collection privée. L'image fait partie de l'article « Vert, blanc et rouge : portraits d'Ángela Peralta pendant le Second Empire mexicain », de Gustavo Amézaga ; elle a ensuite servi de couverture à la partition « Adiós a México », extraite de l' Album musical de 1938, avec l'aimable autorisation de Cenidim.

Alondra Flores Soto

Journal La Jornada, samedi 5 juillet 2025, p. 2

Ángela Peralta (1845-1883) a été utilisée dans un cadre politique au XIXe siècle pour montrer à l'Europe et au monde que la jeune nation qu'était le Mexique avait un caractère civilisé, affirme l'historienne Áurea Maya, qui, depuis le Centre national de recherche, de documentation et d'information musicales (Cenidim), une agence du ministère fédéral de la Culture, participe à l'élargissement des connaissances documentées sur cette chanteuse, pianiste et compositrice exceptionnelle.

La musicologue d'origine russe Elena Kopylova travaille à la sauvegarde de l' Album musical, publié en 1875, qui permettra d'intégrer les pièces rarement jouées écrites par Peralta au XIXe siècle dans le répertoire de concert de notre pays.

180 ans après la naissance de cette femme à la voix prodigieuse, les mythes, les fausses informations et le manque de reconnaissance persistent, sans compter que sa musique pour piano est méconnue. Pour commémorer cette figure, un hommage sera organisé , intitulé « Le rossignol du Mexique : Ángela Peralta et sa musique », avec un concert reprenant sa musique et une conférence de spécialistes qui aborderont des sujets révélateurs. Ces deux activités, en entrée libre, auront lieu aujourd'hui à 18 h à l'auditorium José Vasconcelos du Centre national des arts (Cenart).

« En commençant à étudier Ángela Peralta, j'ai été surprise par de nombreuses choses », explique Áurea Maya, qui travaille actuellement sur un livre à paraître dans les prochains mois. « Elle est peut-être l'une des figures les plus marquantes de l'histoire et de la musicologie. Non seulement aux XIXe et XXe siècles, mais aussi au XXIe, car on lui reproche encore beaucoup de choses . »

En examinant les archives et les documents, par exemple, il a découvert qu'elle n'était pas une servante, comme beaucoup le prétendent. Certains historiens n'ont jamais pris la peine de corroborer cette affirmation. Bien sûr, elle a été le sujet de légendes, de mythes, de romans historiques et de pièces de théâtre qui l'ont glorifiée, mais aussi de traits négatifs de sa personnalité .

À Polanco, un théâtre en plein air porte son nom. Il en va de même à San Miguel de Allende, dans l'État de Guanajuato. À Mazatlán, dans l'État de Sinaloa, le nom de la chanteuse désigne également le principal théâtre de la ville. Surnommée le « Rossignol mexicain » , elle était une figure de renommée internationale, la première chanteuse mexicaine à se produire à la Scala de Milan, le plus grand théâtre d'Europe. Bien que peu de documents existent à ce sujet, l'historien se demande combien de professionnels du bel canto peuvent en dire autant.

Ángela Peralta est née à Mexico le 6 juillet 1845. Elle connut le succès dès son plus jeune âge et partit pour l'Europe. Elle y retourna pendant le séjour de Maximilien, qui la nomma chanteuse de chambre de l'empire . C'est précisément à Mazatlán qu'elle mourut, à 38 ans, de la fièvre jaune, le 30 août 1883. Cette épidémie avait décimé 17 % de la population, selon Maya. Peralta était donc un symbole de deuil après une telle tragédie. L'un des mythes qui l'accompagnent raconte qu'à son dernier souffle, elle épousa Julián Montiel Duarte, dont beaucoup pensent qu'il était son amant.

Elena Kopylova, chercheuse au Cenidim, travaille actuellement à une lecture approfondie de l' Album musical, qui contient les partitions de ses œuvres, principalement pour voix et piano. On y trouve des valses, des polkas, des romances, des fantaisies et même une étude, œuvre très contemporaine à l'époque, dont Frédéric Chopin est l'un des principaux représentants.

Dans l'entretien avec les deux musicologues et le directeur du Cenidim, Víctor Barrera, ils montrent des copies imprimées de certaines pages de ce recueil, dont l'écriture est illisible et difficile à déchiffrer pour les musiciens. La couverture présente un portrait du compositeur, dont les œuvres pour piano sont rarement jouées en salle de concert.

Ce projet vise à intégrer les thèmes de Peralta dans la formation des jeunes musiciens, par exemple à l'École supérieure de musique, située à quelques pas des bureaux du centre de recherche, au sommet de la tour violette du complexe culturel.

À cet égard, Barrera a souligné que le travail du Cenidim en matière d'étude et de diffusion de la musique mexicaine privilégie des approches interdisciplinaires. La relation avec les écoles et la formation de nouveaux musiciens sont très importantes au sein de cette institution.

Certains de ces élèves ont accepté avec enthousiasme de participer au concert de cet après-midi. Malgré le peu de temps disponible pour se préparer et les examens finaux, ils ont relevé un défi exigeant beaucoup de discipline et d'efforts, allant jusqu'à choisir certains des morceaux les plus difficiles, explique Kopylova.

Aurea Maya, historienne de l'art et musicologue, a raconté que l'opéra au XIXe siècle avait un cycle compliqué mais très intéressant au Mexique, car dans le pays naissant, les hommes politiques de l'époque, en particulier Lucas Alamán, prenaient cet art du chant comme un instrument civilisateur pour démontrer aux yeux de l'Europe que nous étions une nation avancée.

Lorsque j'ai commencé à explorer la figure d'Ángela Peralta, j'ai réalisé qu'elle était intégrée à ce cadre et, bien sûr, qu'elle servait d'instrument de civilisation. L'auteur du livre « Opera y gastos secretos » (Opéra et dépenses secrètes) soulignait qu'elle possédait non seulement une voix privilégiée, mais aussi une grande intelligence et un sens aigu des affaires. Elle suivait les canons du XIXe siècle, les critères de la jeune femme parfaite, mais possédait en même temps une grande vision du monde, peut-être inculquée par son père, puis par ses professeurs .

La conférence sur l'importante chanteuse mexicaine réunira les chercheuses Elena Kopylova, Áurea Maya et Zuly Amir López Ríos, animée par Víctor Barrera, directeur du Cenidim. Les pianistes Isis González, Maximiliano Rosas et Elías Morales, ainsi que les sopranos Patricia Mastachi et Isamar Reyes, donneront vie à ces partitions après un processus de transcription et d'analyse minutieux.

▲ Géants, aperçu de la ville, La Havane, Cuba, 2019. Photo Néstor Kim / avec l'aimable autorisation de l'artiste et de la galerie

Alejandra Ortiz Castañares

Spécial pour La Jornada

Journal La Jornada, samedi 5 juillet 2025, p. 3

San Gimignano. Fondée en 1990 dans un garage avec seulement 500 euros à San Gimignano, dans la campagne toscane, la galerie Continua est l'un des espaces les plus innovants de l'art contemporain international. Fondée par trois amis d'enfance – Lorenzo Fiaschi, Mario Cristiani et Maurizio Rigillo – sans fonds ni relations dans le monde de l'art, la galerie a d'emblée bousculé les conventions du secteur. Elle compte aujourd'hui huit galeries sur trois continents.

Pour célébrer leurs 10 ans de présence à Cuba, ils ont organisé l’exposition La Capacité de Rêver (17 mai – 9 juillet), qui présente 40 artistes cubains.

« Nous avons toujours été passionnés par l'art », explique Fiaschi depuis La Havane, où il vit. Ils ont travaillé bénévolement pendant dix ans, et le tournant a eu lieu en 2000 avec une exposition de l'artiste Chen Zhen, dont le collectionneur François Pinault a lui-même acquis les œuvres. Il nous a inculqué la valeur de la diversité comme principe et de l'art comme pont entre les cultures .

Cette approche anticolonialiste a guidé l'expansion internationale de la galerie, qui a délibérément choisi des contextes périphériques : un ancien cinéma à San Gimignano (son siège historique), un moulin à vent médiéval à la campagne à une heure de Paris et, depuis 2015, un ancien cinéma dans le quartier chinois de La Havane.

L'aventure de l'île

Lors de la Biennale de Marrakech, Lorenzo Fiaschi et la commissaire d'exposition cubaine Laura Salas ont assisté à la performance de Michelangelo Pistoletto, Tercer paraíso : un symbole semblable à l'infini, mais composé de trois cercles, le cercle central représentant la possibilité d'une harmonie entre les contraires. Frappée par la puissance poétique de l'œuvre, Salas a proposé de la recréer en mer, entre La Havane et Miami, en signe de réconciliation dans un contexte marqué par l'embargo. Dans une action spontanée et officieuse, des centaines de pêcheurs cubains ont formé ce symbole avec leurs bateaux. Le lendemain, le 17 décembre 2014, Barack Obama et Raúl Castro, présidents des États-Unis et de Cuba, ont annoncé, dans l'ordre, le rétablissement historique des relations entre leurs nations. Ce signe puissant et prophétique a inspiré les fondateurs de la galerie Continua à s'installer à La Havane, choisissant, avec l'aide du directeur de la Biennale, Jorge Fernández, un vieux cinéma délabré de Chinatown, qu'ils ont restauré, faisant même venir le toit d'Italie.

Des pionniers dans un contexte complexe

Continua a été la première galerie privée et étrangère à s'établir à Cuba, fonctionnant comme un centre culturel. « Un projet de loi vise désormais à légaliser l'ouverture de galeries privées », explique Fiaschi. « Son caractère unique sur l'île a attiré des artistes et des collectionneurs internationaux : » « Le Financial Times nous a consacré une page entière. Nos collègues n'en revenaient pas ! » dit-il.

Des artistes comme Michelangelo Pistoletto, Anish Kapoor et Daniel Buren, habitués de Paris et de New York, entre autres, ont choisi d'exposer à La Havane, offrant au public local des rencontres inédites avec l'art mondial. Leurs expositions, en novembre 2016, ont coïncidé avec la mort de Fidel Castro : l'exposition de Pistoletto a eu lieu comme prévu, avant que la nouvelle ne soit connue, tandis que celle de Kapoor, prévue le lendemain, a été officiellement annulée en raison du deuil national, mais a eu lieu lumières éteintes, les visiteurs éclairant les œuvres avec la lampe torche de leur téléphone portable.

Promotion

Continua a joué un rôle déterminant dans la visibilité internationale de nombreux artistes cubains, en les promouvant lors de foires et d'expositions en Europe et en Asie. Yoan Capote en est un exemple emblématique : son œuvre monumentale a été sélectionnée pour Art Unlimited à Art Basel parmi plus d'un millier de propositions, puis acquise par un grand musée.

Cet engagement a non seulement amélioré la visibilité des artistes de l'île, mais aussi leurs conditions de vie : nous les avons vus passer de vivre et travailler dans des pièces de quatre mètres sur quatre à avoir des espaces décents où ils peuvent vivre et créer librement .

Les collectionneurs internationaux sont attirés par l'originalité et la puissance expressive de l'art cubain, avant même d'en connaître la provenance. Selon Fiaschi, l'art cubain est remarquable car il est difficilement classifiable : il ne répond pas à une esthétique uniforme ou folklorique, mais est profondément hétérogène et singulier, avec des identités fortes et des styles très personnels.

Le contexte d'isolement géopolitique a conduit de nombreux artistes cubains à développer des solutions créatives avec des ressources limitées, générant des œuvres riches en ingéniosité et en profondeur symbolique. Cette combinaison de rareté matérielle et de richesse conceptuelle fascine un public qui reconnaît dans ces œuvres une vocation véritablement universelle.

Censure et liberté d'expression

Concernant l'artiste dissidente Tania Bruguera, Fiaschi reconnaît l'importance de la liberté d'expression, mais critique sa démarche. Il évoque sa demande de présenter « Le Murmure de Tatline » sur la Plaza de la Revolución, invitant les Cubains à s'exprimer librement à travers un micro ouvert – une action qu'elle avait déjà réalisée des années plus tôt à la Biennale de La Havane. À cette occasion, on lui avait proposé un autre lieu, mais elle avait insisté, ce qui lui avait valu d'être assignée à résidence.

La même action sur la place Saint-Pierre en Italie, contre le pape, aurait également des conséquences juridiques , note Fiaschi, qui qualifie l'action de provocatrice et inopportune , surtout à un moment où Cuba et les États-Unis entamaient un processus de dialogue.

Vision globale et ouverture

L'approche de la galerie Continua repose sur une vision à long terme et une ouverture à la diversité culturelle. « Nous avons commencé à travailler en Inde, au Moyen-Orient et en Chine il y a 20 ans – nous étions la première galerie étrangère en Chine – alors que tout le monde se demandait ce que nous faisions là-bas. » Tout semblait lointain et difficile à comprendre, mais stimulant : c'étaient des épices culturelles pour assaisonner notre cuisine trop eurocentrique .

Leur objectif : fusionner des univers différents. Au fil du temps, ces voyages ont enrichi leur évolution. Cette même vision les a conduits à investir la foire de Dubaï, anticipant une dynamique qui se reflète aujourd'hui dans l'organisation récemment annoncée d'Art Basel à Doha.

Cuba est un grand pays culturel , conclut Fiaschi, avec des artistes, des écrivains et des musiciens de renommée mondiale. L'embargo, en vigueur depuis 63 ans, est l'une des sanctions économiques les plus longues de l'histoire moderne. La plupart des Cubains d'aujourd'hui ne sont même pas nés pendant la révolution. Ce blocus représente non seulement un problème pratique, mais empêche également une évaluation claire des véritables capacités du gouvernement. La peur de la superpuissance américaine engendre des décisions irrationnelles. La peur n'apporte pas de clarté. Rétablir la paix à Cuba signifierait également restaurer la liberté et une bouffée d'air frais .

▲ Image de la troisième édition de Manifiesta, en 2023. Photo gracieuseté d'Eloy Tarcisio

Joyeux Macmasters

Journal La Jornada, samedi 5 juillet 2025, p. 4

La Plaza de la Constitution accueillera la quatrième édition de Manifiesta, un événement artistique basé sur la performance qui se déroule aujourd'hui dans le cadre du 700e anniversaire de la fondation de Mexico-Tenochtitlan. Cinquante projets, dont du mapping vidéo, reçus suite à un appel à propositions , seront présentés de 11 h à 18 h.

« L'initiative est née en 1993 comme un manifeste conceptuel pour l'exposition inaugurale de l'Ex Teresa Arte Alternativo, qui présentait des œuvres d'Helen Escobedo, Felipe Ehrenberg et Marcos Kurtycz. Elle a été reprise en 1997 avec la participation de 37 artistes, utilisant désormais une méthodologie de travail qui consiste à quitter l'espace pour occuper l'extérieur », explique Eloy Tarcisio (Mexico, 1954), directeur de l'espace rattaché à l'Institut national des beaux-arts et des lettres de 1993 à 1995 et de 1996 à 1998. Pour lui, l'art ne doit pas être réservé au public spécialisé qui le recherche, mais plutôt confronter l'artiste au grand public . »

En 2023, Manifesta III a réuni 70 artistes de diverses disciplines pour un événement rue Primo Verdad, où se trouve le musée. « L'expérience des 30 ans de fondation d'Ex Teresa – aujourd'hui Ex Teresa Arte Actual – et l'organisation d'un festival dans la rue, devant l'espace, m'ont donné une vision différente de l'exercice artistique : les artistes travaillaient simultanément, à un moment précis, de manière à devenir le public de leurs propres œuvres. Il ne s'agissait plus seulement d'avoir un impact sur le public en dehors de l'art, mais aussi de s'engager dans une expérience personnelle », a déclaré Eloy Tarcisio à La Jornada.

Il a réalisé qu'il fallait un espace qui exprimerait l'opinion de l'artiste en dehors du white cube, du contexte artistique traditionnel des musées et des foires, et qui s'adresserait davantage à un public d'un point de vue commercial . L'inquiétude de certains artistes quant à l'avenir de Manifesta a motivé Tarcisio à lancer une quatrième édition. De plus, le 700e anniversaire de la fondation de Tenochtitlan nous a offert l'occasion de proposer un autre type d'expérience esthétique .

–Pourquoi au Zócalo ?

– Parce que les quatre branches de la Fédération et de l'Église sont présentes, et qu'un nombre impressionnant de personnes y transitent. La présence simultanée d'artistes au même endroit permet aux spectateurs de circuler librement et de vivre une expérience esthétique de manière fortuite.

Les préoccupations des artistes participants touchent à la violence, à l'éthique, à la guerre et aux questions environnementales, faisant de Manifiesta un espace de multiples voix et d'expériences esthétiques dans un contexte de laboratoire . Manifiesta est ainsi né comme un cri et une célébration de ce qui se passe dans notre environnement .

Aucun projet soumis n'a eu à passer par un jury ou un comité de conservation, car tous ont été acceptés selon les critères de quiconque se qualifie d'artiste, et leur création devient une œuvre d'art. Autrement dit, il n'y a aucune intention de légitimation. L'espace n'est pas un espace de légitimation, mais plutôt un espace ouvert où l'artiste légitime son travail. Si c'est bon, on le remarquera ; si c'est mauvais, on le remarquera aussi. Si c'est cohérent et que ça touche le public, on le remarquera. Sinon, l'œuvre se fondra dans son contexte et sera séparée de son propre travail .

–Quel est l’avenir de Manifesta ?

– C'est devenu un manifeste du travail horizontal que les artistes devront s'efforcer de maintenir. Ce n'est pas un espace que je vais maintenir, mais plutôt un espace qui s'ouvre à la voix des créateurs dans le but de sortir du white cube, de créer des œuvres pour des spectateurs non conventionnels, y compris dans des espaces non conçus pour l'art.

Pour Eloy Tarcisio, la performance est une philosophie de l'action, un exercice de contact direct, destiné à faire évoluer la réflexion sur le quotidien autour des problématiques humaines . De plus, l'artiste a le devoir de s'engager avec son sujet et de s'exprimer au-delà des pratiques conventionnelles telles que les galeries, les foires et le marché de l'art .

N'oubliez pas que la performance est une question d'éthique et de responsabilité. L'artiste doit être conscient qu'il est un leader d'opinion et que ses paroles ou ses actes auront un impact sur le public. S'il n'est pas conscient des conséquences potentielles de ses actes, le résultat risque d'être inapproprié .

▲ La première de l'œuvre du chorégraphe César Brodermann aura lieu ce week-end au Teatro de la Ciudad. Photo : avec l'aimable autorisation de la production.

Fabiola Palapa Quijas

Journal La Jornada, samedi 5 juillet 2025, p. 4

Return, œuvre du chorégraphe et directeur de la compagnie Aterno, César Brodermann, « est un voyage de découverte de soi et de réflexion sur ce qui compte vraiment dans la vie. Un espace sécurisant où le jeu devient un outil de recherche de liberté et de créativité. »

« À travers le mouvement, on parvient à une connexion avec l'essence de l'enfance » , a expliqué le créateur dans une interview, qui présente sa pièce aujourd'hui et demain au Théâtre Esperanza Iris City.

Dans Regreso, Brodermann part d'une question simple mais profonde : à quand remonte la dernière fois où vous avez joué sans raison, sans peur, sans but ? Cette question devient un dispositif scénique capable de captiver un public de tous âges.

La production a été élaborée au cours de cinq mois de laboratoires ouverts, de répétitions collaboratives et de processus où chaque membre de l'équipe a pu s'exprimer. Au final, Brodermann présente au public une œuvre live, différente à chaque représentation.

« Regreso est né du besoin de me souvenir de ce qui me fait me sentir vivant et de ce que je ressens lorsque je danse. Ce jeu me donne l'occasion d'explorer librement qui je suis, qui je veux être et comment je veux devenir », a commenté le chorégraphe, qui a impliqué neuf danseurs et trois apprentis dans le processus créatif.

« Dans le cadre du projet, nous analysons le jeu et l'enfance, où tout ce que nous faisons est intuitif et non analytique, car quand on commence à grandir, on dit : "Je ne peux pas faire ça ou je dois me comporter comme ça", mais quand on est petit, si on veut porter un t-shirt géant, on le met, et si on veut courir dans la rue, on le fait.

« J'ai donc décidé de commencer à me demander pourquoi le jeu est nécessaire dans notre vie quotidienne, que ce soit en tant qu'enfants ou adultes, et comment nous pouvons revenir à ces idées car dans l'enfance nous sommes très imaginatifs, nous avons beaucoup d'imagination » , a-t-il ajouté.

« L'artiste cherche à se connecter à l'œuvre et à libérer le public. Je m'intéresse aux gens qui évoquent la liberté, se sentent vivants et découvrent des moyens d'y parvenir », a déclaré le créateur.

Le jeu prend sens dans la proposition chorégraphique et offre au corps la possibilité d’être un chemin vers la mémoire, réalisant ainsi une connexion avec la liberté oubliée au fil du temps.

Après une décennie de transformation artistique et après avoir vécu dans différents endroits, comme New York et Tel Aviv, Regreso représente aussi pour le chorégraphe un retour à sa ville natale, son pays d'origine ; c'est un hommage à ses premières années, à la terre qui a vu ses premiers pas et qui l'a ramené pour fonder sa compagnie par amour éternel pour la danse.

Brodermann est un artiste multidisciplinaire, danseur contemporain, photographe, directeur artistique et fondateur d'Aterno. Son travail se caractérise par une approche profondément émotionnelle et physique, où le corps cesse d'être une archive de souvenirs et d'émotions pour devenir le véhicule idéal de la communication par le mouvement.

Français La pièce Regreso, qui a reçu l'Avantage Fiscal de l'Article 190 de la LISR (Efiartes), sera présentée en première aujourd'hui et demain à 19h00 et 18h00, respectivement, au Théâtre Esperanza Iris (Donceles 36, Centre Historique) ; les 11 et 12 juillet, elle sera présentée gratuitement à 17h00 dans la Salle Elisa Carrillo du Centre Culturel Bicentenaire Mexiquense ; et les 20 et 21 novembre à 20h00, et les 22 et 23 novembre à 19h00 et 18h00, dans cet ordre, au Théâtre Raúl Flores Canelo du Centre National des Arts.

▲ L'intrigue présente une nouvelle façon de se connecter à la technologie , explique Óscar Tapia, scénariste et metteur en scène. Photo : gracieuseté de la production.

Daniel López Aguilar

Journal La Jornada, samedi 5 juillet 2025, p. 5

Dans Figaro et l'Androïde, l'opéra est réimaginé comme une aventure de science-fiction ; il sera présenté aujourd'hui et demain au Teatro de las Artes du Centre national des arts (Cenart).

La proposition vise à rapprocher le genre lyrique de nouveaux publics à travers l’humour, la fantaisie et des réflexions sur la relation entre les êtres humains et leurs créations.

Le célèbre barbier Figaro revient sur scène, mais son chemin le mène désormais vers un avenir possible . Accompagné du Docteur Alchimiste, il répond à un appel à l'aide venu de la Lune : Kira, la dernière femme libre, demande de l'aide pour affronter Olympia, l'androïde qui règne sur la Terre. Lorsqu'ils parviennent à désactiver la machine, ils découvrent que sans elle, le monde s'effondrerait.

« L'intrigue présente une nouvelle façon de se connecter à la technologie et met en évidence notre dépendance à ce que nous créons », a expliqué Óscar Tapia, le scénariste et metteur en scène, dans une interview à La Jornada.

Dans le récit, la science-fiction dialogue avec l’opéra classique à travers des fragments de Mozart, Rossini, Dvorak et d’autres compositeurs.

L'Orchestre philharmonique d'Atizapán, composé de jeunes musiciens sous la direction d'Édgar Rainier Palacios, interprète des pièces telles que l'ouverture de Così fan tutte, le Duo du chat et l' Aria de la Lune, chantés par Kira depuis sa perspective de la Terre.

Olympia propose une version renouvelée de l'Aria de la Poupée d'Offenbach, reflet de sa condition entre l'humain et le mécanique.

Tapia a souligné le caractère collectif de la production, nourrie par les apports du casting : Amed Liévanos et Alberto Albarrán jouent Figaro ; Luis Rodarte et Alexander Soto jouent le Docteur Alchimiste ; Rosalía Ramos et María Anaya jouent à Olympia ; Tania Solís et Angélica Alejandre jouent Kira ; Linda Saldaña, Penélope Lázaro et Rosa Muñoz jouent Hypatie d'Alexandrie ; et Enrique Guzmán et Ricardo Estrada jouent Lindoro.

« Nous avons d’abord revu et amélioré le scénario ; ensuite, Gabriel Ancira a conçu les costumes et les décors ; enfin, nous avons répété pour intégrer la musique, les décors et la narration » , a expliqué le réalisateur.

L'histoire délaisse les intrigues de cour pour construire un récit qui interroge l'avenir. Hypatie d'Alexandrie, scientifique et directrice de la légendaire bibliothèque, joue un rôle clé : dans la pièce, elle donne un corps à Olympia dans l'espoir d'aider l'humanité, mais finit par affronter la frustration de la voir trahir ses propres idéaux.

Comme dans la science-fiction classique, la mise en scène interroge ce que nous construisons, avec quelle intention et à quel prix , a souligné Tapia.

Le projet vise également à créer un lien entre le public et l'opéra. Présenté en espagnol et dans un format proche du cinéma ou de la télévision, il allie jeu d'acteur et chant pour créer un lien direct.

« Nous voulons partager avec les enfants et les adultes les plus beaux aspects de l'opéra » , a ajouté le metteur en scène, qui a souligné que les pièces musicales sont une partie essentielle de l'histoire.

Cela soulève également des questions qui nous obligent à nous introspecter : que se passe-t-il lorsque ce que nous inventons devient indispensable ? Maîtrisons-nous la technologie ou finit-elle par nous dominer ?

« Nous cherchons à fasciner avec l'opéra classique et, en même temps, à confronter le public aux implications de ce que nous avons construit » , a conclu Óscar Tapia.

L'opéra « Figaro et l'Androïde », une production d'Arándano AC, sera présenté quatre fois aujourd'hui et demain à 12h00 et 14h30 au Théâtre des Arts Cenart (Río Churubusco 79, quartier du Country Club Churubusco). Le prix des billets est de 150 pesos.

De la rédaction

Journal La Jornada, samedi 5 juillet 2025, p. 5

Explorer le temps, créer avec les ombres et modeler l'émerveillement. Cet été, le Musée d'Art Moderne (MAM) et le Musée Universitaire d'Art Contemporain (MUAC) proposeront deux ateliers aux enfants de 6 à 12 ans pour explorer l'art par la curiosité, l'imagination et la mémoire. Les activités se dérouleront du 21 juillet au 8 août.

Moderns in Action: A Journey Through Time vous invite à explorer la modernité à travers des œuvres emblématiques, des sculptures et de l'art conceptuel, et PLAY: The Playful Box of Expanded Theater and Cinema propose un voyage sensoriel avec des images, des ombres et des performances inspirées du mythe de la caverne de Platon.

Ces deux initiatives visent à faire du musée un espace vivant où les enfants peuvent inventer, questionner et découvrir. Au fil des jeux, des sorties et des pique-niques, l'imagination prend forme.

Le MAM propose un programme divisé en trois semaines thématiques. La première explore la modernité avec une exposition présentant des œuvres telles que Les Deux Fridas de Frida Kahlo et des œuvres du Dr Atl et de Remedios Varo. Les enfants créeront des œuvres inspirées de ces techniques.

La deuxième semaine est consacrée à la sculpture : les participants visiteront le Jardin de sculptures et l' exposition Dérives de formes sculpturales, puis modéliseront leurs pièces.

Le troisième atelier est consacré à l'art abstrait et conceptuel. Les enfants créeront des œuvres d'art visuel, des photographies et des œuvres d'art postal à échanger avec le Musée national de San Carlos.

Chaque journée comprend des visites guidées, des activités interdisciplinaires et des jeux libres. Une pause déjeuner et un repas partagé sont prévus à midi ; le mercredi, des surprises sont proposées, comme des spectacles de cirque ou des visites théâtralisées.

« Nous commençons par des animations dynamiques, ce qui transforme l'expérience », a déclaré Adela González, responsable de l'éducation et de la médiation au MAM (Paseo de la Reforma, forêt de Chapultepec). Les activités auront lieu du lundi au vendredi de 10 h à 14 h, avec une capacité d'accueil de 60 enfants. Pour plus d'informations, veuillez contacter [email protected] .

Du 4 au 22 août, le MUAC présentera PLAY…, une création du studio Nómade. La création croise l'expérimentation : caméras lucida, flipbooks, crankie books, masques et coffrets en acétate façonnent un atelier-laboratoire.

Le programme débute par des activités et une visite de Cuicuilco. Les enfants s'essayeront ensuite au théâtre d'ombres et aux masques tout en explorant l'Espace Sculpture et le Jardin de Sculptures. L'atelier se conclura par des répétitions et la présentation de la production finale aux familles.

Les séances auront lieu du lundi au vendredi, de 10 h à 14 h, à l'Agora du MUAC (CCU, Insurgentes Sur 3000). Pour plus d'informations, veuillez envoyer un courriel à [email protected] .