Une tragédie grecque contemporaine

Depuis des siècles, de nombreux auteurs, principalement des dramaturges, ont revisité les mythes gréco-latins et emprunté des personnages et des légendes à la Grèce classique pour raconter, non pas tant ce que nous pensons leur être arrivé, mais pour métaphoriser leurs exploits lorsqu'ils parlent des hommes et des femmes d'aujourd'hui.

Œdipe, Antigone, Prométhée, Médée et Icare ont été les plus choisis. Mais d’autres ont occupé pendant des siècles le rôle secondaire que les auteurs de l’époque voulaient leur donner. Il y a quelques années, l'écrivain Manuel Tirado et le vétéran metteur en scène et romancier Francisco Suárez ont décidé de représenter Clytemnestre, mère d'Iphigénie, d'Électre et d'Oreste, comme une femme tragique capable de porter sur ses épaules le poids d'un grand mythe.

En 2016, ils ont mis en scène La Dernière Bataille, avec Tirado comme créateur d'un texte que Suárez a adapté et mis en scène. Ce mois-ci, avant de commencer sa tournée en Espagne, la pièce a été rééditée au nouveau théâtre Dau al Sec de Barcelone (jouant sur le nom du mouvement d'avant-garde et l'emplacement de l'espace) avec une nouvelle actrice, Damià Plensa, qui, jouant sur la tradition du théâtre japonais de jouer des femmes en souffrance, devient une Clytemnestre en sous-vêtements, portant une sorte de peignoir, habillée à la japonaise, profondément angoissée, ivre, douce, coquette, confuse et ahuri, vengeresse et furieuse, arrogante dans les deux sens, jalouse, détestable et meurtrière (l'histoire bien connue n'est pas gâchée).

Dans sa transmutation, Plensa, fils du célèbre sculpteur, hypnotise avec une histoire pleine de contradictions, comme celles que seul peut montrer quelqu’un qui aime et déteste simultanément et passionnément et qui est consumé par la jalousie.

En ce sens, il est important de voir un homme interpréter une douleur qui peut être vécue si profondément à partir de n'importe quelle identité, même si le metteur en scène de la pièce voit que le fait qu'il s'agisse d'un homme est un engagement ferme à dénoncer les abus sexistes de l'autorité d'une voix masculine, et ajoute : « C'est le jeu, c'est puissant qu'il dénonce ce qui a été fait aux femmes en étant un homme, il n'est pas un travesti ou un homme efféminé, c'est un acteur incarnant une femme qui dit "toutes les femmes heureuses se ressemblent, mais les femmes malheureuses sont malheureuses de différentes manières". Moi, à force de vivre avec la douleur, je suis devenue une femme avec un cœur d'homme. On suppose que cela peut aussi être vu de cette façon, ce qui enrichit sûrement encore plus ce spectacle plein de clins d’œil à notre culture, avec des phrases qui restent dans l’imaginaire collectif, de noms comme Almodóvar, Goya, Lope de Vega, ou encore le vers saisissant de Caballero Bonald , écrit par le réalisateur : « Nous ne sommes que le temps qui nous reste ».

Et comme dans toute bonne tragédie grecque, il ne manque pas un chœur de femmes qui influencent l'action, représentées ici par les chansons de Chavela Vargas, Olga Guillot, Omara Portuondo et Mayte Martín, toutes rongées par l'amour absent, l'abandon et l'oubli impossible. Bien que la bande sonore comporte, au début, le thème d'ouverture de Femmes au bord de la crise de nerfs de Bernardo Bonezzi et à la fin celui que le compositeur Bernard Herrmann a créé pour Psycho , dans le dos d'Hitchcock, très justement intitulé pour le film de 1960 et pour ce petit bijou de théâtre : Le Meurtre. A cette occasion, celle d'Agamemnon, roi de Mycènes et chef de la guerre de Troie, à cette époque époux de Clytemnestre, qui doit le tuer car elle doit venger la mort de sa fille Iphigénie (bien que l'ouvrage ne mette pas beaucoup l'accent sur ce fait) et régler de nombreux autres comptes graves en suspens.

La pièce rappelle parfois La Voix Humaine de Jean Cocteau, car toutes deux parlent de la douleur de l'abandon et parce qu'à cette occasion la voix entendue est celle d'un homme, comme cela aurait été souhaitable dans une mise en scène de La Voix Humaine , étant donné qu'aujourd'hui on sait que Cocteau a écrit sur la perte de sa bien-aimée.

La dernière bataille (celle d' Agamemnon , bien sûr) est sans aucun doute aussi un combat entre l'acteur et le réalisateur, dont tous deux sortent indemnes, sûrement grâce à la retenue et au bon travail des deux qui ne se sont pas laissés emporter par des choses évidentes dans lesquelles l'un ou l'autre pourrait facilement tomber. Surtout quand on sait que le personnage (espérons-le pas l'acteur) boit une bouteille entière de 700 ml de bon whisky avec un volume de 40% (vérifié).