Si conclude Pleamar Inmersiva 2025, la grande festa sensoriale delle arti digitali ed elettroniche.

Acqua . Questo è stato l'asse concettuale del festival Pleamar Inmersiva 2025 , un evento classico e fondamentale nell'agenda delle arti elettroniche, che ha influenzato in modo decisivo l'espansione e la diffusione di questa branca artistica. Unisce musica, arte visiva e tecnologia, con una forte enfasi sull'immersività e sulla sperimentazione. Curato dall'esperta Luciana Aldegani, l'evento ha visto l'acqua come nucleo avvolgente, un'esperienza sensoriale iniziata il 4 giugno e conclusasi il 14 luglio al Palacio Libertad (ex CCK).

Per quasi sei settimane, un pubblico vasto e curioso ha coinvolto tutti i sensi nella sala immersiva e in un'altra sala conferenze, assistendo a performance, installazioni e conferenze di artisti, musicisti, esperti e personaggi chiave del mondo sempre più diversificato e variegato delle arti digitali ed elettroniche.

"Credo che sia stato e continui a essere molto interessante coinvolgere gli artisti sia in esperienze dal vivo che in installazioni video, con il pretesto di stabilire un tema centrale: l'acqua come oggetto di discussione, che può essere affrontato in diversi modi", spiega Aldegani, curatore e pioniere in questo campo. "Gli artisti hanno offerto un'interpretazione molto interessante di quest'idea."

Pleamar è stato fondato a Mar del Plata da Aldegani ed Ernesto Romeo, compositore, tastierista, specialista di sintetizzatori e fondatore del gruppo di musica elettronica Klauss. Nel 2018 hanno tenuto i loro primi corsi su questo universo concettuale e nel 2019 hanno ricevuto il supporto del National Endowment for the Arts per la prima edizione della Borsa di Studio Pleamar. Da allora, hanno organizzato cicli di eventi al Museo d'Arte Contemporanea MAR, hanno collaborato con il Complesso Storico Manzana de las Luces, il Centro Culturale Kirchner e l'Università Nazionale di Tres de Febrero. Nel 2023 hanno inoltre tenuto attività a Buenos Aires, in particolare presso Artlab e il Centro Culturale Recoleta, e a Bariloche. Fino al 2021, il festival era più orientato verso il campo del suono, ma da allora le arti visive hanno guadagnato terreno e visibilità.

"Il Festival di Mar del Plata è progettato da una prospettiva ambientale. Partiamo dall'acqua, torniamo all'acqua e poi creiamo quella metafora liquida", afferma Aldegani, riferendosi alla versione di Mar del Plata della serie, che si terrà quest'anno il 22 e 23 novembre al Museo MAR.

"I temi iniziano ad assumere contorni di situazioni limite, litorali, e emergono preoccupazioni che hanno più a che fare con una scansione geografica, dall'oceano alle pianure alle montagne. La crescita di Pleamar è organica e sostenibile, e fa tutto il possibile con un forte impatto sulla realtà, basato sulla risposta immediata che gli artisti ci danno", spiega Fernando Molina, architetto, artista audiovisivo e curatore di arti visive a Pleamar.

Il ciclo di attività dell'exCCK ha offerto momenti di grande valore, come le performance audiovisive μruguay (Sebastián Seifert), Quintessence (Audiota + Esteparia) e Premonition (Sol del Río), che hanno esplorato l'acqua come mezzo fluido, sensoriale e ipnotico. Le curatrici Jazmín Adler e Agustina Rinaldi hanno inoltre presentato presentazioni che spaziano dalle prime opere generate al computer allo sviluppo di ambienti sensoriali immersivi e all'intersezione tra arte, scienza e tecnologia. Molto apprezzati anche gli interventi di Molina, Hernán Caratozzolo, Ernesto Romeo e Lucas DM.

L'intervento di Molina era legato al concetto di immersione. Ha affrontato la questione paradossale del fascino generato da questa esperienza. "Prima di nascere, siamo già in un ambiente immersivo. Siamo concepiti in un grembo materno, in qualcosa che ci protegge. Tutta la nostra vita si svolge in situazioni immersive. La nostra realtà tridimensionale ha un pavimento, un soffitto e dei lati. Quindi, cosa ci affascina così tanto nell'andare in una stanza per immergerci quando siamo già immersi nella vita? È l'intenzionalità, la fantasia dell'artista concentrata su quelle sei facce del cubo che ci contengono e che sono, in realtà, antiche quanto la vita stessa."

Fu allora che Molina fece riferimento alla sensazione provata da chi abitava luoghi come la grotta di Lascaux, in Francia, 12.000 anni fa: "Quella civiltà primitiva che era racchiusa nella grotta inizia a riprodurre sulle pareti e sui soffitti la realtà di ciò che vedeva: gli animali, la casa, la ricerca del cibo". L'architetto e artista audiovisivo conclude: "Mi chiedo perché siamo affascinati da una situazione come questa, che non è altro che la prospettiva dell'artista che definisce lo spazio immersivo e l'esperienza che vivremo al suo interno come una forma in qualche modo contraddittoria e paradossale di questo nuovo paradigma delle arti".

Aldegani attraversa la galleria immersiva al quarto piano dell'exCCK, mentre Seifert sviluppa la sua sorprendente opera, che esprimeva un senso di appartenenza alla natura ed è stata molto apprezzata dal pubblico. Poco dopo, la curatrice riflette sull'intersezione di queste espressioni con l'ambiente mondiale in tutte le sue varianti: "Trovo interessanti le politiche che si imprimono nella selezione dei dispositivi, le componenti a cui gli artisti hanno accesso e tutte le decisioni e le differenze che derivano dall'essere un'artista in America Latina e in Europa".

–Come si posiziona dunque l’artista elettronico latinoamericano in questo contesto?

L'arte elettronica è influenzata da situazioni che sono decisioni personali dell'artista, ma che sono anche contingenti. L'accesso a determinate tecnologie porta a un maggiore o minore sviluppo degli artisti digitali rispetto ad altri luoghi. E tutto questo dà alla scena latinoamericana, la nostra, una spinta formidabile perché lavoriamo costantemente nelle lacune, inventando ciò che manca, e questo allena la creatività in modo esplosivo. C'è molto filo e molta saldatura, mentre nella scena europea tutto è impeccabile, perfetto, ordinato.

– Quella "mancanza" fa necessariamente la differenza, non è vero?

– La nostra scena è prolifica, potente negli aspetti concettuali delle sue opere, nei suoi percorsi. Ho l'opportunità di parlare con molti artisti che cambiano il nostro modo di vedere il mondo, e questo è favoloso. Sono profondamente coinvolti nelle loro creazioni e affrontano la mancanza, l'assenza. A volte, la realtà negativa che si presenta è supportata da un enorme positivo che rafforza gli aspetti concettuali dell'opera, perché per raggiungere l'elemento tecnologico di cui hanno bisogno, gli artisti devono passare attraverso altri laboratori, altri studi, e questo rafforza la comunità artistica.

Di Hernán Caratozzolo ed Ernesto Romeo, venerdì 11 luglio, ore 18.00 - Auditorium 411 del Palazzo Libertad (Ex-CCK) Sarmiento 151. CABA

•Giovedì e venerdì | Installazioni video nella Sala Immersiva dalle 14:00 alle 20:00.