Omaggi al realismo allucinato

In principio era il Verbo. Così, come il Vangelo secondo San Giovanni del Nuovo Testamento, inizia la mostra nella sala Cronopios del Centro Cultural Recoleta . Lì, in quello che potremmo immaginare come il nartece di una chiesa – quello spazio accogliente tra l'esterno e l'interno di una basilica – si trovano tutte le pagine del libro Carroña última forma (Carogna, l'ultima forma), che dà il titolo alla mostra, del poeta argentino Leónidas Lamborghini . Un inizio in chiave di lettura di ciò che verrà tra qualche passo.

Il testo emblematico di Lamborghini, scritto nel turbolento contesto locale del 2001, propone un vagabondaggio che, nella sua forma, decostruisce e ricostruisce significati, spazi e linguaggio. Complesso e sorprendente nella sua visualità (la poesia, a partire da Mallarmé, ha riconosciuto la plasticità degli spazi vuoti e delle parole per produrre nuovi significati), parla della carogna come di ciò che persiste , come di una possibile forma configurativa; quindi, di un'estetica e di un'etica.

Perché questa mostra di 38 opere e 11 grandi artisti, curata da Carla Barbero e Javier Villa , costituisce un saggio per riflettere sul passato, presente e futuro di una società, a partire da una selezione di artisti che si sovrappongono generazionalmente dagli anni Trenta a oggi.

"Carroña última forma si organizza come un esperimento spaziale che ruota attorno all'ambivalenza tra iconoclastia e venerazione dell'immagine . Un paradosso che attraversa le forme del realismo allucinato, dove le esplorazioni materiche eccessive non cercano di rappresentare il mondo, ma di farlo esplodere. In queste opere, l'immagine non illustra; ne alza il volume", scrivono Barbero e Villa.

La spazialità della grande sala suggerisce il viaggio di un fedele pagano, se così posso usare l'ossimoro. Tra iconoclastia e venerazione, parole e immagini amplificano costantemente i significati e ne creano di nuovi a partire dalle possibilità degli spazi intermedi. Il progetto architettonico della sala, conservato e valorizzato dai curatori, insieme all'allestimento espositivo, ricorda la planimetria di una chiesa basilicale.

Carrion, Last Form è una proposta illuminante per comprendere l'interazione tra arte, società e politica all'interno di una cronologia locale. Situato all'inizio della "navata centrale", vediamo un altare abbagliante con una triade di opere, al cui apice si trova "La Victoria " di Raquel Forner del 1939. Questo dipinto raffigura il corpo smembrato di una donna nuda dall'aspetto scultoreo (a metà tra una Venere classica e l'iconografia di Gesù crocifisso), circondato da piccole scene di disperazione ed esecuzione. Sotto di lei, su questo altare a base circolare, si trovano "Torture and War" di Antonio Berni , entrambi del 1976. Questi due assemblaggi (invisibili al pubblico fino a due anni fa) ci mettono di fronte alla sinistra sofferenza fisica e alla crudeltà. Potremmo pensare a un altare dell'orrore , soprattutto della storia e della memoria.

Lungo il percorso, ci vengono presentati da dietro grandi supporti in legno, come i banchi di una chiesa all'ingresso. Per ammirare le opere appese, dobbiamo voltare lo sguardo. Da un lato si trovano i dipinti di Verónica Gómez e, dall'altro, le opere di Santiago O. Rey, entrambi rivolti ai riferimenti artistici presenti sull'altare. Gómez propone personaggi fantastici e grotteschi e la rappresentazione di organi corporei, tratti dalla sua serie Metaphysical Achuras , creando un universo in cui la metafora si riproduce tra riferimenti alla storia dell'arte e diverse forme narrative. I dipinti di Santiago Rey intrecciano assemblaggio, narrazione visiva e critica sociale attraverso una composizione che a prima vista appare poetica.

Giunti all'"altare", il percorso si biforca. A destra, troviamo l'installazione "Berniadas " (2001) di Marcia Schvartz , composta da ritagli di giornale, cartone, barattoli di vernice, spatole, sacchi della spazzatura e altri rifiuti generati dal consumismo, in omaggio a Berni e a testimonianza della crisi politica, economica e sociale di inizio Novecento. Oppure "El ambiente" (2014), un'opera a metà strada tra economia e violenza istituzionale. Da lì, si apre un altro spazio con la collezione di Tobías Dirty , inquadrata in temi di genere, sessualità, underground e pratiche pagane, come sottolineano i curatori. Ovunque, la politica è presente, persino nel significato letterale di alcuni titoli delle sue opere, come "Tragedia de Cromagnon" (Tragedia di Cro-Magnon) e "Ley de Convertibilidad" (Legge sulla Convertibilità), con quell'immaginario "sensuale e mostruoso".

Durante tutta la mostra, vengono offerti testi chiari e precisi sugli artisti. A sinistra dell'altare, si dispiega una triade emancipatrice e femminile: Maresca/Stern/Meloni. I curatori hanno ricreato l'opera di Liliana Maresca "Public Image - High Spheres" (1993), realizzata al Centro Recoleta e conclusasi sulla Costanera Sur. Le grandi fotografie in bianco e nero ritraggono il corpo dell'artista, in parte nudo, tra i volti di personaggi politici contemporanei e militari dell'ultima dittatura. Le immagini sono collocate tra le macerie, evocando le rovine/rifiuti della politica e della società del Paese. "Il corpo come catalizzatore del trauma sociale nell'arte argentina", sottolineano i curatori. Seguono le gigantografie di Grete Stern tratte dalla sua serie di fotomontaggi basati sui sogni delle donne degli anni '40, che in una fase iniziale univa storia dell'arte e prospettive di genere in una vena surrealista. Mentre il video di Verónica Meloni “incarna le tensioni urbane e di genere nello spazio pubblico”.

Passato e presente. E il futuro? Questa mostra, come sostengono i curatori, alza il volume. Ascoltiamo, perché "tocca a noi inventare il futuro prossimo", ha recentemente affermato Lucrecia Martel . "Un futuro che ci piaccia, proviamo a inventare un futuro che non sia solo l'apocalisse (...)", ha sottolineato la regista.

Leggiamo nel testo di Lamborghini: "Le cose non finiscono se non sono finite" (ogni lettera è scritta verticalmente su una riga). Da dove cominciare? La sala Cronopios è un possibile punto di partenza. In una teca, troviamo ancora i materiali di "Il manoscritto potrebbe anche essere disperso " – esposto per la prima volta in Argentina – di Osvaldo Lamborghini (fratello di Leonidas), dove la sperimentazione tra scrittura, disegno, collage, fotografie e pittura si moltiplica e immagina altre combinazioni. Partire da qui sarebbe una prima opzione di grande creatività.