Staging kanaliseert onzekerheid in actie

Daniel López Aguilar

La Jornada krant, donderdag 17 juli 2025, p. 4

Bovennatuurlijke wezens, bewakers van een kosmos op de rand van de afgrond, stellen de overleving van de mensheid op een planeet die haar geduld lijkt te hebben verloren, ter discussie. Wat gebeurt er wanneer de menselijke essentie afstand neemt van haar eigen aard?

Deze reflectie komt ook naar voren in Bonsai, de debuutfilm van de Physical Theatre Company. Met een visueel-poëtische benadering toont hij de kwetsbaarheid van het menselijk bestaan.

De première is vandaag om 20.00 uur in het Arts Forum van het National Center for the Arts (Cenart), met een cast bestaande uit afgestudeerden van de National School of Theatrical Arts.

Het project ontstond als reactie op de verstoringen die de pandemie veroorzaakte en dient als een collectief toevluchtsoord voor een generatie kunstenaars die hun eigen creatieve platform wil creëren en onderhouden.

Voor Alejandro León Espinosa, artistiek directeur en een van de hoofdrolspelers, kwam de oprichting van dit gezelschap voort uit een dringende behoefte: onzekerheid omzetten in actie.

De COVID-19-pandemie onderbrak abrupt onze academische voorbereiding, maar zette ons ook aan het denken over wat we voor onszelf konden doen , merkte ze op in een interview met La Jornada . Het pad is niet gemakkelijk, vooral niet wanneer degenen die al erkenning hebben, bevoorrecht zijn .

De plot ontvouwt zich in een fantasierijk universum waar de omgeving ongewone vormen en geluiden aanneemt: een jaguar, een kolibrie, een dolfijn en een adelaar vertegenwoordigen deze beschermers van de kosmos. Ze staan op een kruispunt: de aarde moet vernietigd worden om haar essentie te behouden, terwijl de natuurlijke omgeving tekenen van uitputting vertoont door de menselijke onverschilligheid.

Het lichaam communiceert wat woorden niet kunnen bereiken.

Vanaf de eerste repetitiedagen verkende de groep onder leiding van Hugo M. Bolaños de gemeenschap met oefeningen waarbij ze natuurlijke omstandigheden zoals regen, aardbevingen en stormen omarmden.

Improvisatie was de sleutel tot ons creatieve proces , voegde León Espinosa (Tuxtla Gutiérrez, Chiapas, 1991) eraan toe. Het dwong ons om een natuurkracht te zijn, om met ons lichaam te communiceren wat woorden niet kunnen .

De voorstelling brengt zes performers samen op het podium: Andrea Lara, Andrea Aguilera, Andrea Cedeño, Citlali Chong, Ximena Sotomayor en Alejandro León zelf. Een pop, gemanipuleerd door Natalia Leza, speelt het overlevende kind, een symbool van hoop en onzekerheid.

Het decorontwerp behoudt de sfeer van wedergeboorte en kwetsbaarheid: de vloer doet denken aan de schors van een boom die de seizoenen heeft meegemaakt. Twee transparante stoffen, geborduurd met planten en bloemen, suggereren de aarde in transitie, tussen dood en wedergeboorte.

De door Bolaños gekozen instrumentale muziek begeleidt de beweging en geeft de polsslag weer van een planeet die ademt en lijdt samen met haar bewoners.

Het lichaam fungeert als instrument om een verhaal te vertellen dat het verbale discours overstijgt. Alejandro León herinnerde zich dat zijn opleiding aan de Nationale School voor Theaterkunsten beweging altijd als een essentiële taal beschouwde.

We letten niet alleen op woorden; we leren ook anderen te observeren en hun aanwezigheid te voelen. Zo ontstaat een collectief weefsel waarin iedereen vanuit zijn eigen gevoeligheid bijdraagt. Deze horizontale benadering is essentieel voor het in evenwicht brengen van richting en actie, dankzij voortdurende communicatie en taakverdeling.

Ik hoop dat deze productie iets weerspiegelt van de ervaringen van de aanwezigen, vooral van de jongeren die, net als wij, in een isolement terechtkwamen. Ik wil hen laten zien dat projecten mogelijk zijn, dat deze ruimte nieuwe stemmen verwelkomt en dat theater een daad van verzet kan zijn.

"Er is nog tijd om de planeet te redden. Als ik een boom zie, voel ik me alsof ik deel uitmaak van iets groters, een natuur die we niet mogen vergeten. Asfalt, auto's, overmatige consumptie... alles wijst naar een pad dat bedreigt wat we liefhebben. De aarde is een levend systeem dat vroeg of laat zal besluiten dat het genoeg is," besloot hij.

Het Bonsaiseizoen begint vandaag en eindigt op de 27e, met voorstellingen op donderdag en vrijdag om 20.00 uur, zaterdag om 19.00 uur en zondag om 18.00 uur in het Cenart Arts Forum (Río Churubusco 79, wijk Country Club Churubusco).

Kaartjes kosten 150 pesos, met een speciale aanbieding op donderdagen: 30 pesos en op woensdagen 2 voor 1 bij online aankopen.

Vrolijke MacMasters

La Jornada krant, donderdag 17 juli 2025, p. 5

Schrijver en journalist Carlos Monsiváis (1938-2010) was een gepassioneerd verzamelaar van de miniatuursculpturen van de Oaxaca-kunstenaar Roberto Ruiz (1928-2008). In de loop der jaren vergaarde hij honderden van deze gebeeldhouwde en gebeeldhouwde botobjecten, met uiteenlopende thema's, van skeletten, catrina's, aartsengelen en duivels tot religieuze afbeeldingen, nationale helden en scènes uit het dagelijks leven, geïnspireerd door het vaderland van de kunstenaar.

Hij schreef zelfs een boek over de winnaar van de Nationale Prijs voor Wetenschappen en Kunsten in 1988 op het gebied van Kunst en Tradities. Voor Monsiváis komt Ruiz' obsessie met schedels "op organische wijze voort uit zijn zoektocht naar essentiële vormen, naar rigoureuze presentaties van het populaire en het traditionele. Zijn gevoeligheid tonend in bonte ensembles (waar de geforceerde promiscuïteit van de figuren onverwachte paringen teweegbrengt, lijnen van sensualiteit die de geboorte biedt), gebruikt hij ook de meest orthodoxe motieven, de landschappen van het costumbrismo, de amoureuze liefde van paren met een even aantal nummers . Hoewel de thema's variëren, is de constante de houding van maestro Ruiz, die zich volledig in elk stuk verdiept en nooit concessies doet aan intensiteit of verbeeldingskracht."

Blijkbaar was José Guadalupe Posada de enige leraar die Ruiz herkende.

In 2008 wijdde het Museo del Estanquillo (Carlos Monsiváis Collectiemuseum) een tentoonstelling aan hem. Nu keert het museum terug naar dit thema met de presentatie van Roberto Ruiz: Reus van de Miniatuur , met meer dan 600 stukken, allemaal verzameld door de schrijver. Het Museo Estanquillo herbergt de grootste collectie miniatuursculpturen van de man die zijn oeuvre ontwikkelde in Ciudad Nezahualcóyotl. De werken beslaan de periode 1960-1990.

Ruiz werd geboren op 2 maart 1928 in Miahuatlán en volgde de tweede klas van de basisschool. Op zesjarige leeftijd begon hij te spelen met klei, die hij van de vloer van een pottenbakkerij aan de overkant van de straat had verzameld, om er beeldjes van te maken. Op negenjarige leeftijd ging hij over op hout. Toen hij naar de herdersschool werd gestuurd, vermaakte hij zich met het maken van houten figuren van wat hij in de velden zag, met behulp van scherp gereedschap, zoals een machete of een mes.

Familiedruk dwong hem tot werken, en in de keuken van een bakkerij ontdekte hij zijn toekomstige carrière: het bewerken van brooddeeg tot figuren. Op school, in plaats van te doen wat zijn leraar hem aanraadde, vulde hij zijn schrift met tekeningen. Hij bleef zijn beeldjes maken, beginnende miniaturen van dansers, Tehuana's en kerststallen.

Rond 1943 reisde de tiener naar de stad Oaxaca om zijn creaties te verkopen. Op een gegeven moment besefte hij dat zijn gevoeligheid, handvaardigheid en het gereedschap dat hij tot zijn beschikking had, niet voldoende waren om meer gedetailleerde werken te maken. Hij speelde met de gedachte om naar school te gaan om op een rustieke manier beter te leren wat hij deed, maar zo'n school bestond niet.

Geconfronteerd met zijn slechte levensvooruitzichten verhuisde Ruiz naar Mexico-Stad op zoek naar zijn droomschool. Hij vestigde zich in de wijk Las Palmas in Ciudad Nezahualcóyotl, trouwde en ontwikkelde en verkende geleidelijk zijn eigen verbeelding. Met volledige beheersing van de gereedschappen en instrumenten die gebruikelijk waren in tandheelkundige werkplaatsen, begon hij nieuwe miniaturen te maken die beter aansloten bij zijn interesses. Hij nam afstand van de stereotypen en typische figuren die zo gewild waren in ambachtelijke winkels en koos voor figuren van de dood die altijd al zijn verbeelding hadden geplaagd.

Rond 1957 trokken de nieuwe thema's en motieven de aandacht van de eigenaar van de handwerkwinkel Víctor en diverse particulieren, waaronder de directeuren van het Museum voor Volkskunst en Industrie, die een tentoonstelling van zijn miniaturen voorstelden. Eind jaren zestig moedigden de museumdirecteuren hem aan om miniaturen met specifieke thema's te maken. Dit leidde tot een toename van zijn inkomen, waardoor hij kon stoppen met het maken van plastic mallen, waarmee hij zijn gezin onderhield.

Cameo van koningin Elizabeth II

Zeventien van zijn gebeeldhouwde werken maakten deel uit van een tentoonstelling in het British Museum in 1981. Hun succes was zo groot dat koningin Elizabeth II poseerde voor Ruiz om een ivoren camee van haar beeltenis te maken. Het stuk werd samen met de kroonjuwelen bewaard en de zeventien stukken werden overgebracht naar Buckingham Palace, waar ze 28 jaar lang werden tentoongesteld.

De sculpturen van Ruiz vallen niet alleen op door de precisie van het snijwerk, maar ook door het verhaal dat elk beeld met zich meedraagt.

Roberto Ruiz: Reus van de Miniatuur wordt zaterdag om 12.00 uur ingehuldigd in het Museo del Estanquillo Carlos Monsiváis Collections (Isabel la Católica 26, Historisch centrum, Mexico-Stad).

Daniel López Aguilar

La Jornada krant, donderdag 17 juli 2025, p. 5

Van alle voorwerpen die deel uitmaken van het dagelijks leven, zijn er maar weinig die zoveel herinnering bewaren als een stoel. Ze zijn stille getuigen die de last van tijd, gesprekken en stiltes dragen.

Deze symbolische lading staat centraal in SillArte , een tentoonstelling van 13 werken van het creatieve duo Max Sanz en zijn vrouw Guadalupe Pérez Morales. De tentoonstelling vindt plaats in Hotel Casa Cantera in het centrum van Oaxaca.

Ze hebben een symbolische, politieke en religieuze macht die hen altijd heeft vergezeld , legde Sanz uit in een interview met La Jornada .

De keuze van de stoel heeft ook een praktisch aspect. Het kopen ervan is heel eenvoudig. We wilden dat hij functioneel en decoratief tegelijk bleef.

Elk werk combineert technieken die het unieke karakter ervan benadrukken: bladgoud, vloeibaar glas, PVC-wandtapijt, vloeibaar brons, kleurstoffen, Judese bitumen en craquelé. Het gaat er niet alleen om ze te verfraaien, maar ook om de geschiedenis te belichten van degenen die ze hebben ontworpen, gebruikt en bewaard.

Het project ontstond bijna toevallig na verschillende gesprekken met een werkplaats die antieke stukken uit de Verenigde Staten redt. Op een dag vertelden we hen dat we een familieobject hadden opgeknapt, en zo ontstond het idee om de stukken tentoon te stellen , herinnerde de kunstenaar uit Oaxaca zich.

De samenwerking tussen Sanz (Natividad, Oaxaca, 1992) en Pérez Morales is een andere hoeksteen van het project. "Twee weten meer dan één. We delen een passie voor decoratie, die we samen hebben bestudeerd ", aldus de kunstenaar.

Binnen het duo ben ik meer verantwoordelijk voor de technische en visuele aspecten, terwijl Guadalupe een gevoeliger perspectief biedt dat karakter geeft aan elk werk. We begrijpen elkaar omdat we dezelfde creatieve taal spreken, hoewel we ieder onze eigen stijl hebben.

In plaats van de sporen uit het verleden uit te wissen, probeerden we ze levend te houden. We wilden het moment herstellen waarop ze ontstonden, de ontwerpen die ontworpen waren voor de mode en het comfort van dat tijdperk , benadrukte hij.

De montage nodigt je uit om herinneringen op te roepen: een familiekamer, het huis van je grootouders, een filmscène.

Deze meubels zijn altijd geassocieerd met mensen die waarde hechten aan detail en kwaliteit. In plaats van barokke of klassieke wandkleden te herhalen, hebben we ze getransformeerd met eigentijdse kleuren en texturen , voegde de kunstenaar eraan toe.

Het restaureren en transformeren van oude meubels hielp om de houtkap te verminderen en te voorkomen dat ze als afval eindigden dat eeuwen nodig had om te ontbinden, legde ze uit. Het was bovendien een verstandige economische beslissing: het is beter om te investeren in iets dat lang meegaat dan in iets wegwerpbaars .

Voor Sanz gaf de Oaxaca-omgeving betekenis en nuance aan het project. "Hier voel je de kunst in de weefgetouwen, de klei, de alebrijes... We hebben die identiteit heroverd om die toe te passen op stukken die nog steeds deel uitmaken van het dagelijks leven."

We willen dat het publiek zich herinnert dat achter elke creatie iemand zat die erover nagedacht heeft, materialen en vormen heeft gekozen en die vandaag de dag nog steeds iets te zeggen heeft. Stoelen bevatten meer dan alleen lichamen: ze bevatten herinneringen, blikken en zelfs wat onuitgesproken blijft , concludeerde hij.

Met gratis toegang kan SillArte worden bezocht in Hotel Casa Cantera (Privada de Reforma 103, wijk Centro, Oaxaca).