A encenação canaliza a incerteza para a ação

Daniel López Aguilar

Jornal La Jornada, quinta-feira, 17 de julho de 2025, p. 4

Seres sobrenaturais, guardiões de um cosmos à beira do colapso, questionam a sobrevivência da humanidade em um planeta que parece ter perdido a paciência. O que acontece quando a essência humana se distancia de sua própria natureza?

Essa reflexão é levantada em Bonsai, filme de estreia da Physical Theatre Company, que constrói uma abordagem poética visual para mostrar a fragilidade da existência humana.

A estreia será hoje, às 20h, no Fórum de Artes do Centro Nacional de Artes (Cenart), com um elenco formado por formandos da Escola Nacional de Artes Teatrais.

O projeto nasceu em resposta às interrupções causadas pela pandemia e serve como um refúgio coletivo para uma geração de artistas que buscam criar e manter sua própria plataforma criativa.

Para Alejandro León Espinosa, diretor artístico e um dos protagonistas, a criação desta companhia surgiu de uma necessidade urgente: canalizar a incerteza para a ação.

A pandemia da COVID-19 interrompeu abruptamente nossa preparação acadêmica, mas também nos levou a nos perguntar o que poderíamos fazer por nós mesmos , observou ela em entrevista ao La Jornada . O caminho não é fácil, especialmente quando aqueles que já têm reconhecimento são privilegiados .

A trama se desenrola em um universo fantástico onde o ambiente assume formas e sons inusitados: uma onça, um beija-flor, um golfinho e uma águia representam esses protetores do cosmos. Eles se deparam com uma encruzilhada: a Terra precisa ser destruída para preservar sua essência, enquanto o ambiente natural mostra sinais de exaustão diante da indiferença humana.

O corpo comunica o que as palavras não conseguem alcançar.

Desde os primeiros dias de ensaio, sob a direção de Hugo M. Bolaños, o grupo explorou a comunidade com exercícios que lhes permitiram adotar aspectos naturais como chuva, terremotos e tempestades.

A improvisação foi fundamental para o nosso processo criativo , acrescentou León Espinosa (Tuxtla Gutiérrez, Chiapas, 1991). Ela nos impulsionou a ser uma força da natureza, a comunicar com nossos corpos o que as palavras não conseguem .

O espetáculo reúne seis artistas no palco: Andrea Lara, Andrea Aguilera, Andrea Cedeño, Citlali Chong, Ximena Sotomayor e o próprio Alejandro León. Um boneco, manipulado por Natalia Leza, interpreta a criança sobrevivente, símbolo de esperança e incerteza.

A cenografia mantém a atmosfera de renascimento e fragilidade: o piso evoca a casca de uma árvore que viu a passagem das estações. Dois tecidos transparentes, bordados com plantas e flores, sugerem a Terra em transição, entre a morte e o renascimento.

A música instrumental escolhida por Bolaños acompanha o movimento e marca o pulsar de um planeta que respira e sofre junto com seus habitantes.

O corpo atua como um instrumento para contar uma história que transcende o discurso verbal. Alejandro León lembrou que sua formação na Escola Nacional de Artes Cênicas sempre incluiu o movimento como linguagem essencial.

Não prestamos atenção apenas às palavras; também aprendemos a observar os outros, a sentir a sua presença. Isso cria um tecido coletivo onde cada um contribui com a sua sensibilidade. Essa horizontalidade é fundamental para equilibrar direção e ação, graças à comunicação constante e à divisão de tarefas.

Espero que esta produção reflita um pouco da experiência de quem a frequenta, especialmente dos jovens que, como nós, vivenciaram o isolamento. Quero que eles vejam que projetos são possíveis, que este espaço acolhe novas vozes e que o teatro pode ser um ato de resistência.

“Ainda há tempo para salvar o planeta. Quando vejo uma árvore, sinto que faço parte de algo maior, de uma natureza que não podemos esquecer. Asfalto, carros, consumo excessivo... tudo aponta para um caminho que ameaça aquilo que amamos. A Terra é um sistema vivo que, mais cedo ou mais tarde, decidirá dar um basta”, concluiu.

A temporada de bonsai começa hoje e termina no dia 27, com apresentações às quintas e sextas às 20h, sábados às 19h e domingos às 18h no Cenart Arts Forum (Río Churubusco 79, bairro Country Club Churubusco).

Os ingressos custam 150 pesos, com uma promoção especial às quintas-feiras por 30 pesos e 2 por 1 às quartas-feiras para compras online.

Felizes MacMasters

Jornal La Jornada, quinta-feira, 17 de julho de 2025, p. 5

O escritor e jornalista Carlos Monsiváis (1938-2010) era um apaixonado colecionador de miniaturas do artesão oaxaquenho Roberto Ruiz (1928-2008). Ao longo dos anos, ele adquiriu centenas desses objetos de osso esculpidos e esculpidos, representando uma variedade de temas, desde esqueletos, catrinas, arcanjos e demônios até imagens religiosas, heróis nacionais e cenas da vida cotidiana inspiradas na terra natal do artista.

Ele chegou a escrever um livro sobre o ganhador do Prêmio Nacional de Ciências e Artes de 1988, na área de Artes e Tradições. Para Monsiváis, a obsessão de Ruiz por caveiras "decorre organicamente de sua busca por formas essenciais, por apresentações rigorosas do popular e do tradicional. Exibindo sua sensibilidade em conjuntos variegados (onde a promiscuidade forçada das figuras engendra uniões inesperadas, traços de sensualidade que o nascimento oferece), ele também utiliza os motivos mais ortodoxos, as paisagens do costumbrismo, o amor amoroso de casais pares . Embora os temas variem, a constante é a atitude do maestro Ruiz, que mergulha profundamente em cada peça e nunca abre mão da intensidade ou do poder imaginativo."

Aparentemente, o único professor que Ruiz reconheceu foi José Guadalupe Posada.

Em 2008, o Museo del Estanquillo (Museu das Coleções Carlos Monsiváis) dedicou-lhe uma exposição. Agora, o museu retorna ao tema com a apresentação de Roberto Ruiz: Gigante da Miniatura , com mais de 600 peças, todas colecionadas pelo escritor. O Museu de Estanquillo abriga a maior coleção de esculturas em miniatura do homem que desenvolveu sua obra em Ciudad Nezahualcóyotl. As obras abrangem o período de 1960 a 1990.

Nascido em 2 de março de 1928, em Miahuatlán, Ruiz estudou até o segundo ano do ensino fundamental. Aos 6 anos, começou a brincar com argila, que coletava do chão de uma oficina de cerâmica do outro lado da rua, para moldar estatuetas. Aos 9, passou a trabalhar com madeira. Quando foi enviado para pastorear, divertia-se fazendo figuras de madeira a partir do que via nos campos, usando ferramentas afiadas, um facão ou uma faca.

Pressões familiares o forçaram a trabalhar e, na cozinha de uma padaria, descobriu sua futura carreira: transformar massa de pão em figuras. Na escola, em vez de seguir as sugestões da professora, enchia o caderno de desenhos. Nunca mais parou de fazer suas figuras, miniaturas de dançarinos, tehuanas e presépios.

Por volta de 1943, o adolescente viajou para a cidade de Oaxaca para vender suas criações. Em algum momento, percebeu que sua sensibilidade, habilidade manual e as ferramentas que possuía não eram suficientes para criar obras mais elaboradas. Considerou então a ideia de frequentar uma escola para aprender melhor o que fazia de forma rústica, mas tal escola não existia.

Diante das poucas perspectivas de vida, Ruiz mudou-se para a Cidade do México em busca da escola dos seus sonhos. Estabeleceu-se no bairro de Las Palmas, em Ciudad Nezahualcóyotl, casou-se e, aos poucos, desenvolveu e explorou sua própria imaginação. Com domínio total das ferramentas e instrumentos comuns em oficinas odontológicas, começou a criar novas miniaturas mais alinhadas aos seus interesses. Distanciou-se dos estereótipos e tipicidades tão requisitados em lojas de artesanato e optou por figuras da morte que sempre assombraram sua imaginação.

Por volta de 1957, os novos temas e motivos atraíram a atenção do proprietário da loja de artesanato Víctor e de vários particulares, incluindo os diretores do Museu de Artes e Indústrias Populares, que propuseram uma exposição de suas miniaturas. No final da década de 1960, os diretores do museu o incentivaram a criar miniaturas com temas específicos. Isso aumentou sua renda, permitindo-lhe parar de fabricar moldes de plástico, que ele usava para sustentar sua família.

Camafeu da Rainha Elizabeth II

De suas obras esculpidas, 17 fizeram parte de uma exposição no Museu Britânico em 1981. O sucesso foi tamanho que a Rainha Elizabeth II posou para Ruiz para fazer um camafeu de marfim com sua imagem. A peça foi guardada junto com as joias da coroa, e as 17 peças foram transferidas para o Palácio de Buckingham, onde permaneceram em exposição por 28 anos.

As esculturas de Ruiz se destacam não apenas pela precisão de suas esculturas, mas também pelas histórias que cada uma delas contém.

Roberto Ruiz: Gigante da Miniatura será inaugurado no sábado às 12h no Museu del Estanquillo Coleções Carlos Monsiváis (Isabel la Católica 26, Centro Histórico, Cidade do México).

Daniel López Aguilar

Jornal La Jornada, quinta-feira, 17 de julho de 2025, p. 5

Entre os objetos que fazem parte do cotidiano, poucos guardam tanta memória quanto uma cadeira. São testemunhas silenciosas que carregam o peso do tempo, das conversas e dos silêncios.

Essa carga simbólica é o foco da SillArte , uma exposição de 13 peças criadas pela dupla criativa Max Sanz e sua esposa, Guadalupe Pérez Morales. A exposição acontece no Hotel Casa Cantera, no centro de Oaxaca.

Eles têm um poder simbólico, político e religioso que sempre os acompanhou , explicou Sanz em entrevista ao La Jornada .

A escolha da cadeira também tem um aspecto prático. Comprar uma é muito simples. Queríamos que ela permanecesse funcional e decorativa ao mesmo tempo.

Cada obra combina técnicas que enfatizam sua singularidade: folha de ouro, vidro líquido, tapeçaria de PVC, bronze líquido, agentes de coloração, betume da Judeia e craquelado. Não se trata apenas de embelezá-las, mas também de destacar a história daqueles que as projetaram, utilizaram e preservaram.

O projeto nasceu quase por acaso, após várias conversas com uma oficina que resgata peças antigas trazidas dos Estados Unidos. Um dia, contamos a eles que tínhamos restaurado um objeto de família, e foi daí que surgiu a ideia de expor as peças , lembrou o artista oaxaqueño.

A cumplicidade entre Sanz (Natividad, Oaxaca, 1992) e Pérez Morales é outro pilar do projeto. "Duas cabeças pensam melhor que uma. Compartilhamos a paixão pela decoração, que estudamos juntos ", comentou.

"Na dupla, eu cuido mais dos aspectos técnicos e visuais, enquanto Guadalupe traz uma perspectiva mais sensível que dá personalidade a cada trabalho. Nos entendemos porque falamos a mesma linguagem criativa, embora cada um tenha seu próprio estilo."

Em vez de apagar os vestígios do passado, buscamos mantê-los vivos. Queríamos resgatar o momento em que foram criados, os designs concebidos para a moda e o conforto daquela época , enfatizou.

A montagem convida você a despertar memórias: uma sala de estar, a casa dos seus avós, uma cena de filme.

"Essas peças de mobiliário sempre foram associadas a quem valorizava detalhes e qualidade. Em vez de repetir tapeçarias barrocas ou clássicas, nós as transformamos com cores e texturas contemporâneas" , acrescentou o artista.

Restaurar e transformar móveis antigos ajudou a reduzir o corte de árvores e evitou que elas se transformassem em lixo que leva séculos para se decompor, explicou ela. Também foi uma decisão econômica sensata: é melhor investir em algo duradouro do que em algo descartável .

Para Sanz, o cenário oaxaquenho deu significado e nuances ao projeto. "Aqui, a arte se faz sentir nos teares, no barro, nos alebrijes... Resgatamos essa identidade para aplicá-la a peças que continuam a fazer parte do cotidiano."

Queremos que o público se lembre de que por trás de cada criação houve alguém que a pensou, escolheu materiais e formas, e que ainda hoje tem algo a dizer. Cadeiras guardam mais do que corpos: guardam memórias, olhares e até mesmo o que ficou por dizer , concluiu.

Com entrada gratuita, o SillArte pode ser visitado no Hotel Casa Cantera (Privada de Reforma 103, bairro Centro, Oaxaca).