Angela Peralta foi usada como instrumento civilizador, diz especialista

▲ Ángela Peralta como Lucía de Lammermoor, interpretada por Giovanni Battista Ganzini, por volta de 1865. Gravuras em albumina. Coleção particular. A imagem faz parte do artigo "Verde, Branco e Vermelho: Retratos de Ángela Peralta durante o Segundo Império Mexicano", de Gustavo Amézaga; posteriormente, a capa da partitura "Adiós a México", parte do Álbum Musical de 1938, cortesia de Cenidim.

Alondra Flores Soto

Jornal La Jornada, sábado, 5 de julho de 2025, p. 2

Ángela Peralta (1845-1883) foi utilizada em um contexto político no século XIX para mostrar à Europa e ao mundo que a jovem nação que era o México tinha um caráter civilizado, afirma a historiadora Áurea Maya, que do Centro Nacional de Pesquisa, Documentação e Informação Musical (Cenidim), órgão do Ministério da Cultura federal, participa da ampliação do conhecimento documentado sobre esta destacada cantora, pianista e compositora.

A musicóloga russa Elena Kopylova está trabalhando em conjunto para resgatar o Álbum Musical, publicado em 1875, que ajudará a incorporar as peças raramente executadas escritas por Peralta no século XIX ao repertório de concertos em nosso país.

180 anos após o nascimento da mulher da voz prodigiosa, persistem mitos, informações falsas e falta de reconhecimento, além do fato de que sua música para piano é desconhecida. Para homenagear essa figura, será realizada uma homenagem intitulada "O Rouxinol do México: Ángela Peralta e Sua Música", com um concerto que retoma sua música e uma palestra com especialistas que discutirão informações reveladoras. Ambas as atividades, com entrada gratuita, acontecerão hoje, às 18h, no Auditório José Vasconcelos do Centro Nacional de Artes (Cenart).

"Quando comecei a estudar Ángela Peralta, me deparei com muitas surpresas", diz Áurea Maya, que atualmente trabalha em um livro que será publicado nos próximos meses. "Ela é talvez uma das figuras mais impactadas pela história e pela musicologia. Não apenas nos séculos XIX e XX, mas também no XXI, porque ainda é acusada de muitas coisas ."

Ao investigar arquivos e documentos, por exemplo, ele descobriu que ela não era uma criada, como muitos afirmam. Há historiadores que nunca se preocuparam em corroborar isso. É claro que ela foi tema de lendas, mitos, romances históricos e peças teatrais que a exaltam, mas também de traços negativos em sua personalidade .

Em Polanco, um teatro ao ar livre leva seu nome. O mesmo acontece em San Miguel de Allende, Guanajuato. Também em Mazatlán, Sinaloa, o nome da cantora identifica o principal teatro da cidade. Conhecida como a Rouxinol Mexicana , ela foi uma figura de renome internacional, a primeira cantora mexicana a se apresentar no principal teatro da Europa, o La Scala, em Milão. Embora haja pouca documentação sobre isso, o historiador questiona quantos profissionais do bel canto podem afirmar isso.

Ángela Peralta nasceu na Cidade do México em 6 de julho de 1845. Ela alcançou o sucesso ainda muito jovem e foi para a Europa. Ela retornou durante o período em que Maximiliano estava no México, que a nomeou cantora de câmara do império . Foi precisamente em Mazatlán que ela morreu, aos 38 anos, de febre amarela, em 30 de agosto de 1883. Essa epidemia dizimou 17% da população, diz Maya, então Peralta era um símbolo de luto após tal tragédia. Um dos mitos que a acompanha é que, nos momentos de seu último suspiro, ela se casou com Julián Montiel Duarte, que muitos dizem ter sido seu amante.

Elena Kopylova, pesquisadora do Cenidim, está atualmente realizando uma leitura aprofundada do Álbum Musical, que contém as partituras de suas peças, principalmente para canto e piano. Inclui valsas, polcas, romances, fantasias e até um estudo, algo muito contemporâneo à época, tendo Frédéric Chopin como um de seus representantes mais importantes.

Na entrevista com os dois estudiosos da música e com o diretor do Cenidim, Víctor Barrera, eles mostram impressões de algumas páginas desta coletânea de peças, com caligrafia ilegível e de difícil leitura para os músicos. A capa apresenta um retrato do compositor, cujas obras para piano raramente são executadas em salas de concerto.

Este projeto visa incorporar os temas de Peralta na formação de jovens músicos, por exemplo, na Escola Superior de Música, localizada a poucos passos dos escritórios do centro de pesquisa, no topo da torre roxa do complexo cultural.

Nesse sentido, Barrera enfatizou que o trabalho do Cenidim no estudo e na divulgação da música mexicana busca abordagens interdisciplinares. O relacionamento com as escolas e a formação de novos músicos são muito importantes nesta instituição.

Alguns desses alunos concordaram entusiasticamente em participar do concerto daquela tarde. Apesar de terem pouco tempo para se preparar para o concerto e enfrentarem as provas finais, eles encararam um desafio que exigiu muita disciplina e esforço, inclusive escolhendo algumas das peças mais difíceis, explica Kopylova.

Aurea Maya, historiadora da arte e musicóloga, relatou que a ópera no século XIX teve um ciclo complicado, mas muito interessante no México, porque no país nascente, os políticos da época, especialmente Lucas Alamán, tomaram essa arte do canto como um instrumento civilizador para demonstrar aos olhos da Europa que éramos uma nação avançada.

Quando comecei a explorar a figura de Ángela Peralta, percebi que ela estava inserida em todo esse arcabouço e, claro, funcionava como um instrumento civilizador. A autora do livro "Ópera e Despesas Secretas" enfatizou que ela não só tinha uma voz privilegiada, mas também era muito inteligente e com tino para os negócios. Ela seguia os cânones do século XIX, com os padrões de ser uma jovem perfeita, mas, ao mesmo tempo, era uma mulher com uma grande visão de mundo, talvez incutida por seu pai e, posteriormente, por seus professores .

A conferência sobre a importante cantora mexicana contará com a participação das pesquisadoras Elena Kopylova, Áurea Maya e Zuly Amir López Ríos, sob a moderação do diretor do Cenidim, Víctor Barrera. Os pianistas Isis González, Maximiliano Rosas e Elías Morales, além das sopranos Patricia Mastachi e Isamar Reyes, darão vida a essas partituras após um cuidadoso processo de transcrição e análise.

▲ Gigantes, Espiando a Cidade, Havana, Cuba, 2019. Foto Néstor Kim / cortesia do artista e da galeria

Alejandra Ortiz Castañares

Especial para La Jornada

Jornal La Jornada, sábado, 5 de julho de 2025, p. 3

San Gimignano. Fundada em 1990 em uma garagem com apenas 500 euros em San Gimignano, na Toscana rural, a galeria Continua é um dos espaços mais inovadores para a arte contemporânea internacional. Fundada por três amigos de infância — Lorenzo Fiaschi, Mario Cristiani e Maurizio Rigillo — sem recursos financeiros ou conexões no mundo da arte, a galeria desafiou as convenções da indústria desde o início. Atualmente, possui oito unidades em três continentes.

Para comemorar seus 10 anos de presença em Cuba, eles organizaram a exposição A Capacidade de Sonhar (17 de maio a 9 de julho), que reúne 40 artistas cubanos.

"Sempre começamos com uma paixão pela arte ", diz Fiaschi, de Havana, onde mora. Trabalharam sem remuneração por 10 anos, e a virada veio em 2000, com uma exposição do artista Chen Zhen, quando até o colecionador François Pinault adquiriu suas obras. Ele nos incutiu o valor da diversidade como princípio e da arte como ponte entre culturas .

Essa abordagem anticolonialista orientou a expansão internacional da galeria, que escolheu deliberadamente contextos periféricos: um antigo cinema em San Gimignano (sua sede histórica), um moinho de vento medieval no campo a uma hora de Paris e, desde 2015, um antigo cinema na Chinatown de Havana.

A aventura na ilha

Durante a Bienal de Marrakech, Lorenzo Fiaschi e a curadora cubana Laura Salas assistiram à performance Tercer paraíso , de Michelangelo Pistoletto: um símbolo semelhante ao infinito, mas com três círculos, sendo o central a possibilidade de harmonia entre os opostos. Impressionado pela força poética da obra, Salas propôs recriá-la no mar, entre Havana e Miami, como um gesto de reconciliação em um contexto marcado pelo embargo. Em uma ação espontânea e não oficial, centenas de pescadores cubanos formaram esse símbolo com seus barcos. No dia seguinte, 17 de dezembro de 2014, Barack Obama e Raúl Castro, presidentes dos Estados Unidos e de Cuba, nessa ordem, anunciaram o restabelecimento histórico das relações entre suas nações. Esse sinal poderoso e profético inspirou os fundadores da galeria Continua a estabelecer um local em Havana, escolhendo, com a ajuda do diretor da Bienal, Jorge Fernández, um antigo e dilapidado cinema em Chinatown, que restauraram, trazendo até mesmo o telhado da Itália.

Pioneiros em um contexto complexo

Continua foi a primeira galeria privada e estrangeira a se estabelecer em Cuba, operando como um centro cultural. Agora, há um projeto de lei para legalizar a abertura de galerias privadas , explica Fiaschi. Sua singularidade na ilha atraiu artistas e colecionadores internacionais: "O Financial Times dedicou uma página inteira a nós. Nossos colegas não conseguiam acreditar!", diz ele.

Artistas como Michelangelo Pistoletto, Anish Kapoor e Daniel Buren, frequentadores assíduos de Paris e Nova York, entre outras cidades, escolheram Havana para expor, oferecendo ao público local encontros inéditos com a arte global. Suas exposições, em novembro de 2016, coincidiram com a morte de Fidel Castro: a exposição de Pistoletto ocorreu conforme o planejado, antes da divulgação da notícia, enquanto a de Kapoor, marcada para o dia seguinte, foi oficialmente cancelada devido ao luto nacional, mas ocorreu com as luzes apagadas, com os visitantes iluminando as obras com as lanternas de seus celulares.

Promoção

Continua desempenhou um papel decisivo na visibilidade internacional de inúmeros artistas cubanos, promovendo-os em feiras e exposições na Europa e na Ásia. Um exemplo emblemático é Yoan Capote, cuja obra monumental foi selecionada para a Art Unlimited na Art Basel, entre mais de mil propostas, e posteriormente adquirida por um grande museu.

Esse compromisso não só melhorou a visibilidade dos artistas da ilha, mas também suas condições de vida: nós os vimos passar de viver e trabalhar em cômodos de quatro por quatro metros para ter espaços decentes onde podem viver e criar livremente .

Colecionadores internacionais são atraídos pela originalidade e pelo poder expressivo da arte cubana, mesmo antes de conhecerem sua procedência. Segundo Fiaschi, a arte cubana é marcante porque não é facilmente classificável: não responde a uma estética uniforme ou folclórica, mas é profundamente heterogênea e individual, com identidades fortes e estilos altamente pessoais.

O contexto de isolamento geopolítico levou muitos artistas cubanos a desenvolver soluções criativas com recursos limitados, gerando obras ricas em engenhosidade e profundidade simbólica. Essa combinação de escassez material e riqueza conceitual fascina um público que reconhece nessas obras uma vocação verdadeiramente universal.

Censura e liberdade de expressão

Em relação à artista dissidente Tania Bruguera, Fiaschi reconhece a importância da liberdade de expressão, mas critica sua abordagem. Ele se refere ao pedido dela para apresentar "O Sussurro de Tatlin" na Plaza de la Revolución, convidando os cubanos a falar livremente através de um microfone aberto — ação que ela realizou anos antes na Bienal de Havana. Naquela ocasião, lhe ofereceram um local diferente, mas ela insistiu, o que a levou a ser colocada em prisão domiciliar.

A mesma ação na Praça de São Pedro, na Itália, falando contra o Papa, também teria consequências legais , observa Fiaschi, que considera a ação provocativa e inoportuna , especialmente em um momento em que Cuba e Estados Unidos estavam iniciando um processo de diálogo.

Visão global e abertura

A abordagem da Continua Gallery baseia-se numa visão de longo prazo e numa abertura à diversidade cultural. "Começamos a trabalhar na Índia, no Oriente Médio e na China há 20 anos — fomos a primeira galeria estrangeira na China — quando todos se perguntavam o que estávamos fazendo lá." Tudo parecia distante e difícil de entender, mas estimulante: eram temperos culturais para temperar o nosso prato excessivamente eurocêntrico .

O objetivo deles: fundir mundos diferentes. Com o tempo, essas jornadas enriqueceram sua evolução. A mesma visão os levou a investir na feira de Dubai, antecipando uma dinâmica que se reflete hoje na recém-anunciada organização da Art Basel em Doha.

Cuba é um grande país cultural , conclui Fiaschi, com artistas, escritores e músicos de renome mundial. O embargo, em vigor há 63 anos, é uma das sanções econômicas mais duradouras da história moderna. A maioria dos cubanos hoje nem sequer havia nascido durante a revolução. Este bloqueio não representa apenas um problema prático, mas também impede uma avaliação clara das verdadeiras capacidades do governo. O medo da superpotência americana gera decisões irracionais. O medo não fomenta a clareza. Restaurar a paz em Cuba também significaria restaurar a liberdade e uma lufada de ar fresco .

▲ Imagem da terceira edição do Manifesta, de 2023. Foto cedida por Eloy Tarcisio

Felizes Macmasters

Jornal La Jornada, sábado, 5 de julho de 2025, p. 4

A Praça da Constituição será o cenário da quarta edição do Manifesta, um evento de arte performática que acontece hoje no contexto do 700º aniversário da fundação de México-Tenochtitlán, mas não como um evento temático. Um total de 50 projetos, incluindo videomapping, recebidos por meio de uma chamada para propostas , serão apresentados das 11h às 18h.

A iniciativa nasceu em 1993 como um manifesto conceitual para a exposição inaugural da então Ex Teresa Arte Alternativo, que contou com obras de Helen Escobedo, Felipe Ehrenberg e Marcos Kurtycz. Repetiu-se em 1997 com a participação de 37 artistas, agora com uma metodologia de trabalho em que saímos do espaço para ocupar o exterior , afirma Eloy Tarcisio (Cidade do México, 1954), diretor do espaço anexo ao Instituto Nacional de Belas Artes e Letras de 1993 a 1995 e de 1996 a 1998. Para ele, a arte não deve ser apenas para o público especializado que a procura, mas sim confrontar o artista com o público em geral .

Em 2023, o Manifiesta III reuniu 70 artistas de diversas disciplinas para um evento na Rua Primo Verdad, onde o museu está localizado. “A experiência dos 30 anos de fundação do Ex Teresa — agora Ex Teresa Arte Actual — e de ter realizado um festival na rua, em frente ao espaço, me deu uma visão diferente do exercício artístico em que os artistas estavam trabalhando ao mesmo tempo, em um momento específico, de tal forma que se tornavam públicos para suas próprias obras. Não se tratava mais apenas de impactar o público fora da arte, mas também de se engajar em um exercício de autoexperiência”, disse Eloy Tarcisio ao La Jornada.

Ele percebeu a necessidade de um espaço que expressasse a opinião do artista fora do cubo branco, do contexto artístico tradicional enquadrado em museus e feiras, e que se concentrasse mais no público, numa perspectiva comercial . A preocupação de alguns artistas com o que aconteceria com o Manifesta motivou Tarcisio a lançar uma quarta edição. Além disso, o 700º aniversário da fundação de Tenochtitlán nos deu a oportunidade de ter a estrutura de outro tipo de experiência estética .

–Por que no Zócalo?

– Porque os quatro ramos da Federação e da Igreja estão presentes, e um número impressionante de pessoas passa por lá. O fato de os artistas trabalharem simultaneamente no mesmo local significa que os espectadores podem circular livremente e encontrar uma experiência estética de forma fortuita.

As preocupações dos artistas participantes abrangem questões como violência, ética, guerra e meio ambiente, tornando o Manifiesta um espaço para múltiplas vozes e experiências estéticas em um contexto de laboratório . O Manifiesta, portanto, nasceu como um grito e uma celebração do que está acontecendo em nosso meio ambiente .

Nenhum projeto submetido precisou passar por um júri ou comissão curatorial, pois todos foram aceitos com base nos critérios de qualquer pessoa que se autodenomine artista, e o que eles criam como obra de arte se torna apenas isso. Em outras palavras, não há intenção de legitimação. O espaço não é aquele que legitima, mas sim um espaço aberto, no qual o artista legitima seu trabalho. Se for bom, será notado; se for ruim, também será notado. Se for coerente e impactar o público, será notado. Caso contrário, se acomodará por si só e se separará do contexto de sua própria obra .

–Qual é o futuro do Manifesta?

– Tornou-se um manifesto de trabalho horizontal que os artistas terão que se esforçar para manter. Não é um espaço que eu vou manter, mas sim um que se abre às vozes dos criadores com o objetivo de romper com o cubo branco, de criar obras para espectadores não convencionais, inclusive no uso de espaços não projetados para a arte.

Para Eloy Tarcisio, a performance é uma filosofia de ação, um exercício de contato direto, que visa desenvolver a reflexão sobre a vida cotidiana em torno de problemas humanos . Além disso, o artista tem a obrigação de se envolver com seu tema e de falar além das práticas convencionais, como galerias, feiras e o mercado de arte .

Lembre-se de que performance é uma questão de ética e responsabilidade. O artista deve estar ciente de que é um formador de opinião e que tudo o que ele disser ou fizer impactará o público. Se ele não estiver ciente do que suas ações podem provocar, o resultado pode ser inadequado .

▲ A obra do coreógrafo César Brodermann estreia neste fim de semana no Teatro de la Ciudad. Foto cortesia da produção.

Fabiola Palapa Quijas

Jornal La Jornada, sábado, 5 de julho de 2025, p. 4

Return, obra do coreógrafo e diretor da companhia Aterno, César Brodermann, "é uma jornada de autodescoberta e reflexão sobre o que realmente importa na vida. Um espaço seguro onde a brincadeira se torna uma ferramenta na busca por liberdade e criatividade."

Por meio do movimento, consegue-se uma conexão com a essência da infância , explicou em entrevista o criador, que estreia sua peça hoje e amanhã no Esperanza Iris City Theater.

Em Regreso, Brodermann parte de uma pergunta simples, porém profunda: quando foi a última vez que você tocou sem razão, sem medo, sem objetivo? Essa pergunta se torna um dispositivo cênico capaz de envolver plateias de todas as idades.

A produção foi construída ao longo de cinco meses de laboratórios abertos, ensaios colaborativos e processos em que cada membro da equipe teve voz. No final, Brodermann apresenta ao público uma peça ao vivo que será diferente a cada apresentação.

“Regreso surgiu da necessidade de lembrar o que me faz sentir vivo e o que sinto quando danço. O jogo me dá a oportunidade de explorar livremente quem eu sou, quem eu quero ser e como eu quero me tornar”, comentou a coreógrafa, que envolveu nove bailarinos e três aprendizes no processo criativo.

“Como parte do projeto, analisamos a brincadeira e a infância, onde tudo o que fazemos é intuitivo e não analítico, porque quando você começa a crescer você diz: 'Eu não posso fazer isso ou tenho que me comportar desse jeito', mas quando você é pequeno, se você quer usar uma camiseta gigante, você a veste, e se você quer correr pela rua, você faz isso.

Então decidi começar a questionar por que a brincadeira é necessária no nosso dia a dia, seja quando crianças ou adultos, e como podemos retomar essas ideias, porque na infância somos muito imaginativos, temos muita imaginação , acrescentou.

O artista busca se conectar com a obra e libertar o público. "Meu interesse é que as pessoas evoquem liberdade, sintam-se vivas e descubram maneiras de alcançá-la" , disse o criador.

O brincar faz sentido na proposta coreográfica e oferece ao corpo a possibilidade de ser um caminho para a memória, alcançando assim uma conexão com a liberdade que foi esquecida ao longo do tempo.

Após uma década de transformação artística e tendo vivido em diferentes lugares, como Nova York e Tel Aviv, Regreso também representa um retorno ao seu local de nascimento, seu país de origem, para o coreógrafo; é uma homenagem aos seus primeiros anos, à terra que testemunhou seus primeiros passos e que o trouxe de volta para fundar sua companhia a partir de seu eterno amor pela dança.

Brodermann é um artista multidisciplinar, dançarino contemporâneo, fotógrafo, diretor artístico e fundador da Aterno. Seu trabalho é caracterizado por uma abordagem profundamente emocional e física, onde o corpo deixa de ser um arquivo de memórias e emoções e se torna o veículo perfeito para a comunicação através do movimento.

A peça Regreso, que recebeu o Incentivo Fiscal pelo Artigo 190 da LISR (Efiartes), estreará hoje e amanhã às 19h e 18h, respectivamente, no Teatro Municipal Esperanza Iris (Donceles 36, Centro Histórico); nos dias 11 e 12 de julho, será apresentada gratuitamente às 17h no Salão Elisa Carrillo do Centro Cultural Mexiquense Bicentenário; e nos dias 20 e 21 de novembro, às 20h, e nos dias 22 e 23, às 19h e 18h, nessa ordem, no Teatro Raúl Flores Canelo do Centro Nacional de las Artes.

▲ A trama apresenta uma nova forma de se conectar com a tecnologia , explicou Óscar Tapia, roteirista e diretor de cena. Foto cortesia da produção.

Daniel López Aguilar

Jornal La Jornada, sábado, 5 de julho de 2025, p. 5

Em Fígaro e o Androide, a ópera é reinventada como uma aventura de ficção científica; será apresentada hoje e amanhã no Teatro de las Artes do Centro Nacional das Artes (Cenart).

A proposta busca aproximar o gênero lírico de novos públicos por meio do humor, da fantasia e de reflexões sobre a relação do ser humano com suas criações.

O famoso barbeiro Fígaro retorna à cena, mas agora seu caminho o leva a um futuro possível . Junto com o Doutor Alquimista, ele atende a um pedido de ajuda da Lua: Kira, a última mulher livre, pede ajuda para confrontar Olympia, a androide que governa a Terra. Quando conseguem desativar a máquina, descobrem que sem ela o mundo entraria em colapso.

A trama apresenta uma nova forma de conexão com a tecnologia e evidencia nossa dependência do que criamos , explicou Óscar Tapia, roteirista e diretor de cena, em entrevista ao La Jornada.

Na história, a ficção científica dialoga com a ópera clássica por meio de fragmentos de Mozart, Rossini, Dvorak e outros compositores.

A Filarmônica de Atizapán, formada por jovens músicos sob a direção de Édgar Rainier Palacios, interpreta peças como a abertura de Così fan tutte, o Dueto do Gato e a Ária da Lua, cantada por Kira de sua perspectiva da Terra.

Olympia oferece uma versão renovada da Ária da Boneca de Offenbach, um reflexo de sua condição entre o humano e o mecânico.

Tapia destacou o caráter coletivo da produção, que se alimenta das contribuições do elenco: Amed Liévanos e Alberto Albarrán interpretam Figaro; Luis Rodarte e Alexander Soto interpretam o Doutor Alquimista; Rosalía Ramos e María Anaya jogam contra o Olympia; Tania Solís e Angélica Alejandre interpretam Kira; Linda Saldaña, Penélope Lázaro e Rosa Muñoz interpretam Hipátia de Alexandria; e Enrique Guzmán e Ricardo Estrada interpretam Lindoro.

Primeiro, revisamos e melhoramos o roteiro; depois, Gabriel Ancira desenhou os figurinos e cenários; por fim, ensaiamos para integrar a música, o cenário e a narrativa , explicou o diretor.

A história deixa as intrigas da corte para trás para construir uma narrativa que questiona o futuro. Hipácia de Alexandria, cientista e diretora da lendária biblioteca, desempenha um papel fundamental: na peça, ela dá um corpo a Olímpia na esperança de ajudar a humanidade, mas acaba enfrentando a frustração de vê-la trair seus próprios ideais.

Como na ficção científica clássica, a encenação questiona o que construímos, com que intenção e a que custo , destacou Tapia.

O projeto também busca estreitar a relação entre o público e a ópera. Apresentado em espanhol e em um formato que lembra cinema ou televisão, combina atuação ao vivo e canto para promover uma conexão direta.

Queremos compartilhar com crianças e adultos os aspectos mais belos da ópera , acrescentou o diretor, que destacou que as peças musicais são parte essencial da história.

Também levanta questões que nos obrigam a olhar para dentro: o que acontece quando o que inventamos se torna indispensável? Controlamos a tecnologia ou ela acaba nos dominando?

Buscamos fascinar pela ópera clássica e, ao mesmo tempo, confrontar o público com as implicações do que construímos , concluiu Óscar Tapia.

A ópera Fígaro e o Androide, uma produção de Arándano AC, terá quatro apresentações hoje e amanhã, às 12h e às 14h30, no Teatro das Artes Cenart (Río Churubusco, 79, bairro Country Club Churubusco). Os ingressos custam 150 pesos.

Da equipe editorial

Jornal La Jornada, sábado, 5 de julho de 2025, p. 5

Explorando o tempo, criando com sombras e modelando o encantamento. Neste verão, o Museu de Arte Moderna (MAM) e o Museu Universitário de Arte Contemporânea (MUAC) oferecerão duas oficinas para crianças de 6 a 12 anos explorarem a arte por meio da curiosidade, da imaginação e da memória. As atividades acontecerão de 21 de julho a 8 de agosto.

Moderns in Action: A Journey Through Time convida você a explorar a modernidade por meio de obras icônicas, esculturas e arte conceitual, e PLAY: The Playful Box of Expanded Theater and Cinema propõe uma jornada sensorial com imagens, sombras e performances inspiradas no mito da Caverna de Platão.

Ambas as iniciativas buscam fazer do museu um espaço vivo onde as crianças possam inventar, questionar e descobrir. Em meio a brincadeiras, passeios e piqueniques, a imaginação toma forma.

O MAM oferece uma programação dividida em três semanas temáticas. A primeira explora a modernidade com uma exposição que inclui obras como "As Duas Fridas", de Frida Kahlo, e peças do Dr. Atl e Remedios Varo. As crianças criarão obras inspiradas nessas técnicas.

A segunda semana é dedicada à escultura: os participantes visitarão o Jardim de Esculturas e a exposição Drifts of Sculptural Form e, depois, modelarão suas peças.

O terceiro se concentra em arte abstrata e conceitual. As crianças criarão artes visuais, fotografias e arte postal para trocar com o Museu Nacional de San Carlos.

Cada dia inclui visitas guiadas, atividades interdisciplinares e brincadeiras livres. Há um intervalo para almoço e uma refeição compartilhada ao meio-dia; às quartas-feiras, há surpresas como apresentações de circo ou passeios teatrais.

"Começamos com exibições vibrantes, e isso transforma a experiência ", disse Adela González, chefe de Educação e Mediação do MAM (Paseo de la Reforma, Bosque de Chapultepec). As atividades serão realizadas de segunda a sexta-feira, das 10h às 14h, com capacidade para 60 crianças. Para mais informações, entre em contato com [email protected] .

De 4 a 22 de agosto, o MUAC apresenta PLAY…, projeto do Estudio Nómade. A criação se cruza com a experimentação: câmeras lúcidas, flipbooks, livros de crankie, máscaras e conjuntos de acetato moldam uma oficina-laboratório.

O programa começa com atividades e uma visita a Cuicuilco. As crianças então experimentarão teatro de sombras e máscaras enquanto exploram o Espaço de Esculturas e o Jardim de Esculturas. A oficina será concluída com ensaios e a apresentação da produção final para os familiares.

As sessões serão realizadas de segunda a sexta-feira, das 10h às 14h, na Ágora do MUAC (CCU, Insurgentes Sur 3000). Para mais informações, envie um e-mail para [email protected] .