Das caixas do PAN aos zeros de uma nota: a exposição que propõe uma arqueologia visual do passado da Argentina

A exposição "De origen nacional" , apresentada pelo Banco Macro e com curadoria de Patricia Rizzo, é uma viagem visual com obras de Emiliano Miliyo e Aimé Pastorino que refletem sobre a identidade, a memória e os símbolos culturais do nosso país . No térreo do saguão da Torre Macro , a ficção se funde com a memória de objetos que marcaram gerações.

Em publicidade, uma marca é um nome, termo, sinal, símbolo ou design — ou mesmo uma combinação destes — que busca distinguir os produtos e serviços de um grupo de produtores de seus concorrentes. Com foco na dimensão simbólica dos objetos , o valor estético dos recipientes e embalagens produzidos internamente é recriado de forma a evidenciar o aspecto ficcional.

Sem abandonar a conexão emocional com certas marcas que habitam a memória coletiva , cada artista cria obras com registros pessoais e históricos. Ambos constroem cenas como referências congeladas e nostálgicas e imagens amplificadas que desafiam o espectador a partir de uma perspectiva coletiva e íntima.

A curadoria aproxima-se melhor desse viés ao afirmar: " A exposição articula-se em torno da noção de “nacional” como um campo expandido de signos, afetos e histórias . E acrescenta: traça uma linha entre objetos de consumo, grafismos populares, cédulas, marcas, estética industrial e ferramentas, para propor uma leitura contemporânea do local como um arquivo afetivo e político."

Existe uma conexão emocional que pode fortalecer o vínculo entre marca e consumidor. Emoções positivas como felicidade, confiança e admiração são fomentadas em parcerias complexas com algumas marcas que representam saúde, conexão e celebração.

O texto curatorial explica isso de forma bastante clara: "Por meio de diferentes materiais e linguagens – pinturas, esculturas, instalações –, abordam-se temas como consumo, memória, design gráfico, narrativas históricas e estética do cotidiano. As peças que compõem a exposição evocam usos e símbolos ligados ao dinheiro, modos de produção e formas de consumo , propondo uma arqueologia visual do nosso passado recente. O resultado é um inventário sensível e preciso de signos que atravessam diversas gerações e contextos sociais, reinterpretados pela arte contemporânea."

O complexo passado monetário e a troca de pesos e moedas transformam-se em esculturas suaves que parecem flutuar no ar ou se expandir, rompendo a escala e valorizando-as como obras emolduradas. Essas indicações aparecem nas obras de Emiliano Miliyo (1970), artista que vem desenvolvendo uma carreira em torno de marcas , certas conexões emocionais presentes na memória dos espectadores com qualidade, conexão, valor e satisfação.

Iconografias populares como notas de banco, listas de compras, caixas de pão, sacos de cimento e brinquedos , trabalhando a partir da intersecção de linguagens e escalas. Miliyo diz: "Trabalho com elementos que todos conhecemos. Não para idealizá-los, mas para entender por que eles perduram, o que nos dizem sobre nós mesmos e como os vemos hoje. Obras em que as fronteiras entre pintura, escultura, objeto e instalação se confundem."

Só quem viveu a era de Raúl Alfonsín, que iniciou seu governo em 1983 com o lema "com democracia comemos, curamos e educamos", mas cuja política econômica fracassou em 1988. Antes do início da hiperinflação em maio de 1989, as caixas do PAN (Plano Nacional de Alimentação), que mitigavam os desastres daquela economia, já estavam em circulação. Elas eram distribuídas a grupos em risco de doenças transmitidas por alimentos e continham um suprimento básico de alimentos secos. Suas obras foram vistas no MALBA, no Museo Moderno, no CCK, no Museo Fortabat e em locais internacionais como a Pinta NY , entre outros. Foi diretor do Programa LEA no Faena Arts Center.

Na galeria, duas obras combinam perfeitamente com um aceno à história da arte . As Caixas PAN imitam as caixas Brillo de Andy Warhol, embora as caixas do nosso artista aliviassem a fome e celebrassem o consumo de Andy. Atrás delas, no suporte plano, a marca Poxipol, em moldura de paisagem, apresenta recortes que imitam o espacialismo de Fontana. Para o artista, incorporar elementos de obras de outros artistas está longe de buscar uma citação ou homenagem. "O que eu levo é aquilo que pode ser percebido como um produto , uma marca registrada da história da arte que serve como gatilho para a reflexão sobre a sociedade contemporânea."

Algumas aquarelas e esculturas sobre papel de algodão com impressão a jato de tinta, como as peças “1.000.000”, “Peso Argentino”, “1000 pesos (Escultura)” ou “Loma Negra” que esticam as noções de valor, representação e circulação simbólica.

As obras de Aimé analisam contextos sociopolíticos específicos por meio da reprodução realista de objetos cotidianos em madeira entalhada, montada e pintada . Elas variam de máquinas reconhecíveis, como uma máquina de costura feita de madeira montada, adaptada para reproduzir o maquinário essencial ao seu funcionamento, a réplicas meticulosas de latas de tinta, latas de cola, brinquedos antigos ou caixas de fósforos.

Ela cria uma arqueologia nacional de diferentes épocas , trabalhando a partir da intersecção de linguagens e respeitando escalas, em obras como “Piano piano si va lontano” (2019), uma instalação com réplicas das máquinas e objetos da oficina de carpintaria do avô da artista, medidos na mesma escala dos originais, que variam. “WD-40 Box”, “MIT” ou “The Stoic Duration” compõem uma paisagem material que atua como tradutora entre a estética do cotidiano por meio de gestos de contemplação, precisão técnica e crítica lúdica.

“ Cada objeto reproduzido contém uma história . O importante não é apenas o que ele representa, mas como foi preservado, registrado e transformado”, diz Aimé Pastorino.

Feitas em madeira entalhada e policromada, suas obras foram exibidas em Malba, Muntref, no Museu Castagnino-Macro e no Kunstverein Leipzig. Elas dialogam com formas de design industrial e memória doméstica, revelando e relembrando a construção de experiências e a memória coletiva.

O artista declarou em um relatório recente: "As seguintes oficinas coexistiam em minha casa: a oficina de ourivesaria do meu pai, a oficina de carpintaria do meu avô, que era complementada pela oficina de pintura da minha avó, onde ela fazia os brinquedos de ninho mais coloridos, e o ateliê artístico da minha mãe. Antes de estudar Belas Artes, eu já dominava carpintaria, soldagem, pintura, desenho e outras técnicas. Nesse contexto, não é de se surpreender que meu trabalho se interesse consistentemente pelo artesanato, nem pela escolha do objeto como meio de representação."

Quando as empresas apresentam sua marca de forma positiva por meio de publicidade, promoções e experiências positivas, os consumidores confiam nela e se sentem satisfeitos ao comprar. Segundo os consumidores, as características mais típicas de um relacionamento com uma marca são qualidade, conexão, valor e satisfação.

Ele acrescenta: " As tensões sociais e políticas de uma época podem ser lidas nos objetos, assim como em seus valores e desejos. É por isso que, em minhas instalações, o lugar dos sujeitos aparece como uma contraforma, como um vazio que pode ser preenchido pelo espectador e sua sensibilidade. Espero que nos vestígios do passado encontremos a pista que nos ajude a repensar o presente."

Registros pessoais e históricos, ambos os artistas constroem cenas congeladas, referências nostálgicas e imagens amplificadas que desafiam o espectador a partir do coletivo e do íntimo.

De origem nacional , de Emiliano Miliyo e Aimé Pastorino na Torre Macro (Av. Eduardo Madero 1172) de segunda a sexta das 10h às 18h com entrada gratuita.