Jorge Polaco, der verfluchte Filmemacher und der einzige, der in der Demokratie zensiert wird

„Du bist ein Schwein, ein schlechter Mensch. Lass uns mit der Show beginnen.“ Dieser Satz platzt wie ein Schlag ins Gesicht zu Beginn von María Onis ‘ Dokumentarfilm „Jorge Polaco“ heraus, in dem es um diesen verfluchten, queeren, barocken und emotionalen Filmemacher geht, der noch heute für geteilte Meinung sorgt. Schon diese erste Zeile – die ohne weiteres aus einem seiner Filme stammen könnte – macht deutlich, dass es sich hier nicht um eine konventionelle Biografie oder eine nostalgische Hommage handelt. Es ist vielmehr ein wütendes und liebevolles Artefakt, ein poetisches Patchwork aus Archiven, Zeugenaussagen, Delirium und Haut.

In dem 101-minütigen Film entscheidet sich Onis für eine frenetische, fast epileptische Montage, die an ein psychedelisches Musikvideo erinnert. Die Erzählung vermischt ikonische Szenen aus seinen Filmen mit persönlichen Bildern, Fotografien aus seiner Jugend, Interviews und Reflexionen über seine Arbeit. Die Ästhetik der Dokumentation – die von samtiger Typografie bis hin zu kitschiger Word Art reicht – entspricht dem Charakter ihres Themas. Es herrscht keine Feierlichkeit, aber es besteht ein Risiko. Und wie Federico Klemm , der in „Die Rückkehr der Dame “ (1996) für Polaco spielte, sagt: „Ohne Risiko gibt es keine Arbeit.“

Der Dokumentarfilm taucht tief in die Persönlichkeit von Polaco ein, einem Künstler, der auch als Figur dargestellt wird. Als Literaturstudent, eifriger Leser von Siddhartha und Auf der Suche nach der verlorenen Zeit , Schaufensterdekorateur, Indienreisender und – seinem Freund und Filmpartner Pablo César zufolge – anarchischer Schauspieler wird Polaco als ein nicht klassifizierbares Wesen dargestellt . Auf einigen Fotos ist er mit einem rollentypischen Körperbau zu sehen, der dem von Charles Manson ähnelt: langes Haar, bärtig, dünn, schlaksig; fast ein Guru mit der Aura eines romantischen Künstlers. Sein Leben, sein Werk und seine Legende sind in einem einzigen Erzählfluss miteinander verwoben, der keine Grenzen kennt.

Im Mittelpunkt der Szene steht „Kindergarten“ (1989), sein verfluchter Film, der vor seiner Veröffentlichung zensiert wurde – ein einzigartiger Fall in der Geschichte der jüngeren Demokratie – und dem Obszönität und das Vorwerfen vorgeworfen wurde, er sei „zu weit gegangen“. Der Dokumentarfilm untersucht den Skandal selbst, aber auch, was danach kam: die stille Bestrafung einer Branche, die ihn nie vorbehaltlos willkommen hieß, die Parkinson-Krankheit, die sich nach dieser Episode bei ihm zu manifestieren begann, und den verheerenden Satz von Graciela Borges , der Protagonistin des Films: „Er hat sich nie erholt. Er hat Filme aus Angst gemacht.“

Doch was Onis leistet, ist weit mehr als eine verspätete Verteidigung eines zu Unrecht an den Rand gedrängten Autors. Dieser Dokumentarfilm wird selbst zu einem ästhetischen Essay über Polacos Kino. Esther Díaz, Sandra Torlucci, Ricardo Manetti, Fernando Noy, Klemm und viele andere treten auf, um nicht nur über ihn zu sprechen, sondern um mit ihm zu denken: Alter, abnormes Verlangen, der Körper, der nicht schön ist, Kitsch als Denkweise, schlechter Geschmack als ästhetische Entscheidung. „Alles, was wir nicht sagen wollen oder nicht zu sagen wagen“, fasst Díaz zusammen. Mit anderen Worten, sein Kino ist eine Parade von Freaks; die Blume, die im Sumpf wächst.

Es gibt verstörende Szenen: Eine Figur benutzt Zahnseide, bis die Zähne bluten; Miguel Del Sel schlägt in „It’s Always Hard to Come Home“ (1992) eine Nonne; ältere Menschen in intimen Situationen. Polish zeigte, was niemand sehen wollte. Es deckte häusliche Gewalt, Ausgrenzung und Groteskes auf. Er nahm die Debatte um politische Korrektheit mit einem Werk vorweg, das immer politisch war, wenn auch ohne Slogans oder Banner. Wie Manetti betont, handelte es sich dabei um einen radikalen Aufbruch: „Der Wunsch erwachsener Frauen, der nicht-hegemonialen Körper des Kinos … das war undenkbar.“

Zu den Ausschnitten der Dokumentation gehört auch die Geschichte der argentinischen Gegenkultur, mit Noy als Komet, der Epochen und Ränder durchquert, und der strahlenden Figur von Margotita Moreyra, Underground-Diva, Mutanten-Starlet und Polacos absoluter Muse. Ein Äquivalent zu dem, was Divine für den amerikanischen Regisseur John Waters darstellte. „Ich habe noch nie eine jüngere und futuristischere Person gesehen“, sagt Noy, und Margotita wird so zum Sinnbild und zur Synthese einer Art, Kunst zu verstehen: exzessiv, performativ, nonkonformistisch.

Polacos Filme – „The Lady Returns“, „Diapason“, „It’s Always Hard to Go Home“, „In the Name of the Son“ – werden mit Hingabe und präziser Bearbeitung besprochen. Mit digitalisierten und remasterten Szenen in hoher Qualität. Onis interpretiert sie als Episoden eines einzigen, größeren, autobiografischen, grotesken und verzweifelten Werks neu. „Es ist viel näher am Leben“, hört man Polaco in einem Fragment sagen. Was den gesamten Dokumentarfilm durchdringt, ist eine vitale Intensität, die weder Zensur, Krankheit noch Verachtung auslöschen konnten.

Gegen Ende überwiegt ein elegischer Ton. Die Stimme von Graciela Borges kehrt zurück: „Und dann erschienen die Faschisten.“ Mariano Grondona ist in „Hora Clave“ zu sehen, wo der Richter, der „Kindergarten“ zensiert hat, seine Meinung äußert. Die Heuchelei einer Gesellschaft, die das Seltsame, Groteske und Unbequeme noch immer nicht vollständig verdaut hat, ist offensichtlich. In Zeiten zunehmender rechtsextremistischer Rhetorik erhalten Polacos Filme und insbesondere dieser Dokumentarfilm eine neue Bedeutung. Seine disruptive Natur gewinnt noch mehr an Kraft. Hinzu kommt die Liebe, die man von Seiten des Regisseurs spürt, der einst ein Schüler von Polaco war.

Abschließend stellt Polaco fest: „Wie viel Vorstellungskraft ist erforderlich, um in diesem Leben weiterzumachen.“ Sein Satz fungiert als Epitaph und Manifest. Es verkörpert die Beharrlichkeit eines Regisseurs, der über Gut und Böse hinausging und sich mit nicht-hegemonialen Körpern, Unbehagen und der Zirkularität zwischen Kindheit und Alter beschäftigte. Das Dokumentarische wird auch zu einem künstlerischen Fakt. Ein lebendiger Körper, eine zarte und zugleich punkige Anrufung, die uns einlädt, die Welt mit anderen Augen zu betrachten. Die polnischen. Die von María Onis. Unseres, wenn wir uns trauen.

* Jorge Polaco wird am 24. und 31. Mai um 19 Uhr im CineArte Cacodelphia, Av. gezeigt. Präsident Roque Sáenz Peña 1150.