Die 42 besten Filme auf Netflix, WIREDs Auswahl (November 2025)

Netflix bietet eine riesige Auswahl an Filmen. Vielleicht sogar zu viele. Manchmal scheint es unmöglich, den richtigen Film zum richtigen Zeitpunkt zu finden. Wir helfen Ihnen gern. Hier ist eine Liste unserer aktuellen Lieblingsfilme auf dem Streaming-Dienst – von Dramen über Komödien bis hin zu Thrillern.

Falls Sie Lust auf Fernsehen haben, schauen Sie sich unsere Sammlung der besten Serien auf Netflix an. Sie wollen noch mehr? Dann werfen Sie einen Blick auf unsere Listen der besten Science-Fiction-Filme , der besten Filme auf Amazon Prime und der besten Filme auf Disney+ .

Wenn Sie über Links in unseren Artikeln etwas kaufen, erhalten wir möglicherweise eine Provision. Dies hilft uns, unsere journalistische Arbeit zu finanzieren. Mehr erfahren .

Guillermo del Toros lang erwartete Interpretation von Mary Shelleys bahnbrechendem Science-Fiction-Werk ist endlich da – und das Warten hat sich gelohnt. Die Geschichte ist bekannt: Der größenwahnsinnige, besessene Victor Frankenstein (Oscar Isaac) will den Tod selbst besiegen, doch mit der Erschaffung seiner chimärenhaften Kreatur (Jacob Elordi) sät er den Samen seines eigenen Untergangs. Del Toros Vision, die mit prachtvollem Bühnenbild und Kostümen besticht und von einer phänomenalen, erweiterten Besetzung getragen wird (insbesondere Charles Dance als Victors grausamer Vater und Mia Goth in einer Doppelrolle, die Victors Motivationen eine verstörende Perspektive verleiht), erweckt die Geschichte wie nie zuvor zum Leben. Sie zählt schon jetzt zu del Toros besten Werken.

Viele Ehepaare streiten sich, aber Mrs. Twit (Margo Martindale) und Mr. Twit (der britische Komiker Johnny Vegas) hassen einander. Sie scheinen nur zusammenzubleiben, um ihren verrückten Themenpark Twitlandia zum Leben zu erwecken. Doch als ihre Bemühungen katastrophal schiefgehen, liegt es an den Waisenkindern Beesha (Maitreyi Ramakrishnan) und Bubsy (Ryan Lopez) und den mystischen Muggle-Wumps, das böse Paar zu besiegen. Regisseur Phil Johnstons ( Ralph Breaks the Internet ) Interpretation von Roald Dahls düsterer Kindergeschichte ist meilenweit vom Original entfernt (und lässt klugerweise einige der problematischen Elemente der Vorlage weg), aber trotz des reichlich vorhandenen derben Humors wird der Film inmitten der Ekel-Gags überraschenderweise – wenn auch subtil – politisch. Ein Film für jüngere Zuschauer, der aber auch ältere mit genügend Witz unterhält.

Als eine Gruppe schwarzer College-Freunde sich zum Juneteenth-Feiertag trifft, ist die Stimmung seltsam. Schon allein die Tatsache, dass sie sich in einer Hütte im Wald treffen, erinnert stark an Horrorfilme. Diese Genre-Kenntnisse zahlen sich aus, als sie im Keller ein verdächtiges Brettspiel entdecken und plötzlich nach den verdrehten Regeln eines Serienkillers spielen müssen – angefangen damit, das „schwärzeste“ Mitglied der Gruppe zu bestimmen, das geopfert werden soll. Mit Comedy-Größen wie X Mayo, Jermaine Fowler und Jay Pharoah ist „The Blackening“ eine selbstironische und clever-satirische Abwandlung der Horrorfilm-Klischees, die genial mit ihrem augenzwinkernden Slogan spielt: „Wir können nicht alle zuerst sterben.“ Genau die richtige Dosis Grusel, um nicht in eine reine Parodie abzurutschen – perfekt für Halloween.

In einem Amerika, das sich zu einem totalitären Polizeistaat entwickelt hat, sichert sich die korrupte Regierung ihre Macht durch Propaganda und Kommunikationskontrolle. Diejenigen, die sie für Kriminelle hält, müssen in einer tödlichen Spielshow um ihre Freiheit kämpfen, die die wahre Gerechtigkeit ersetzt hat. Das ist die dystopische „Zukunft“ des Jahres 2017, in der Ben Richards (Arnold Schwarzenegger) das jüngste Opfer des Systems ist. Er wird zur Teilnahme gezwungen, nachdem ihm eine Mordserie angehängt wurde. Der 1987 erschienene Film „Running Man“ zeigt Arnie in Höchstform: Er liefert witzige Sprüche ab und erledigt skurrile Schurken mit Bravour. Obwohl viel von der Satire und den kulturellen Warnungen des Originalromans von Stephen King verloren geht, bleibt dieser Actionklassiker unterhaltsam und ist vor dem kommenden Remake von Edgar Wright, das sich wohl enger an die Vorlage halten wird, durchaus sehenswert.

Angesiedelt im selben Universum wie „Kill Bok-soon“ , rückt dieser koreanische Actionfilm den Auftragskiller Lee Han-ul (Yim Si-wan), besser bekannt als Mantis, in den Mittelpunkt. Nach einem Urlaub – selbst Attentäter brauchen mal eine Auszeit – findet er die Welt, in der er operiert, im Chaos vor. Die geheimnisvolle Organisation MK ENT ist zerfallen, und niemand wacht mehr über die Ehrenregeln, die einst den Beruf bestimmten. Doch viel wichtiger: Es ist ein Machtvakuum entstanden, das gefüllt werden muss. Während Mantis versucht, die Kontrolle zu übernehmen und die Ordnung wiederherzustellen, droht seine komplizierte Beziehung zu seinem Verbündeten/Rivalen (oder vielleicht sogar seiner Liebe?) Shin Jae-yi (Park Gyu-young) alles noch viel schlimmer zu machen. Obwohl „Mantis“ einen leichteren Ton als „Kill Bok-soon“ anschlägt und mehr auf Komödie als auf Action setzt, bietet er phänomenale Kampfchoreografien und eine prickelnde Chemie zwischen den Hauptdarstellern – ein gelungenes Spin-off.

Hört mal zu, ihr Spinner – Devo waren mehr als nur ein paar Spinner mit Energy-Dome -Caps. Die Band, die unfreiwillig Kultstatus erlangte, war Pionier der New Wave, erfand quasi das Musikvideo und versetzte die feine Gesellschaft damit in Aufruhr. Unter der Regie des Meisterdokumentarfilmers Chris Smith zeichnet dieser aufschlussreiche Film den Aufstieg der Band nach, von ihrer Gründung nach den Schüssen an der Kent State University 1970 bis hin zu ihrer Entwicklung zu einer der politischsten Rockgruppen der Geschichte – auch wenn ihre Kritik am Verfall der Massenkultur oft an ihren Zuhörern vorbeiging.

In der malerischen Seniorenwohnanlage Coopers Chase trifft sich der „Donnerstagsmord-Club“ – bestehend aus dem ehemaligen Gewerkschaftsführer Ron (Pierce Brosnan), dem Psychiater Ibrahim (Ben Kingsley), der Krankenschwester Joyce (Celia Imrie) und der inoffiziellen Anführerin Elizabeth (Helen Mirren), einer pensionierten MI6-Agentin – wöchentlich, um ihre Theorien zu ungelösten Mordfällen auszutauschen. Alles ist makaber-lustig, bis einer der Bewohner von Coopers Chase vor seiner Haustür ermordet wird – kurz nachdem er sich gegen Pläne zur Sanierung der Anlage im Rahmen eines Luxusimmobilienprojekts gewehrt hat. Doch als der Club seine nicht ganz so amateurhaften Ermittlungsfähigkeiten unter Beweis stellt, geraten alle unter Verdacht. Basierend auf der Romanreihe von Richard Osman und mit einer hochkarätigen Besetzung britischer und irischer Schauspieler ist dies ein spannender Krimi, der einfach fesselnd sein wird.

Einen Monat nach den Ereignissen von „Das Phantom im Regen“ kehrt der geheimnisvolle Medizinverkäufer im zweiten Teil einer geplanten Trilogie in die inneren Gemächer des Kaiserpalastes im Japan der Edo-Zeit zurück. Während sich die Lage für die rangniedrigeren Konkubinen des Kaisers verbessert hat, treiben heikle politische Intrigen die Oberschicht in eine gefährlichere Lage als je zuvor – insbesondere die rivalisierenden Favoritinnen Fuki und Botan. Und das alles, bevor ein neuer übernatürlicher Schrecken sein Unwesen treibt. „Mononoke“ ist ein weiteres Meisterwerk der Spannung und des unheimlichen Horrors und besticht durch seine atemberaubende Bildsprache, die an Aquarelle auf Pergament erinnert. Damit zählt der Film zu den prachtvollsten und visuell beeindruckendsten Animationsfilmen, die man je gesehen hat.

Ziam hat viel zu bieten, aber die Kurzfassung besteht aus nur vier Worten: Muay Thai gegen Zombies. Die wörtliche Übersetzung des thailändischen Titels liefert uns vier weitere: „Beißender Mund, tretende Füße“. Wenn dich das nicht neugierig auf diesen Action-Horror-Film macht, solltest du dir Hilfe suchen. In einer dystopischen Zukunft, in der die Klimakrise die Polkappen zum Schmelzen gebracht hat, versucht der ehemalige Profikämpfer Singh (Prin Suparat) verzweifelt, seine Freundin Rin (Nuttanicha Dungwattanawanich), eine Ärztin in seiner Heimatstadt Chiang Dao, wiederzusehen. Doch dann bricht eine Zombie-Apokalypse aus, verursacht von der zwielichtigen VS Corporation, und schon bald kämpft sich Singh mit Fäusten, Tritten und Ellbogenstößen durch Horden gieriger Untoter, um Rin und einen jungen Patienten aus ihrem Krankenhaus zu evakuieren – bevor es zur Eindämmung der Infektion gesprengt wird! Man stelle sich Ong Bak, Dawn of the Dead und The Raid vor, füge einige der schrecklichsten Zombie-Designs seit Jahren hinzu, und Ziam verspricht ein trashiges, aber aufregendes Erlebnis.

Die dreistimmige Girlgroup Huntr/x ist auf dem Höhepunkt ihres Erfolgs. Sie sind nicht nur die beliebteste Girlgroup der Welt, sondern verteidigen die Erde in ihrer geheimen Rolle gegen dämonische Mächte und stehen kurz davor, ein uraltes Übel endgültig zu verbannen. Doch leider verbirgt Leadsängerin Rumi (Arden Cho) etwas vor ihren Bandkolleginnen Mira (May Hong) und Zoey (Ji-young Yoo), und ihr dunkles Geheimnis droht die Gruppe zu entzweien, gerade als sie ihren größten Feinden gegenüberstehen – einer bösen Boyband unter der Führung des teuflisch gutaussehenden Jinu (Ahn Hyo-seop). Mit dem pastellfarbenen Pop von Jem and the Holograms , der Monsterjagd-Action von Buffy und so vielen K-Pop-Ohrwürmern, dass selbst Blackpink blinzeln würde, ist Kpop Demon Hunters der perfekte Sommerfilm für Kinder und Familien – ein brillant animiertes Abenteuer, das so frisch und unvergesslich ist wie seine mitreißenden Musiknummern.

1966 arbeiten die Physiker Nora (Lucero) und Héctor (Benny Ibarra) gleichberechtigt an der Universität von Mexiko, obwohl ihre Kollegen Nora kaum mehr als Héctors Laborassistentin sehen. Dann entdecken sie das Geheimnis der Zeitreise und katapultieren sich ins Jahr 2025 – wo sie stranden. Während beide staunend die Fortschritte der Menschheit in einem halben Jahrhundert betrachten, freut sich Nora über das Wiedersehen mit ihrer ehemaligen Schülerin Julia (Ofelia Medina), die nun Dekanin der Universität ist. Doch als Héctor verzweifelt versucht, zu dem Komfort und Prestige seiner Vergangenheit zurückzukehren, beginnt die Beziehung der beiden zu zerbrechen. Eher eine romantische Komödie als Science-Fiction, ist dies eine Zeitreise mit einer bittersüßen Note.

Dr. Nan-young Joo möchte unbedingt in die Fußstapfen ihrer verstorbenen Astronautenmutter treten und bis zum Mars reisen. Jay ist ein verträumter Teilzeitangestellter, der insgeheim davon träumt, Musiker zu werden. In diesem koreanischen Animationsfilm von Regisseurin Han Ji-won werden sie zu einem Paar Liebender, deren Schicksal im wahrsten Sinne des Wortes vom Schicksal bestimmt ist und das die Liebe zur Musik verbindet. Während die Science-Fiction-Elemente für spektakuläre Bilder sorgen – von der futuristischen, aber dennoch glaubwürdigen Ansicht von Seoul im Jahr 2051 bis hin zu wahrhaft kosmischen, fast psychedelischen Sequenzen, in denen Nan-young ins All vordringt –, liegt das Herzstück der Geschichte in den stillen, bedeutungsvollen Momenten zwischen den beiden Hauptfiguren. Absolut hinreißend.

Für ihre Freunde ist Gil Bok-soon (Jeon Do-yeon) eine erfolgreiche Eventmanagerin und alleinerziehende Mutter ihrer Tochter Jae-yeong (Kim Si-a). In Wahrheit ist sie der Star bei MK Ent – einer Auftragskiller-Agentur. Ihre fast übermenschliche Fähigkeit, in kritischen Situationen jeden Schritt vorherzusehen, hat ihr eine hundertprozentige Erfolgsquote und einen legendären Ruf eingebracht. Das einzige Problem: Sie erwägt, nach Vertragsende in den Ruhestand zu gehen. Diese Entscheidung setzt sie Bedrohungen von verärgerten Feinden und ehrgeizigen Kollegen gleichermaßen aus. Obwohl Titel und Prämisse unübersehbar an Quentin Tarantinos „Kill Bill“ erinnern, hebt Regisseur Byun Sung-hyun dieses koreanische Action-Epos mit einigen der beeindruckendsten Kampfszenen seit „ Kill Bill“ auf ein ganz neues Niveau.

Kazuya Takaichi (Tsuyoshi Kusanagi) ist Zugführer des Hayabusa 60 Shinkansen , der von Shin-Aomori nach Tokio rast. Ein ganz normaler Job – bis ein Terrorist eine Bombe an Bord entdeckt, die explodiert, sobald der Zug unter 100 km/h abbremst. Während die Behörden fieberhaft versuchen, den Angreifer zu stoppen und die Passagiere zu retten, muss Kazuya für die Sicherheit aller sorgen. Was? Ist das etwa „Speed“ in einem japanischen Zug? Nein, „Speed“ war der Originalfilm „The Bullet Train“ von 1975, der in einem amerikanischen Bus spielte – und diese moderne Version ist gleichermaßen Remake und Fortsetzung des Klassikers mit Sonny Chiba in der Hauptrolle. Es ist mehr als nur ein unterhaltsamer Action-Thriller – Regisseur Shinji Higuchi genießt es, sich über die karriereorientierten Politiker lustig zu machen, die in der Krisenbewältigung durch bürokratische Hürden gelähmt sind (keine Überraschung für alle, die „Shin Godzilla“ von 2016 gesehen haben, bei dem er zusammen mit Hideaki Anno Regie führte). Rasante, buchstäblich explosive Action mit satirischem Unterton – „Bullet Train Explosion“ ist ein Riesenspaß (Entschuldigung für den Wortwitz).

Diese wunderschön animierte Interpretation des Konzepts imaginärer Freunde ist eine fantasievolle Fabel voller atemberaubender Bilder und tiefgründiger Ideen. Basierend auf dem Buch von A. F. Harrold erzählt „The Imaginary“ die Geschichte der jungen Amanda und ihres besten Freundes Rudger – der von Amandas eigener Fantasie erschaffen wurde – auf ihren unzähligen gemeinsamen Abenteuern. Doch mit Amandas Älterwerden teilt Rudger das Schicksal aller Imaginären: Er verblasst, wenn ihre Menschen ihn vergessen. Der neueste Film von Regisseur Yoshiyuki Momose ( „Mary und die Blume der Hexen “) und Studio Ponoc – dem geistigen Nachfolger des legendären Studio Ghibli – ist eine beeindruckende Hommage an die Kraft der Fantasie und der Freundschaft.

Wenn das Überleben im Jenseits auf Angst und Schrecken basiert, wird der Tod zur regelrechten kapitalistischen Hölle. In „Dead Talents Society“ kämpfen die rivalisierenden „Geisterinnen“ Catherine (Sandrine Pinna) und ihre ehemalige Schülerin Jessica (Eleven Yao) um Glamour und Prestige im Jenseits, indem sie immer neue Wege finden, Sterbliche zu erschrecken. Gleichzeitig versucht die Newcomerin Rookie (Gingle Wang) vergeblich, sich mit ihren Gruselgeschichten einen Namen zu machen – und riskiert, völlig in Vergessenheit zu geraten, sollte sie ihren untoten Lebensunterhalt nicht verdienen können. Diese bissig-satirische Horrorkomödie, die von Reality-TV bis zur Hustle-Kultur alles aufs Korn nimmt, übertrifft in den Augen von „Beetlejuice“ sogar dessen eigene Genregrenzen.

Ein Wochenendausflug von Amanda und Clay mit ihren Kindern Archie und Rose in ein luxuriöses Ferienhaus nimmt nach einem unerklärlichen Stromausfall eine unheilvolle Wendung. Als der Hausbesitzer George und seine Tochter Ruth unerwartet früh zurückkehren, wächst der Verdacht – doch eine immer größer werdende Hirschherde, die sich vor dem Haus herumtreibt, liegengebliebene Fahrzeuge und vereinzelte Berichte über Angriffe in den USA zwingen die beiden Familien, sich in einer möglicherweise drohenden Weltuntergangssituation aufeinander zu verlassen. Die Verfilmung des gleichnamigen Romans von Rumaan Alam mit einer Starbesetzung, darunter Julia Roberts, Mahershala Ali, Ethan Hawke, Myha'la und Kevin Bacon, lässt das Publikum genauso im Ungewissen wie die Charaktere, erklärt wenig und wirft Fragen auf, die einen noch tagelang beschäftigen werden.

Dieser herrlich unterhaltsame Monsterfilm verzichtet auf die Zerstörung Tokios oder New Yorks und entführt Regisseur Roar Uthaug ( Tomb Raider , 2018) stattdessen in seine Heimat Norwegen. Ein gigantischer Troll marschiert, nachdem er durch Bohrarbeiten aufgeschreckt wurde, auf Oslo zu. Obwohl Handlung und Charaktere Kaiju-Fans vertraut sein dürften, sorgen die markanten nordischen Bilder und die Fähigkeit des titelgebenden Ungeheuers, mit der Landschaft zu verschmelzen, für einige beeindruckend originelle Wendungen. Obwohl „Troll“ leicht in eine Parodie hätte abgleiten können, vermeidet Uthaug jegliche selbstgefällige Übertreibung und liefert stattdessen ab. Mit einer Fortsetzung, die 2025 erscheint, ist jetzt der perfekte Zeitpunkt, einen der erfrischendsten Genre-Filme der letzten Jahre wiederzuentdecken.

Es ist selten, auf Netflix Klassiker zu finden – der Algorithmus wird schließlich ständig mit neuen Filmen gefüttert –, daher ist die Verfügbarkeit von Alfonso Cuaróns brillantem Coming-of-Age-Film aus dem Jahr 2001 eine echte Freude. „Y Tu Mamá También“ („Und deine Mutter auch“) spielt 1999 in Mexiko und erzählt die Geschichte des reichen Jungen Tenoch (Diego Luna) und seines Freundes Julio (Gael García Bernal) aus der Arbeiterklasse, die mit Luisa (Maribel Verdú), der Frau von Tenochs Cousin, einen Roadtrip unternehmen. Auf dieser Reise buhlen die jungen Männer – eigentlich noch Jungen – um die Aufmerksamkeit der schönen, älteren Frau, verstricken sich in Lügen und versuchen, sich mit unverdientem Selbstvertrauen durchzuschlagen, während sie vorgeben, zu einem erfundenen Bilderbuchstrand zu fahren. Warum die viel reifere und erfahrenere Luisa überhaupt mitkommt? Taschentücher bereithalten! Obwohl der Film aufgrund seiner unverblümten Darstellung von Sex und Drogen Kontroversen auslöste (er ist nichts für einen Familienfilmabend), bleibt er ein Meisterwerk; eine ausgelassene und nur allzu realistische Auseinandersetzung mit jungen Freundschaften und fragiler Männlichkeit.

Bong Joon-hos packender Thriller „Parasite“ aus dem Jahr 2019 ist der erste nicht-englischsprachige Film, der den Oscar für den besten Film gewann – und das völlig zu Recht. Seine düstere Auseinandersetzung mit wirtschaftlicher Ungleichheit und die Anklage kapitalistischer Exzesse konzentrieren sich zwar auf das südkoreanische Setting, finden aber weltweit Anklang. „Parasite“ erzählt die Geschichte der Familie Kim, die sich in das Leben der wohlhabenden Familie Park einschleicht und sich als Hausangestellte ausgibt, um ein Leben in scheinbarem Luxus zu führen, bevor ihr Betrug völlig außer Kontrolle gerät. Gleichzeitig ist der Film von einer gewissen schwarzen Komik durchzogen und verspottet die Blindheit der Reichen gegenüber ihren eigenen Privilegien und der Verzweiflung der Armen. Der Film ist durchweg exzellent gefilmt und meisterhaft inszeniert. Bong steigert die Spannung mit jeder Szene gekonnt, bis alles auf ein scheinbar unausweichliches Ende zusteuert – und schafft es dann dennoch, die Erwartungen des Publikums zu unterlaufen. Ein spektakuläres Filmerlebnis, das den Hype absolut verdient hat. Diese Auseinandersetzung mit Klasse und Ungleichheit wirkt aktueller denn je.

Ist ein Film, der an Weihnachten spielt, automatisch ein Weihnachtsfilm? Diese Frage wird seit Jahrzehnten im Zusammenhang mit „Stirb langsam“ diskutiert. Nun stellt „Carry-On“ dieselbe Frage. In diesem rasanten Thriller von „House of Wax“ und „Black Adam“ -Regisseur Jaume Collet-Serra gerät TSA-Agent Ethan Kopek (Taron Egerton) in einen Albtraum an Heiligabend, als er von einem Söldner namens „Der Reisende“ (Jason Bateman) erpresst wird, ein tödliches Paket durch die Sicherheitskontrolle zu lassen. Ein tödliches Katz-und-Maus-Spiel beginnt, während Ethan versucht, den Reisenden aufzuhalten – und dabei das Leben seiner Freundin Nora (Sofia Carson) auf dem Spiel steht. Der Film ist stellenweise etwas reißerisch und kitschig, aber diese Actionkomödie im Stil der alten Schule unterhält ungemein.

Die In-vitro-Fertilisation mag heutzutage ein relativ alltäglicher medizinischer Eingriff sein, der unzähligen Paaren mit unerfülltem Kinderwunsch Hoffnung und den Wunsch nach einer Familie geschenkt hat. Doch als das Verfahren in den 1960er- und 70er-Jahren von drei britischen Wissenschaftlern und Medizinern entwickelt wurde, war es äußerst umstritten. Genau das bietet den Stoff für diese Dramatisierung, die die Arbeit der Krankenschwester und Embryologin Jean Purdy (Thomasin McKenzie), des Wissenschaftlers Robert Edwards (James Norton) und des Chirurgen Patrick Steptoe (Bill Nighy) nachzeichnet, während sie von der Öffentlichkeit, der britischen Regierung und – vielleicht sogar besonders – der Kirche verteufelt werden. McKenzie brilliert in der Rolle der Purdy, die zwischen ihrem Glauben und ihrer Beteiligung an dieser lebensverändernden Arbeit hin- und hergerissen ist. Diese Arbeit umfasste auch die Bereitstellung sicherer Schwangerschaftsabbrüche für Frauen, die diese benötigten. Gleichzeitig kämpft sie mit der Ausgrenzung durch ihre Familie und die Gemeinde, die ihr infolgedessen widerfährt. Ein kraftvolles und aufrüttelndes Drama, das auch heute noch berührt.

Ein Serienmörder tritt als Junggeselle in einer Dating-Show auf und kann so sein nächstes potenzielles Opfer direkt vor den Augen der Zuschauer zu Hause auskundschaften. Das wäre ein verstörendes Szenario für einen Slasher-Film – doch das Schreckliche an „Woman of the Hour“ ist, dass der Film auf dem realen Fall von Rodney Alcala basiert, der 1978, mitten in einer Mordserie, an der Show „The Dating Game“ teilnahm. Im Mittelpunkt dieser Dramatisierung steht jedoch nicht der Mörder. In ihrem Regiedebüt konzentriert sich Anna Kendrick stattdessen auf Sheryl (gespielt von Kendrick selbst, basierend auf der realen Cheryl Bradshaw), die unglücklicherweise mit Alcala (Daniel Zovatto) verkuppelt wurde, und auf die Frauen, die den Mörder meldeten oder verdächtigten, aber von den Behörden systematisch ignoriert wurden. Ein packender Thriller, der deutlich macht, wie leicht Alcala so lange unentdeckt blieb.

Will Ferrell bedarf wohl keiner Vorstellung, doch Harper Steele, ehemalige Chefautorin von „Saturday Night Live“ , ist eher an das Leben hinter der Kamera gewöhnt. Die beiden stießen 1995 in derselben Woche zur Erfolgsshow hinzu und schlossen eine jahrzehntelange Freundschaft. Als Harper Ferrell schrieb, dass sie sich einer Geschlechtsangleichung unterziehen würde, war das für beide eine große Veränderung. Diese Erfahrung bildete auch die Grundlage für diese wunderschöne, herzerwärmende und oft urkomische Roadtrip-Dokumentation, die das Duo auf seiner Reise durch die USA in einem alten Jeep Grand Wagoneer begleitet. Dabei finden sie wieder zueinander und entdecken, wie ihre Freundschaft sich verändert hat. Manchmal ist die Dokumentation etwas irritierend – manche von Ferrells Fragen bewegen sich zwischen anzüglich und einfach nur unhöflich –, aber sie ist eine authentische und ehrliche Reise für die beiden. Abgesehen von den persönlichen Momenten bietet „Will & Harper“ einen aktuellen Einblick in das Leben einer Transperson in Amerika und ist damit womöglich eine der wichtigsten Dokumentationen, die Netflix je produziert hat.

Als ihr Vater im Sterben liegt, sind die Schwestern Rachel (Natasha Lyonne), Katie (Carrie Coon) und Christina (Elizabeth Olsen) gezwungen, ihre Beziehung wieder zu festigen, während sie auf das Unvermeidliche warten. Eine düstere Geschichte, die aber auch Raum für meisterhafte Darbietungen des Hauptdarstellertrios bietet: Rachel hat monatelang die Hauptpflege übernommen, Katie stellt trotz ihrer Verdrängung der Situation gebieterische Forderungen, und die esoterisch angehauchte Christina versucht, den Frieden zu wahren – obwohl sie selbst am Rande des Zusammenbruchs steht. Es ist fast wie ein abgeschlossenes Zimmerdrama: Die Wohnung hält die Frauen gefangen und zwingt sie, sich nicht nur mit dem Tod ihres Vaters, sondern auch mit ihren Beziehungen zueinander auseinanderzusetzen, während Vincent (Jay O. Sanders) sie schon vor seinem Tod heimsucht. Der Tod mag über Azazel Jacobs' Drama schweben, doch „His Three Daughters“ erweist sich letztendlich als erstaunlich lebensbejahend.

Als Seita und seine junge Schwester Setsuko in den letzten Tagen des Zweiten Weltkriegs durch die Bombardierung von Kobe zu Waisen werden, geraten die Geschwister in schreckliche Umstände, um zu überleben. Gefangen zwischen misshandelnder Großfamilie und der puren Verzweiflung, in den Ruinen ihrer zerstörten Heimatstadt nach Essbarem zu suchen, ist es ein trostloses Dasein – und zugleich die Grundlage für eines der besten Werke von Studio Ghibli. Unter der Regie von Isao Takahata und basierend auf einer Kurzgeschichte von Akiyuki Nosaka, ist „Die letzten Glühwürmchen“ eine schonungslose, erschütternde Auseinandersetzung mit der Frage, wie Krieg und Nationalismus die Schwächsten zerfleischen, durchzogen von Momenten unerschütterlicher Liebe, als Seita versucht, Setsukos Unschuld zu bewahren. Dieses ergreifende Kriegsdrama ist ernüchternd, aber unbedingt sehenswert – ein Film, der seinen Platz in der Spitze der besten Studio-Ghibli-Filme mehr als verdient hat.

Als korrupte Polizisten den Ex-Marine Terry Richmond (Aaron Pierre) wegen seiner Hautfarbe beim Radfahren von der Straße abdrängen, beschlagnahmen sie auch noch das Geld, das er für die Kaution seines Cousins ​​verwenden wollte. Trotz dieser Ungerechtigkeit versucht Terry, sich an alle Regeln zu halten, doch fast das gesamte Rechtssystem scheint gegen ihn zu sein. Aus Ungeduld und getrieben von berechtigter Wut, macht er sich daran, die Missstände in der Kleinstadt zu beseitigen, unterstützt nur von der Gerichtsschreiberin Summer (AnnaSophia Robb). Regisseur und Drehbuchautor Jeremy Saulnier hätte „Rebel Ridge“ einfach zu einem modernen „First Blood“ machen können, doch obwohl es zahlreiche brutale und knochenbrechende Kampfszenen gibt, ist es der gerechte und wütende Blick des Films auf die tief verwurzelten Mängel des amerikanischen Rechtssystems, der ihm seine Schärfe verleiht – und Pierre gleichzeitig als Actionstar etabliert, den man im Auge behalten sollte.

In diesem so ernst-dass es schon wieder absurd ist, spielt Bérénice Bejo die Meeresbiologin Sophia Assalas, die einen Makohai jagt. Dieser hat sich nicht nur spontan mutiert, um im Süßwasser der Seine zu überleben, sondern steht auch kurz davor, eine ganze Schar menschenfressender Haibabys zur Welt zu bringen. Und als ob das nicht schon schlimm genug wäre, findet in Paris ein Triathlon statt, bei dem die Schwimmstrecke zum All-you-can-eat-Buffet wird! Mal ehrlich, nicht alles auf dieser Liste muss hohe Kunst sein – manchmal will man einfach nur sehen, wie ein mutierter Hai Menschen frisst , während immer verzweifeltere Menschen anfangen, alles in die Luft zu jagen. Play drücken, Gehirn ausschalten und genießen.

Trotz der Präsenz des titelgebenden Kaiju ist „Godzilla Minus One“ ein Film, der tief in der Menschlichkeit seiner Protagonisten verwurzelt ist: dem desertierten Kamikaze-Piloten Koichi Shikishima (Ryunosuke Kamiki) und Noriko Ōishi (Minami Hamabe), einer Überlebenden der Bombenangriffe auf Tokio. Als Ersatzfamilie ziehen sie ein Waisenkind auf, doch ihre Versuche, sich ein neues Leben aufzubauen, geraten aus den Fugen, als das verstrahlte Reptil die Stadt heimsucht, gerade als diese sich zu erholen beginnt. Regisseur Takashi Yamazakis Neuinterpretation von Japans berühmtestem Kaiju brachte dem König der Monster seinen ersten Oscar ein – die Auszeichnung für die besten visuellen Effekte bei den Academy Awards 2024. Doch dieser Film ist weit mehr als bloßes Spektakel: Er ist eine erschütternde Auseinandersetzung mit dem Leben nach dem Krieg und dem Umgang einer Nation mit der Niederlage.

Suzume Iwato (im Japanischen gesprochen von Nanoka Hara, im Englischen von Nichole Sakura) lebt bei ihrer Tante auf einer südlichen Insel Japans, nachdem sie ihre Mutter beim Tōhoku-Erdbeben 2011 verloren hat. Als ein gutaussehender junger Fremder namens Souta (Hokuto Matsumura, Josh Keaton) sie nach dem Weg zu einigen Ruinen fragt, folgt sie ihm aus Neugier. Dabei berührt sie versehentlich einen lebenden Schlussstein und entfesselt so eine uralte Macht, die das ganze Land zu zerstören droht. In Soutas Welt hineingezogen, jagen die beiden den Schlussstein, der nun die Gestalt einer Katze angenommen hat, quer durch Japan, um die zerstörerische Kraft wieder einzufangen – eine Mission, die viel einfacher wäre, wenn Souta nicht in einen Kinderstuhl aus Holz verwandelt worden wäre. Suzume , der neueste Film von Makoto Shinkai ( Your Name, Weathering with You ), ist ein atemberaubend animiertes Stück magischen Realismus mit einem surrealistischen Touch – aber jenseits des Spektakels ist es eine herzerwärmende Geschichte über Gemeinschaft und Menschlichkeit, wobei jeder Halt auf der Reise des ungleichen Paares eine Momentaufnahme von Menschen und Familien ist, die nach einer Tragödie zusammenfinden.

Unter der Regie von George C. Wolfe ( „Ma Rainey’s Black Bottom “) beleuchtet diese Filmbiografie das Leben des Bürgerrechtsaktivisten Bayard Rustin. Rustin ist vor allem als einer der Hauptorganisatoren des Marsches auf Washington 1963 bekannt, lebte aber auch offen und ohne Scham homosexuell – zu einer Zeit, als dies äußerst selten war. Der Film verschweigt nicht, wie ihn dies von vielen seiner Mitstreiter entfremdete, da seine Sexualität oft als Bedrohung für die Bewegung wahrgenommen wurde. Ein dringend benötigtes Licht auf eine übersehene, aber zentrale Figur der Bürgerrechtsbewegung, nicht zuletzt dank der herausragenden Leistung von Colman Domingo in der Rolle Rustins.

Auf der Flucht vor dem kriegszerstörten Südsudan leben Bol (Ṣọpẹ́ Dìrísù) und Rial (Wunmi Mosaku) nun in einem heruntergekommenen Haus am Rande Londons. Obwohl sie versuchen, sich einzuleben, werden sie von ihren Nachbarn schikaniert. Das Paar wird von der Vergangenheit heimgesucht – im übertragenen wie (möglicherweise) im wörtlichen Sinne. Visionen ihrer verstorbenen Tochter Nyagak, die die Flucht nicht überlebt hat, erscheinen und verschwinden immer wieder in den Wänden ihres trostlosen neuen Zuhauses. Der wahre Schrecken von „His House“ liegt jedoch nicht in den seltsamen Visionen, dem Spukhaus oder den möglichen Geistern – es ist die Trostlosigkeit des Lebens, zu dem Bol und Rial gezwungen werden, die Feindseligkeit und Entmenschlichung des britischen Asylverfahrens, der offene und subtile Rassismus, all dies gepaart mit dem enormen Verlustgefühl, das sie mit sich tragen. Regisseur Remi Weekes verknüpft das Makabre mit dem Alltäglichen und liefert so einen spannungsgeladenen, herausfordernden Film, der die Zuschauer ebenso sehr verfolgen wird wie seine Figuren.

Im Zentrum steht der gleichnamige Berliner Nachtclub „Eldorado“ . Diese Dokumentation beleuchtet das Leben von LGBTQ+-Menschen in der Zwischenkriegszeit, von den Goldenen Zwanzigern über den Aufstieg der Nazis bis hin zu den Schrecken des Zweiten Weltkriegs. Regisseur Benjamin Cantu zeichnet mit einer Mischung aus Archivmaterial, nachgestellten Szenen und persönlichen Berichten das Bild einer ausgelassenen Dekadenz. Das „Eldorado“ erscheint als ein fast heiliger Ort, an dem Künstler und Gäste gleichermaßen mit Geschlechterrollen experimentierten und ihre Sexualität offen ausleben konnten. Der Film ist eine Hommage an das Verlorene, die aber auch die bizarren Widersprüche jener Zeit beleuchtet, in der offen schwule Clubbesucher im Laufe der Jahre ihre eigenen Nazi-Uniformen trugen. „Alles, was die Nazis hassen“ ist stellenweise emotional aufwühlend, präsentiert aber ein wichtiges Stück queerer Geschichte, das vielen völlig unbekannt sein dürfte.

Der Drogendealer Fontaine (John Boyega) wurde letzte Nacht erschossen. Warum wacht er einfach so im Bett auf, als wäre nichts geschehen? Diese existenzielle Frage führt Fontaine und zwei ungewöhnliche Verbündete – die Prostituierte Yo-Yo (Teyonah Parris) und den Zuhälter Slick Charles (Jamie Foxx) – zur Aufdeckung einer weitreichenden Verschwörung in der überwiegend von Schwarzen bewohnten Stadt The Glen. Dort werden die Menschen mit hypnotischer Rapmusik ruhiggestellt, mit drogenverseuchtem Brathähnchen und Traubensaft verdummt und in der Kirche zu Gehorsam gepredigt. Doch wer missbraucht die Stadt als Experimentierfeld, und warum befindet sich dort ein Klonlabor unter der Erde? Diese messerscharfe Satire von Autorin und Regisseurin Juel Taylor vermischt gekonnt verschiedene Genres – von visuellen Motiven und abgedroschenen Klischees des Blaxploitation-Kinos der 70er-Jahre bis hin zu Ausflügen ins Science-Fiction-Genre und urkomischen Szenen. Doch es sind die herausragenden Leistungen der Hauptdarsteller, die diesen Film zu einem Film machen, den man im Auge behalten sollte.

Die Gestaltwandlerin Nimona kann jede beliebige Gestalt annehmen – eine Gabe, die ihr Angst und Ablehnung einbringt. Wenn die Gesellschaft sie schon wie eine Schurkin behandelt, dann wird sie eben eine sein . Deshalb beschließt sie, die Gehilfin des verhassten schwarzen Ritters Ballister Blackheart zu werden. Doch zu ihrem Pech ist Blackheart nicht ganz das Monster, für das er gehalten wird. Stattdessen versucht er, Nimonas mörderische Neigungen zu zügeln, während er seinen Namen von einem Verbrechen reinwaschen will, das er nicht begangen hat – und sich dabei seinem alten Freund Ambrosius Goldenloin stellt. Basierend auf N. D. Stevensons bahnbrechender Graphic Novel ist „Nimona“ mehr als nur eine weitere fantastische Geschichte – es ist eine Erzählung von Außenseitern und Verbannten, von Menschen, die versuchen, das Richtige zu tun, selbst wenn ihre Gemeinschaft sie ablehnt, und von der Freude, auf ihrem Weg ihre eigene kleine Gemeinschaft zu finden. Nach fast zehn Jahren Entwicklungszeit ist dieser brillant animierte Film zu einem Klassiker geworden.

In einer Welt, die bereits von einer zombieähnlichen Seuche heimgesucht wird, will Andy Rose (Martin Freeman) nur seine Familie schützen und hält sich deshalb an die abgelegenen Landstraßen Australiens, um sich nicht anzustecken. Nachdem seine Frau tragischerweise gebissen wird und ihn ansteckt, sucht Andy verzweifelt nach einem sicheren Ort für seine kleine Tochter Rosie. Nur 48 Stunden bleiben ihm, bis er selbst der Seuche erliegt. Da findet Andy in Thoomi (Simone Landers), einem Aborigine-Mädchen, das ihren tollwütigen Vater beschützen will, eine Verbündete. Doch mit Bedrohungen durch paranoide Überlebenskünstler und Aborigine-Gemeinschaften, die Jagd auf die Infizierten machen, könnte es bereits zu spät sein. „Cargo“ bietet eine einzigartige Interpretation der Zombie-Apokalypse: Statt der bekannten urbanen Schauplätze des Genres entführt der Film in die atemberaubende Wildnis Australiens und präsentiert einen ruhigeren, charakterorientierten Blick auf das Ende der Welt.

An idyllic slice-of-life movie with a twist, Call Me Chihiro follows a former sex worker—the eponymous Chihiro, played by Kasumi Arimura—after she moves to a seaside town to work in a bento restaurant. This isn't a tale of a woman on the run or trying to escape her past—Chihiro is refreshingly forthright and unapologetic, and her warmth and openness soon begin to change the lives of her neighbors. Directed by Rikiya Imaizumi, this is an intimate, heartfelt character drama that alternates between moments of aching loneliness and sheer joy, packed with emotional beats that remind viewers of the importance of even the smallest connections.

Daniel Craig reprises his role as detective Benoit Blanc in this brilliant follow-up to 2019's phenomenal whodunnit, Knives Out . Writer-director Rian Johnson crafts a fiendishly sharp new case for “the Last of the Gentlemen Sleuths,” taking Blanc to a Greek island getaway for a reclusive tech billionaire and his collection of friends and hangers-on, where a planned murder mystery weekend takes a deadly turn. While totally accessible for newcomers, fans of the first film will also be rewarded with some deeper character development for Blanc, a role that's shaping up to be as iconic for Craig as 007. As cleverly written and meticulously constructed as its predecessor, and featuring the kind of all-star cast—Edward Norton! Janelle Monáe! Kathryn Hahn! Leslie Odom Jr.! Jessica Henwick! Madelyn Cline! Kate Hudson! Dave Bautista!—that cinema dreams are made of, Glass Onion might be the best thing Netflix has dropped all year.

Florence Pugh dazzles in this not-quite-horror film from Oscar-winning director Sebastián Lelio. Set in 1862, English nurse Lib Wright (Pugh) is sent to Ireland to observe Anna O'Donnell, a girl who claims to have not eaten in four months, subsisting instead on “manna from heaven.” Still grieving the loss of her own child, Lib is torn between investigating the medical impossibility and growing concern for Anna herself. Amid obstacles in the form of Anna's deeply religious family and a local community that distrusts her, Lib's watch descends into a tense, terrifying experience. Based on a book of the same name by Emma Donoghue, The Wonder is a beautiful yet bleakly shot period piece that explores the all-too-mortal horrors that unquestioning religious fervor and family secrets can wreak.

One of India's biggest films of all time, RRR (or Rise, Roar, Revolt ) redefines the notion of cinematic spectacle. Set in 1920, the historical epic follows real-life Indian revolutionaries Alluri Sitrama Raju (Ram Charan) and Komaram Bheem (NT Rama Rao Jr.) but fictionalizes their lives and actions. Although they come from very different walks of life, their similarities draw them together as they face down sadistic governor Scott Buxton (Ray Stevenson) and his cruel wife, Catherine (Alison Doody). No mere period fluff, RRR is a bold, exciting, and often explosive piece of filmmaking that elevates its heroes to near-mythological status. Director SS Rajamouli deploys brilliantly shot action scenes—and an exquisitely choreographed dance number—that grab viewers' attention and refuse to let go. Whether you're a longtime fan of Indian cinema or just looking for an action flick beyond the Hollywood norm, RRR is not to be missed.

An award winner at Cannes in 2019, this tale of burgeoning young love, obsession, and autonomous body parts is every bit as weird as you might expect for a French adult animated film. Director Jérémy Clapin charts the life of Naoufel, a Moroccan immigrant in modern-day France who falls for the distant Gabrielle, and Naoufel's severed hand, which makes its way across the city to try to reconnect. With intersecting timelines and complex discussions about fate, I Lost My Body is often mind-bending yet always captivating, and Clapin employs brilliantly detailed animation and phenomenal color choices throughout. Worth watching in both the original French and the solid English dub featuring Dev Patel and Alia Shawkat, this one dares you to make sense of it all.

Frustrated by the world's collective inaction on existential threats like climate change? Maybe don't watch Don't Look Up , director Adam McKay's satirical black comedy. When two low-level astronomers discover a planet-killing comet on a collision course with Earth, they try to warn the authorities—only to be met with a collective “meh.” Matters only get worse when they attempt to leak the news themselves and have to navigate vapid TV hosts, celebrities looking for a signature cause, and an indifferent public. A bleakly funny indictment of our times, bolstered by a star-studded cast fronted by Leonardo DiCaprio and Jennifer Lawrence, Don't Look Up is, somewhat depressingly, one of the best portraits of humanity since Idiocracy .