Líneas borrosas: cómo el mundo de la moda y el arte volvieron a colisionar esta temporada

Aunque a menudo se consideran mundos completamente distintos, la moda y el arte siempre han estado intrínsecamente vinculados. Ambos constituyen poderosas formas de expresión que han inspirado algunos de los momentos culturales más emblemáticos del siglo pasado.

A menudo citada como la primera gran fusión entre la moda y el mundo del arte, la colaboración entre la diseñadora Elsa Schiaparelli y el artista Salvador Dalí en el París de la década de 1930 dio lugar a casi una década de colaboraciones surrealistas, desde frascos de perfume hasta estampados textiles y el ahora icónico vestido de langosta que lució Wallis Simpson. Su trabajo sentó un precedente, allanando el camino para futuras colaboraciones creativas: Yves Saint Laurent y Piet Mondrian, Louis Vuitton y Takashi Murakami, Alexander McQueen y Damien Hirst, por nombrar solo algunos.

“El arte nunca ha sido solo una tendencia en la moda; es su base misma”, afirma Belma Gaudio, fundadora de Koibird. “Diseñadores como Miuccia Prada, Issey Miyake y Roksanda no buscan inspiración en el arte cada temporada; viven en ese espacio donde la moda y el arte se nutren constantemente. Es un diálogo que siempre ha existido; no un momento, sino un movimiento”.

“Estamos presenciando un nuevo legado creativo en movimiento”, afirma la directora creativa y estilista Barbara Ayozie Fu Safira. “Los diseñadores utilizan la moda para expandir los límites de la realidad, inspirándose en la escultura, la performance y la narrativa para construir universos enteros”.

Las colecciones Otoño/Invierno 2025 demostraron precisamente eso. Las casas de lujo de Nueva York, Londres, Milán y París recurrieron al mundo del arte para ilustrar sus colecciones: desde la colaboración de Erdem con la artista Kaye Donachie , cuyas pinturas se imprimieron directamente sobre tela, hasta el homenaje de Loewe a Josef y Anni Albers , y las alegres colaboraciones de Marni con Olaolu Slawn y Soldier Boyfriend .

“La relación entre la moda y el arte es profundamente arraigada y simbiótica: cada disciplina se nutre y desafía constantemente a la otra”, reflexiona Tiffany Hsu , directora de compras de Mytheresa. “A medida que los diseñadores buscan crear colecciones más significativas y narrativas, recurrir al mundo del arte en busca de profundidad, contexto y resonancia emocional se siente natural e inevitable”.

De hecho, las colecciones de esta temporada siguieron códigos de diseño que invitaban a nuevas formas de conexión, permitiendo al público interactuar, reflexionar y sentirse empoderado. La moda no solo hizo referencia al arte esta temporada, sino que lo abrazó por completo, uniendo ambos mundos para crear colecciones audaces y expresivas.

“Este concepto no se trata de hacer referencia al arte, sino de vivirlo”, añade Ayozie Fu Safira. “La moda y el arte nunca fueron esferas completamente separadas. Ahora, más que nunca, hablan como un solo lenguaje en constante evolución”.

A continuación, exploramos siete desfiles que difuminaron las líneas entre la moda y el arte este otoño/invierno 2025.

Roksanda y Phyllida Barlow

Durante más de 20 años, Roksanda Ilinčić ha liderado la fusión de artesanía, diseño y expresión artística a través de su marca homónima, Roksanda . Para el desfile de otoño/invierno 2025 de la marca en la Semana de la Moda de Londres , Ilinčić se inspiró en la fallecida artista Phyllida Barlow.

Conocida por sus instalaciones audaces, lúdicas y a gran escala, Barlow ha influido en Ilinčić durante mucho tiempo, desde su uso de materiales reciclados hasta el pensamiento conceptual detrás de cada pieza. Con un enfoque en el espacio, la forma y desafiando los métodos escultóricos tradicionales, la obra de Barlow invita al espectador a cuestionar lo que ve.

Estas ideas se plasmaron a la perfección en la pasarela. La sensibilidad arquitectónica de Barlow, combinada con la sastrería característica de Ilinčić, dio como resultado una colección de 35 piezas que honraba tanto el legado del artista como la visión del diseñador.

Erdem y Kaye Donachie

Erdem Moralıoğlu, director creativo de su marca homónima, ha sido durante mucho tiempo un puente entre el arte y la moda. Conocido por sus referencias a artistas influyentes como Tracey Emin y Nan Goldin, sus colecciones suelen explorar temas arraigados en la figura femenina.

Para la colección Otoño/Invierno 2025, Moralıoğlu colaboró ​​directamente con la artista Kaye Donachie, una colaboración que comenzó cuando le encargó un retrato de su difunta madre. Conmovido por el enfoque poético de Donachie para la creación de imágenes, se sintió atraído por la forma en que su obra captura la presencia persistente de una vida vivida.

El resultado: las etéreas figuras femeninas de Donachie ahora aparecen en toda la colección: sus siluetas están impresas en piezas listas para usar confeccionadas con fibras naturales, entretejidas con motivos exclusivos de Erdem, como bordados de terciopelo y flores románticas.

Courrèges y Dan Colen

El desfile Otoño/Invierno 2025 de Courrèges fue una obra maestra de minimalismo audaz. Fiel a los elegantes códigos de diseño de la marca, el director creativo Nicolas Di Felice se inspiró en Moments Like This , un libro que presenta obras inspiradas en confeti y salpicaduras de grafiti del artista Dan Colen.

Un favorito de Di Felice desde hace mucho tiempo, el libro sirvió como trampolín creativo para inyectar alegría y espontaneidad a la colección. En la pasarela, llovió confeti mientras las modelos lucían prendas básicas de diario realzadas con texturas y ribetes inesperados. El look inicial imitaba el movimiento del confeti al girar alrededor del cuerpo, mientras que el tweed salpicado de confeti se convirtió en un tejido clave, fusionando la estética lúdica de Colen con el minimalismo futurista de Courrèges.

Issey Miyake y Erwin Wurm

Inusual, ingenioso y humorístico son solo algunas de las palabras que suelen usarse para describir la obra del artista Erwin Wurm. Conocido por explorar el cuerpo y las formas artesanales poco convencionales, su influencia en el director creativo de Issey Miyake, Satoshi Kondo, resulta especialmente acertada.

La práctica escultórica de Wurm a menudo utiliza materiales cotidianos, desde tornillos y sillas hasta maletas, reinventados de forma sorprendente. Su objetivo: desafiar la percepción y ofrecer un nuevo punto de vista. Es una filosofía que Kondo comparte: usar la moda para transformar lo familiar en algo completamente inesperado.

De hecho, a través de su trabajo en Issey Miyake, el director creativo Satoshi Kondo ha desafiado constantemente las nociones tradicionales del diseño de prendas recurriendo a referencias escultóricas. Para la colección Otoño/Invierno 2025 de la marca, Kondo se inspiró principalmente en la obra de Erwin Wurm, en particular en una presentación en la Semana de la Moda de París que exploró la idea de la «Escultura de un Minuto».

Aquí, los asistentes observaron a los artistas realizar poses espontáneas y esculturales: una instalación viviente que dio vida a la filosofía lúdica de Wurm a través de la moda.

Alaïa y Mark Mander

Esta temporada, el director creativo de Alaïa, Pieter Mulier, exploró temas de escultura, geografía y lo que siempre ha sido central para la marca: las mujeres.

Inspirándose en la obra del escultor Mark Manders, Mulier se sintió intrigado por las reflexiones del artista sobre la cultura, la transformación y la impermanencia. Manders es conocido por combinar objetos cotidianos —como mesas, sillas y periódicos— con arcilla húmeda para crear obras que parecen inacabadas o fragmentadas. Con rostros desmoronados y partes faltantes, sus esculturas exploran la belleza y la geografía sin límites definidos.

Para Mulier, estas ideas se alineaban estrechamente con el legado de Alaïa, en particular con la visión de Azzedine Alaïa de celebrar la individualidad y la fuerza. El resultado fue una colección Otoño/Invierno 2025 con gran seguridad, construida en torno a siluetas estructurales, tocados y aberturas en una paleta neutra, realzada por toques de amarillo canario y azul cobalto.

Loewe y Josef & Anni Albers

Para la última colección de Jonathan Anderson en Loewe, la marca adoptó un enfoque poco convencional, presentándola como un álbum de recortes. En el Hôtel de Maisons de París, Anderson seleccionó una mezcla de recuerdos, antiguos y actuales, que llenaron las páginas de recuerdos. Este método le permitió fusionar los motivos clásicos de Loewe con una maestría y una artesanía innovadoras.

Un elemento central de la colección fue la colaboración con la Fundación Josef & Anni Albers, que homenajea a los pioneros del arte de mediados de siglo. Inspirados en la serie Homenaje al Cuadrado de Josef Albers, los accesorios de Loewe, como el Puzzle, el bolso Amazona y el clutch Flamenco, se reinventaron a través de las formas geométricas del artista.

El uso distintivo del color y la técnica de Albers también influyó en las piezas de prêt-à-porter. El cuero se cortó y esculpió, mientras que las prendas de diario se realzaron con drapeados, un guiño a las innovadoras técnicas textiles de Anni Albers. La colección encarnó el mismo espíritu innovador del arte y el diseño que definió el legado de Albers.

Marni y Olaolu Slawn y Soldier Boyfriend

El año pasado se formó una colaboración improbable entre el entonces director creativo de Marni, Francesco Risso, y los artistas Olaolu Slawn y Soldier Boyfriend durante una residencia artística de un mes. Trabajando juntos en un estudio compartido, el trío combinó sus enfoques del arte y el diseño, inspirándose en la historia y la cultura.

Fusionando la herencia nigeriana de los artistas con las raíces italianas de Risso, crearon la colección The Pink Sun. Con la pasarela como lienzo, el desfile Otoño/Invierno 2025 de Marni se convirtió en un puente entre medios, culturas y expresiones, un testimonio de la dedicación de la marca y los artistas a la artesanía. Su vibrante obra de grafiti se integró a la perfección con la estética innovadora y experimental de Marni.

La colección sirve como modelo para la industria del poder transformador de conectar el arte y la moda. Sus vibrantes looks de pasarela exhibieron audaces bloques de color en vestidos de seda (lucidos por la estrella de portada de Marie Claire UK, Tracee Ellis Ross), abrigos fluidos y apliques florales que se extendían desde trajes a medida.