Les meilleurs films du Festival de Cannes 2025 dont tout le monde parlera

Dans ce qui pourrait être qualifié de rupture avec l'auteur turco-allemand de Head-On , le classique Amrum d'Akın suit un enfant sur l'île allemande éponyme dans les derniers jours de la Seconde Guerre mondiale. Il incarne Nanning (Jasper Billerbeck, un nouveau venu surdoué), un enfant accablé élevé par une mère nazie, endoctriné contre son gré par l'idéologie des Jeunesses hitlériennes. Mais alors qu'il découvre peu à peu sa propre boussole morale, il réalise qu'elle a toujours été là pour l'aider à distinguer le bien du mal. Structuré comme une fable sombre mais gracieuse qui suit Nanning à travers l'île alors qu'il cherche des provisions de base pour nourrir sa mère, Amrum (écrit par Hark Bohm et basé sur ses propres souvenirs) devient un acte de générosité en présentant une de ces bonnes actions désintéressées. C'est un film doucement émouvant.

Craignez la fureur déchaînée d'une jeune mère insatisfaite vivant en pleine campagne et savourez l'une des meilleures performances de Jennifer Lawrence. Après Causeway (2022), c'est toujours une expérience inégalée de la voir s'aventurer dans les recoins libres et risqués du cinéma indépendant, celui de Winter's Bone qui nous a fait craquer. Sauvage, féroce et méticuleusement conçu, le film original et férocement original de Lynne Ramsay met Lawrence et Robert Pattinson à rude épreuve, incarnant avec sensualité et aisance un couple féroce. Le buzz cannois a qualifié ce film de « film sur la dépression post-partum », mais ce raccourci incomplet déforme la vérité au cœur du film de Ramsay. Die, My Love est à la fois une analyse brûlante du couple et une ode cinématographique à toutes les femmes indomptables, en phase avec leur cœur rempli de désir et leur esprit irritable – des femmes qui, sans complexe, veulent que les choses soient comme elles les veulent.

Vivre dans un pays aux États-Unis toujours divisé et être témoin de certains des pires instincts du pays en matière de sectarisme niant la science peut rendre fou. Dans sa suite de l'odyssée enivrante de Beau is Afraid dans la psyché humaine, Ari Aster transforme cette folie américaine quotidienne en l'un des films d'horreur les plus aboutis artistiquement et les plus captivants de l'année. C'est perspicace, magnifiquement déjanté et souvent très drôle. (Il est peut-être temps de reconnaître que le sens de l'humour d'Aster est aussi aiguisé que son talent pour l'horreur.) Son Eddington est à la fois le film COVID par excellence et une sorte de western moderne, culminant dans un final superbement réalisé et progressivement sombre. Désormais pilier d'Aster, Joaquin Phoenix est ici, sans surprise, sensationnel dans le rôle du shérif corrompu de sa ville. Tout comme Pedro Pascal, dans le rôle de son principal adversaire.

Le magnifique film Living d'Hermanus, sorti en 2022, était une leçon de tendresse et de retenue, tout comme son film parfait avec Paul Mescal et Josh O'Connor, qui met en scène une histoire d'amour épique et discrète entre deux jeunes musicologues sur fond de Première Guerre mondiale. Si la manière pragmatique avec laquelle Hermanus traite l'amour et le désir entre les deux hommes comme une évidence dans un film d'époque est discrètement radicale, ce qui distingue surtout The History of Sound, c'est son côté classique et intemporel. Son envergure internationale et son voyage à travers les sons et les notes musicales uniques de l'Amérique d'antan (la bande originale est d'une beauté poignante) vous plongent dans les pages d'un grand roman perdu, jusqu'à la fin richement méritée du film, digne d'un Reviens-moi . Dans les années 90, on avait souvent droit à ce genre de film prestigieux, à la fois intellectuel et accessible. Aujourd'hui, c'est un plaisir rare à savourer.

Ce fut un événement historique pour Jafar Panahi de revenir à Cannes en personne pour la première fois depuis 2003. Le maître iranien, fréquemment pris pour cible par le régime iranien, arrêté pendant des années et interdit de cinéma, n'a jamais cessé de défier son gouvernement à travers des œuvres révolutionnaires comme Ceci n'est pas un film (2011). Libéré de prison en février 2023, Panahi signe désormais l'un de ses meilleurs et plus personnels films à ce jour, suivant un groupe de citoyens ordinaires qui tentent de déterminer si l'homme qu'ils ont capturé est bien celui qui les a torturés en prison. D'abord thriller vengeur, puis interrogation profonde et digne sur des notions telles que la vengeance, le pardon, la moralité et la fin de l'histoire, le lauréat méritant de la Palme d'or de cette année défend avec brio la nécessité de s'accrocher à notre humanité pour la vie, quelles que soient les circonstances.

Il est rare de trouver des films aussi profondément vécus et observés que La Petite Sœur . Portée par la performance éblouissante de Nadia Melliti (lauréate du prix de la meilleure actrice cette année), la méditation discrète d'Herzi est un petit drame patient et compatissant sur une jeune musulmane pratiquante à Paris, qui navigue au rythme de sa ville pleine de possibilités, découvre son identité lesbienne naissante et tente de concilier ses besoins et ses désirs avec les enseignements de sa religion. L'une des plus belles réussites du film réside dans le refus absolu des clichés par Herzi. Là où un film moins réussi aurait exploité le cliché de la famille musulmane conservatrice (dont ce critique musulman en a assez), La Petite Sœur offre une magnifique scène mère-fille où l'amour inconditionnel est profondément ressenti et qui a une portée universelle.

À quoi ressemblerait un film de braquage avec Kelly Reichardt ? Vous trouverez la réponse avec l'éblouissant petit film de braquage The Mastermind , une comédie dramatique douce et merveilleuse, animée par l'esprit du cinéma des années 70 (tout en restant sobre et sans chichis). Josh O'Connor incarne avec émotion et perspicacité un voleur d'œuvres d'art dans une ville de Nouvelle-Angleterre, à la fois malchanceux et entravé par une série de mauvaises décisions. Avec une musique jazzy et envoûtante qui fait ressortir l'humour singulier du film, The Mastermind est un nouveau joyau américain, et peut-être le film le plus commercial de Reichardt.

Premier film nigérian à être présenté en avant-première à Cannes, ce premier film impressionnant de Davies Jr. raconte une histoire sous haute pression se déroulant en une seule journée de 1993. Il suit un père quasi absent (l'incroyable Ṣọpẹ́ Dìrísù) alors qu'il quitte une ville rurale pour Lagos avec ses deux jeunes fils qui l'idolâtrent. Avec pour toile de fond l'élection présidentielle, ce premier film introspectif de Davies Jr. est une étude aboutie des contrastes : la violence face à l'humanité, les troubles sociaux face aux moments doux et conviviaux partagés en famille, et l'émerveillement enfantin face à la détresse des circonstances. Le film est également un portrait complexe de la masculinité noire, à la fois vu avec admiration à travers le regard des jeunes personnages et porté avec une poésie assurée par Dìrísù.

L'élégante lettre d'amour de Linklater à cette époque influente du cinéma français (qui a même inspiré la génération du Nouvel Hollywood) serait une prouesse monumentale, même si elle se contentait d'inviter généreusement les cinéphiles en herbe à l'histoire du cinéma sans les intimider. Mais l'auteur américain aux rythmes fluides et aux dialogues fluides et naturels accomplit bien plus avec son récit d'une beauté joyeuse de la création du film révolutionnaire À bout de souffle de Jean-Luc Godard. Dans un noir et blanc époustouflant et avec le grain sonore propre à l'époque, il insuffle une nouvelle vie à ce film d'époque, le rendant romantique, d'une finesse exquise et intemporel. Avec les performances captivantes et étrangement exigeantes de Guillaume Marbeck et Zoey Deutch dans les rôles de Godard et Jean Seberg, la liste des maîtres de la Nouvelle Vague honorés (François Truffaut, Claude Chabrol, Agnès Varda, et d'autres) est aussi riche que le cinéma qui les entoure. Linklater aime cette période et il veut faire de vous un amoureux, lui aussi.

« Doux » n'est sans doute pas le premier mot qui évoquerait une romance BDSM. Pourtant, ce mot résume parfaitement Pillion , le nouveau film du scénariste-réalisateur débutant Harry Lighton. Vivant auprès de parents bienveillants et attentionnés, le jeune homme instantanément attachant interprété par Harry Melling tente de comprendre toute la complexité de son identité d'homosexuel, tandis que (selon les mots du film) Alexander Skarsgård , « incroyablement beau », incarne un motard hardcore qui devient l'objet d'attraction de Melling. On y trouve des scènes de sexe coquin, des scènes de violence, des scènes de léchage de bottes et d'autres images choquantes, interprétées avec audace par les deux interprètes. Mais grâce à la délicatesse de son ton, Lighton évolue avec émotion et humour au sein d' une sous-culture, tout cela passe au second plan face à l'histoire d'apprentissage profondément marquante et désarmante qui est au cœur du film.

Premier film formidable qui insuffle une ambiance de thriller à un camp d'été de water-polo réservé aux garçons, The Plague pose des questions pertinentes sur le harcèlement, la masculinité naissante et l'esprit sportif. Utilisant ingénieusement les techniques de base du genre horrifique, ce long métrage brillamment écrit débute comme une sorte de conclave entre préadolescents (avec une caméra implacable et une musique en dents de scie), pour ensuite se transformer en une enquête troublante sur les angoisses existentielles de l'adolescence masculine. Everett Blunck est merveilleux dans le rôle de l'enfant récemment victime de harcèlement et infecté par une peste symbolique et mystérieuse, tout comme Joel Edgerton, dont le temps d'écran est limité, dans le rôle de l'entraîneur des garçons. Mais le véritable clou du spectacle est le principal bourreau du camp, interprété par Kayo Martin, dont la performance annonce l'arrivée d'une future star de cinéma.

Film le plus aventureux et le plus ambitieux formellement de la compétition de cette année (et l'un des plus beaux de la section), la suite de « Long Voyage vers la nuit » de Bi Gan nous plonge dans un rêve. Et comme un rêve, il est difficile de lui rendre justice par de simples mots, et peut-être encore plus inclassable. Un récit à la fois chapitré et fluide nous entraîne dans un voyage explosif à travers l'histoire du cinéma, avec des clins d'œil à ses différents styles, époques et maîtres comme Méliès et Murnau, tandis que le film se réinvente avec brio à chaque instant. Les stars Jackson Yee et Shu Qi surprennent sans cesse, et le film époustouflant qui culmine avec « Résurrection » est un exploit bouleversant qui inspirera les générations futures.

Vous ne verrez pas de meilleur thriller politique cette année que le film de genre ultra-chic de Filho, vaguement dans l'esprit d'un film de Costa-Gavras. Après le chef-d'œuvre brésilien oscarisé de l'année dernière , I'm Still Here , voici un autre film à succès qui se déroule dans le contexte traumatisant de la dictature du pays. Récemment vu dans Civil War , Wagner Moura livre une performance profondément énigmatique pour son retour au cinéma brésilien dans le rôle d'un technicien des années 70 qui cherche à renouer avec son fils dans une petite ville, tandis que des assassins se rapprochent lentement de lui. Avec un scénario agile et progressivement sombre qui retrace l'histoire d'une mystérieuse jambe coupée au milieu des enclaves corrompues du passé poignant d'un pays, The Secret Agent est prêt à faire forte impression tout au long de la saison des récompenses (après avoir déjà remporté les prix du meilleur réalisateur et du meilleur acteur à Cannes). Bonus : vous adorerez toutes les chutes d'aiguilles bien calibrées et les références cinématographiques nostalgiques, dont Jaws .

Vous avez sans doute entendu dire que la chanteuse Charli xcx a qualifié la saison à venir d'« Été Joachim Trier », une phrase immortalisée par Elle Fanning avec le t-shirt élégant qu'elle portait à Cannes. Eh bien, appelons-la aussi « Saison des Joachim Trier Awards », car son film profondément réfléchi sur les traumatismes générationnels et la guérison familiale par l'art et le cinéma s'apprête à faire sensation, juste après son film adoré La Pire Personne du Monde . Retrouvant Renate Reinsve, sa star de La Pire Personne – elle incarne une actrice fiévreuse hantée par le passé – et confiant à Stellan Skarsgård l'un des rôles marquants de sa carrière, celui d'un réalisateur dépassionné menant un projet personnel atypique, Trier raconte une histoire touchante et inattendue, pleine d'humour, qui vous brisera avant de vous guérir. Vous y décèlerez peut-être des traces de Tchekhov et des clins d'œil aux plus belles qualités de la trilogie d'Oslo du réalisateur, et vous quitterez le film avec une gratitude renouvelée pour tout ce que le cinéma peut apporter.

L'avenir du réalisme social britannique au cinéma semble plus prometteur que jamais, grâce aux débuts de l'acteur Harris Dickinson en tant que réalisateur, qui raconte l'histoire contemporaine d'un sans-abri londonien et de l'impasse dans laquelle il se trouve. Que Urchin ressemble méticuleusement aux classiques britanniques n'est pas le moins du monde surprenant, étant donné que le film est dirigé par un cinéphile passionné qui arbore fièrement un tatouage de Kes sur le bras et connaît visiblement Ken Loach et Mike Leigh sur le bout des doigts. Pourtant, Urchin ne copie absolument pas ce qui l'a précédé. Portée par la performance percutante de Frank Dillane et enrichie par l'écriture profondément humaniste de Dickinson, la vision réfléchie de l'acteur-réalisateur est résolument moderne et personnelle. Il est peut-être le nouvel auteur le plus passionnant à suivre depuis les frères Safdie.