Kalorama, giorno 1: ballare come i ragazzi del pop

Innanzitutto, affrontiamo l'elefante nella stanza: è sempre motivo di festa avere una band del calibro dei Pet Shop Boys in Portogallo, ma la loro esibizione sul palco principale in questo primo giorno del MEO Kalorama è stata la seconda che il duo londinese ha avuto nel giro di due anni nel nostro paese, sempre nell'ambito dello stesso greatest hits tour, Dreamworld . Nel 2023, sono sbarcati al Primavera Sound di Porto; prima di allora, bisogna tornare al 2010. Si tratta forse di usare il cliché "non c'è fame che non si traduca in abbondanza"? Forse, ma l'importanza di assistere a una formazione pressoché identica e allo stesso spettacolo visivo è discutibile, soprattutto considerando che, nel frattempo, hanno pubblicato Nonetheless nel 2024, un album che stasera non conteneva una sola canzone.

Tuttavia, si tratta probabilmente di una critica trascurabile, visto il modo in cui il pubblico – lungi dall'essere numeroso, ma energico – si è dedicato al concerto di quasi un'ora e mezza. E chi era a Porto due anni fa e poi è tornato qui ha potuto almeno assistere a un concerto migliore, senza la lentezza che caratterizzava il precedente. È vero che i beat richiedevano più potenza e che la voce di David Tennant – che non è mai stata un prodigio – si è rivelata a tratti fragile, ma la sfilata di successi che i Pet Shop Boys hanno portato è innegabile e potrebbe suonare qui con il trionfalismo che è richiesto.

Dopotutto, stiamo parlando di un'istituzione del synth pop che ha fatto della musica sintetizzata, spudoratamente, una grande forma d'arte e, di conseguenza, ha le sue impronte digitali in tutte le classifiche delle canzoni più ascoltate, da Lady Gaga ai Disclosure. Sì, è vero che ciò che una volta poteva suonare futuristico oggi sembra affettuosamente associato a una certa epoca, ma queste saranno sempre conclusioni affrettate che diventano di breve durata durante l'esecuzione. Alcune delle canzoni non potrebbero suonare più "attuali": Vocal , la chiusura, con un ritmo quasi techno, è una di queste; la nostalgica The Pop Kids , forse la più recente che hanno suonato, ne è un esempio: ricorda il passato della band e suona uguale.

L'esibizione è iniziata con la malinconia dei Suburbia, con Tennant e Chris Lowe che indossavano maschere futuristiche, sotto due faretti che imitavano lampade, parte di uno spettacolo visivo formidabile (o forse è uno dei loro marchi di fabbrica). Sono rimasti così finché il pannello sul fondo non si è alzato e ha rivelato altri tre membri, due alle percussioni e una tastierista, Clare Uchima, che ha avuto un momento clou quando ha dovuto sostituire Dusty Springfield cantando un duetto , "What Have I Done to Deserve This?".

Elencare i classici che la band ha eseguito sul palco è un compito tanto estenuante quanto infruttuoso, vista la loro estensione. Tuttavia, vale la pena sottolineare la rilevanza che Panimero e Rent continuano ad avere (nonostante la loro apparente semplicità), il modo in cui le versioni di Where the Streets Have No Name (I Can't Take My Eyes Off You) e You Were Always on My Mind hanno trascinato il pubblico in un canto che non ha mai smesso di ballare, e il puro delirio provocato da Domino Dancing e It's a Sin . Il bis di West Side Girls e Being Boring non aveva bisogno di alzare i livelli di energia per un pubblico già abbandonato.

Dopo il riscaldamento, la sessione di ballo è proseguita sul palco San Miguel. Dopo Paredes de Coura , sarebbe stato difficile per L'Impératrice superare se stessa. Protagoniste di uno degli spettacoli più magnetici e amati dei festival portoghesi dello scorso anno, il Parque da Bela Vista non avrebbe mai avuto la capacità di trasformarsi nell'anfiteatro naturale del Minho, soprattutto perché siamo in città, senza tutta l'atmosfera (e la magia) di un festival che ci permette di evadere dalla quotidianità, e questo venerdì è un giorno lavorativo per molti.

Inoltre, la band francese si trovò ad affrontare un'altra sfida. L'Impératrice aveva perso la cantante solista, Flore Benguigui, che decise di lasciare il gruppo dopo una serie di disaccordi interni. Sebbene non fosse il membro più importante per quanto riguardava le composizioni e la musica della band, era comunque un elemento fondamentale grazie al suo carisma nelle performance.

Al MEO Kalorama, di fronte a una folla pronta a ballare ma priva dello spirito di un remoto festival estivo, L'Impératrice ha fatto il possibile, puntando sui propri punti di forza. Sono eredi del French Touch, la musica elettronica francese funky e allegra, con bassi seducenti e ritmi irresistibili. Dal vivo, sono in grado di incarnare questo stile con un virtuosismo speciale, essendo una vera orchestra di musica dance.

Sul palco, i polistrumentisti si sono scambiati chitarre, bassi e sintetizzatori, conferendo al concerto una dinamica eccezionale. Posizionati maestosamente, con il batterista in cima a una struttura scintillante con le tastiere che sporgevano lateralmente, apparivano circondati da numerose luci – e loro stessi ne tenevano una sul petto, che cambiava colore a seconda delle canzoni.

La nuova cantante, Maud "Louve" Ferron, potrebbe essere ancora acerba, ma è riuscita a svolgere il suo ruolo di frontwoman , incoraggiando il pubblico – e, dopotutto, la voce non è affatto l'elemento più decisivo nella musica de L'Impératrice, dove groove e ritmi regnano sovrani. Musica ballabile così contagiosa che, curiosamente, uno dei suoi momenti più alti è stato l'unico brano pubblicato in questa nuova fase del gruppo, Entropia , rivelato quest'anno e che potrebbe essere di grande auspicio per il futuro del collettivo. Sfida superata, anche se la missione di superare la gloria del 2024 era davvero impossibile.

"Il tempo ci rende forse ridicoli?" Questa era la domanda sulle labbra di Josh Tillman quando è tornato in Portogallo per suonare Father John Misty . È vero che l'americano non ispira più lo stesso tipo di dedizione canina che ispirava quando è emerso come il nuovo grande volto della musica indie – e forse questo si riflette nella sua posizione in scaletta a fine pomeriggio – ma non ha mai smesso di saper mettere in scena un bello spettacolo, e lo ha chiaramente dimostrato.

Tillman è nel nostro paese da relativamente poco tempo – ha suonato al Meco nel 2023 – ma qualcosa è successo tra questi due anni: Mahashmashana , il suo sesto album, celebrato come una sorta di ritorno e il cui nome, in sanscrito, significa "grande campo di cremazione". Se questo termine suggerisce introspezione, non è un caso. Quello che abbiamo visto sul palco del Kalorama è stato un artista più maturo e meno pubblicizzato, parsimonioso nell'interazione con il pubblico, ma mantenendo quel modo disinvolto di un maestro di cerimonia che non ha bisogno di molto più di un leggero movimento dei fianchi e lasciando che i testi – pieni di osservazioni, a volte sarcastici, a volte introspettivi – parlino da soli.

Inserendosi nella scaletta come costumi su misura, la qualità delle nuove canzoni ha compensato un concerto breve e con troppe "hit" - se esistono "hit" nell'universo indie - provenienti dall'esterno, come Holy Shit , Chateau Lobby #4 o I'm Writing a Novel . I Guess Time Just Makes Fools of Us All , con un inizio lounge, si trasforma in una meraviglia funk, mentre She Cleans Up ha mostrato uno swing rock come non le vedevamo da molto tempo. Screamland , con un arrangiamento più orchestrale e un ritornello drammatico carico di riverbero , è servito come una sorta di elemento centrale del concerto, e la traccia che dà il titolo all'album è un monumento che si colloca tra le migliori che abbia mai scritto.

Ciò che resta di questo concerto è che, mentre il suo trovador avrebbe potuto suonare vuoto e carico di un misto di pretesa e onestà (un confine poroso che ha sempre saputo mantenere) un decennio fa, quando emerse agli occhi del grande pubblico con I Love You, Honeybear , oggi, in un'epoca di caos e incertezza, la coppia di testi di quella canzone che ha chiuso il concerto — "Tutto è condannato / E niente sarà risparmiato" e "Ma tutto va bene / Non cedere alla disperazione / Perché ti amo, honeybear" — risuona soprattutto nel 2025. Il tempo può renderci tutti stupidi, ma non è questo il momento in cui Father John Misty è diventato una barzelletta stanca.

In un altro tipo di riflessività, questa volta più fisica, l'attenzione si è rivolta ancora una volta al San Miguel Stage con l'irruzione di Sevdaliza . Originaria dell'Iran ma cresciuta nei Paesi Bassi, l'artista trentasettenne ha offerto una performance esplosiva, in linea con la sua immagine. Alta e con lunghi capelli neri, Sevdaliza è una figura seducente e autorevole, con un atteggiamento disinvolto. "Il Portogallo ha un posto molto speciale nel mio cuore", ha detto la cantante, che si è esibita al Sónar Lisboa lo scorso anno e che mantiene un forte legame con la lingua portoghese, avendo già inciso canzoni in portoghese, soprattutto grazie al rapporto che ha costruito con i suoi fan brasiliani.

Non c'è dubbio: questa è una canzone allegra e intensa che trasforma l'angoscia in carburante, come si può vedere dalle numerose parole che scorrono sullo schermo – "rabbia", "le ragazze sono arrabbiate", "fatto nel dolore" – intervallate da immagini di armi, esplosioni, il trambusto della città, il tumulto della vita moderna. Le luci completano il quadro: uno spettacolo non consigliato ai deboli di cuore, ma che ha contribuito a trasformare il palco secondario del MEO Kalorama in una vivace pista da ballo. Nonostante le sue radici in Iran e le bandiere palestinesi che si potevano vedere tra il pubblico, non c'era alcun riferimento alla guerra in corso in Medio Oriente.

Con una performance coinvolgente e un ballo senza sosta, Sevdaliza dimostra la sua efficacia nel conquistare il pubblico. Ma il suo pop d'avanguardia, che si fa sempre più elettronico man mano che il concerto procede, sembra voler andare troppo oltre, il che, al contrario, finisce per renderla un po' generica: un cenno al funk brasiliano, al reggaeton e a diverse sonorità della musica elettronica, da un ritmo che affonda nelle profondità della techno a un'estetica più leggera che sembra uscita direttamente dall'Eurovision.

Accompagnata da batteria, tastiere e una ballerina, Sevdaliza stava anticipando il suo terzo album originale, Heroina , che sarebbe dovuto uscire a breve: Messiah, Eternity e Stripper erano canzoni presentate per la prima volta al pubblico portoghese e che sicuramente servirono anche a farla conoscere per la prima volta a molti frequentatori del festival.

"Grazie per essere qui con questo caldo, amici, finché ci sarete non mi toglierò il cappotto", ha detto David Bruno, di fronte alla temperatura inclemente che si è fatta sentire nel pomeriggio davanti al palco del Kalorama. Ma "quando me lo toglierò, non lo dimenticherete mai". È quello che è successo prima di cantare Bebe e Dorme , mostrando che, sulla fodera interna, c'era un'immagine della Capela do Senhor da Pedra a Gulpilhares, "dove Nicole Scherzinger ha ricevuto la proposta di matrimonio".

Se tutto questo vi sembra strano, è perché non avete mai visto il rapper e produttore esibirsi dal vivo. Non vi aspettate virtuosismi da una delle sue performance, fatta eccezione per gli assoli di chitarra di Marco Duarte, affettuosamente conosciuto come Marquito, ma piuttosto un carisma naturale e un senso dell'umorismo disarmante, capace di far invidia a molti comici: "ogni volta che devo fare una salsiccia, seguo il suo tutorial", dice, riferendosi a Isaltino Morais. A coronamento di tutto, ha un eccellente presentatore , António Bandeiras, il "Robert de Niro di Caxinas", che trascina il pubblico in modi che pensavamo inimmaginabili, dal mangiare una banana, ballare la Macarena e lanciare rose dal palco allo strapparsi i pantaloni per ottenere un ibrido gonna-shorts e lanciare gli avanzi al pubblico.

La formula è rimasta più o meno la stessa fin dal suo debutto da solista – è uno dei membri del Conjunto Corona – con O Último Tango em Mafamude , nel 2018: ritmi languidi, melodie delicatamente dolci che sfiorano l'olio d'oliva ed esplorazioni delle idiosincrasie regionali di questo nostro bellissimo paese, nei suoi aspetti più unici. Dal vivo, però, tutto cambia. Prendiamo, ad esempio, quando arriva armato di un vassoio di acciaio inossidabile, lo stesso che usa per presentare Mesa para Dois al Carpa e chiedere agli influencer di "lasciare in pace le taverne": "chi chiede un omaggio dove servono la razione giornaliera?", chiede.

A differenza di quanto accaduto la settimana prima, al Primavera Sound , non ha potuto contare su Rui Reininho per cantare Tema de Sequeira con lui, ma ha nuovamente reclutato Presto, dei Mind da Gap, per 10 em 10 , e Mike El Nite per Interveniente Acidental e Inatel , quest'ultimo impreziosito dal fatto che i due sono andati a cantare davanti al pubblico. Alla fine, dopo bellissimi momenti di complicità con i pochi che hanno sfidato le "temperature di merda [non era la parola giusta]" per stare con lui, ha lasciato il motto: "Sii orgoglioso della tua identità portoghese, senza guardare gli altri dall'alto in basso".

Se questa è una caratteristica misurabile, Cara de Espelho la trasuda. Un anno dopo, la band è ancora in viaggio per presentare il suo album di debutto omonimo . Vestiti di nero, ad eccezione del cantante Mitó che indossava un abito rosso, dimostrano sul palco che il titolo di super-band non è un'esagerazione. Dopotutto, è stato con questo status che sono apparsi sulla scena quando hanno riunito nello stesso gruppo Pedro da Silva Martins (Deolinda), suo fratello Luís J. Martins (anche lui di Deolinda), Carlos Guerreiro (Gaiteiros de Lisboa), Sérgio Nascimento (Humanos, David Fonseca e Sérgio Godinho), Mitó (A Naifa) e Nuno Prata (Ornatos Violeta).

"Siamo Cara de Espelho e siamo qui per rispecchiarti", ha esordito Mitó con la sua voce limpida e impeccabile, senza una sola sillaba fuori posto per tutta l'ora di concerto. Si tratta di musica sofisticata, composta principalmente da Pedro da Silva Martins ma con arrangiamenti superbi da parte dell'intera band. Impossibile non sottolineare le prodezze di Carlos Guerreiro, un inventivo costruttore di una serie di strumenti musicali, posti su un tavolo, che vengono maneggiati durante lo spettacolo. Evocano un lato popolare, un'aura mistica insita nelle cornamuse e nei flauti, quasi al livello del paganesimo.

I testi provocatori riflettono la società contemporanea, ma soprattutto i tempi di questo giardino piantato in riva al mare. Sono intelligenti, creativi, elevati ma con umorismo. Puntano il dito sulla ferita con classe, sono politicizzati ma con un'elegante sottigliezza, e canzoni come Paraíso Fiscal , Fadistao , Dr. Coisinho o i nuovi singoli — già di quest'anno — Elefante no Hemiciclo e O Que Esta Gente Quer sono stati proprio i più applauditi. Musica essenziale di persone come noi che riflette così bene questi tempi.

In una giornata in cui non c'era esattamente una folla – l'Observador ha chiesto all'organizzazione dati ufficiali, ma non li ha ricevuti prima della pubblicazione di questo articolo – i Flaming Lips potrebbero essersi scoraggiati nel vedere il numero di persone che lasciavano il locale dopo il concerto de L'Impératrice. Tuttavia, fate attenzione al tempo verbale: non solo questo non è accaduto perché, francamente, sospettiamo che Wayne Coyne e soci si sarebbero accontentati di suonare per cinque persone, ma c'era anche un discreto gruppo di irriducibili che pensavano che il meglio fosse riservato per la fine.

Una delle grandi istituzioni del rock psichedelico post-anni '60, la band guidata da Coyne è in tournée per suonare uno dei suoi album più celebrati, Yoshimi Battles the Pink Robots , nella sua interezza. Tuttavia, a differenza di altre date, i Flaming Lips hanno avuto il tempo di suonare esclusivamente le 11 canzoni di quell'album, quindi il tempo era essenziale. All We Have Is Now , una delle ultime canzoni suonate, ha suggellato questo mantra in uno dei momenti di comunione più belli dell'intera giornata, con band e pubblico che cantavano all'unisono.

"Dai, dai, continua così", sono state le parole ripetute più spesso dal cantante e leader durante il concerto, qualcosa che potrebbe sembrare insicuro o presuntuoso se non fosse il risultato del suo atteggiamento folle, che spinge sempre il pubblico, che risponde di conseguenza. Questa sana follia, infatti, si rifletteva non solo nelle immagini sgargianti che apparivano sul palco, ma anche nei robot rosa gonfiabili che venivano gonfiati sul palco o in un palloncino gigante con la scritta "Fuck Yeah Kalorama Lisbon".

Se la prima parte di Yoshimi Battles the Pink Robots ha suscitato sussulti di gioia e autentica trepidazione, Ego Tripping at the Gates of Hell, ad esempio, ha invitato a un momento più contemplativo. Trombe, virtuosistici bassi, chitarra slide e persino ritmi ispirati al rap hanno coronato un concerto tanto bizzarro quanto rivelatore di come il rock sia un mondo che va oltre i tre accordi collegati tra loro. Dopo aver rivelato di aver avuto problemi durante il viaggio e di aver rischiato di perdere il volo, Wayne Coyne ha fatto questa promessa: "Speriamo di suonare altre 100 volte al vostro festival". Lo speriamo anche noi.