De carrière van Eduardo Chillida gevierd in de VS

▲ Monumentale houten sculpturen – voor het eerst sinds 1996 weer samen – uit de Abesti gogorra -serie van Eduardo Chillida. Foto: Europa Press

Europa Press

La Jornada krant, donderdag 7 augustus 2025, p. 4

Madrid. Het San Diego Museum of Art (SDMA) in de Verenigde Staten opende de tentoonstelling Eduardo Chillida: Convergence , een ode aan Chillida's carrière. Deze tentoonstelling, met meer dan 85 werken, is de grootste tentoonstelling in de Verenigde Staten in bijna 50 jaar en is te zien tot en met 8 februari 2026.

De tentoonstelling biedt ons voor het eerst sinds 1996 weer de mogelijkheid om samen de monumentale houten sculpturen uit de serie Abesti gogorra te bekijken. Deze sculpturen maken deel uit van de permanente collecties van het Museum of Fine Arts in Houston en het Art Institute of Chicago.

Daarnaast wordt de Peine del Viento -serie onder de loep genomen aan de hand van sculpturen en tekeningen. Ook is er een virtual reality-ervaring waarin bezoekers naar de kust van San Sebastián kunnen reizen en het geluid van de golven en de wind kunnen voelen dat door de sculpturen van Peine del Viento XV snijdt.

Anderzijds belicht het zijn nalatenschap, belicht het de carrière van de kunstenaar en presenteert het de verschillende materialen die de maker heeft gebruikt, zoals smeedijzer, eikenhout, albast en klei.

De kunstgalerie bevat iconische, grootschalige sculpturen en delicate werken op papier die nauw verbonden zijn met het landschap en de tradities van Baskenland.

Het werk van Eduardo Chillida getuigt van de harmonieuze relatie tussen mens, materie en ruimte. We zijn verheugd deze buitengewone tentoonstelling naar San Diego te brengen en onze gemeenschap de kans te bieden de diepe schoonheid en filosofie te ervaren die in Chillida's creaties besloten liggen , aldus Roxana Velásquez, directeur en CEO van SDMA.

De tentoonstelling brengt stukken samen uit de collecties van onder andere het San Diego Art Museum, het Houston Museum of Fine Arts en het Solomon R. Guggenheim Museum, evenals het Art Institute of Chicago. De tentoonstelling wordt mede mogelijk gemaakt door Chillida Leku, de Eduardo Chillida-Pilar Belzunce Foundation, de Chillida Estate en Hauser & Wirth.

De SDMA heeft parallelle activiteiten rondom de tentoonstelling georganiseerd, waaronder een openingsfeest en een inaugurele lezing in het James S. Copley Auditorium van het Amerikaanse museum, waaraan Mikel Chillida en Rachel Jans, adjunct-conservator moderne en hedendaagse kunst van het museum, deelnemen. Ook wordt er gedurende de tentoonstelling een educatief programma georganiseerd, met een participatieve ruimte met materialen die door de kunstenaar zijn gebruikt.

Architectuur, filosofie en muziek

Daarnaast publiceerden ze een tentoonstellingscatalogus met essays van professionals uit verschillende disciplines, met als doel de raakvlakken tussen architectuur, filosofie en muziek te benadrukken die kenmerkend zijn voor Chillida's werk.

Gastauteurs zijn onder meer architect Norman Foster; Mikel Chillida, directeur ontwikkeling van het Chillida Leku Museum; dirigent Gustavo Gimeno; Ana María Rabe, doctor in de filosofie; en tentoonstellingsconservator Rachel Jans. De catalogus, die alleen in het Engels is gepubliceerd, is binnenkort verkrijgbaar in de museumwinkel van Californië en in de Chillida Leku-winkel.

Chillida's banden met de Verenigde Staten zijn talrijk en strekken zich al decennia uit, met tentoonstellingen, prijzen en erkenning in het land. Sinds eind jaren vijftig heeft de Baskische beeldhouwer zich gevestigd als een vooraanstaande figuur in de Amerikaanse kunstscene.

Zijn eerste uitstapje naar het land was in 1958, toen het Carnegie Institute zijn werk Aizean verwierf. Hij nam deel aan de tentoonstelling Sculptures and Drawings from Seven Sculptors in het Salomon R. Guggenheim Museum in New York en ontving, samen met José Guerrero, Wifredo Lam en Norbert Kricke, de Graham Foundation Award.

Tegelijkertijd kreeg de kunstenaar erkenning, wat hem opdrachten opleverde voor monumentale werken voor vooraanstaande instellingen, zoals het granieten Abesti gogorra V (1966) voor het Museum of Fine Arts in Houston, het roestvrijstalen beeldhouwwerk Around the Void V (1970) voor de binnenplaats van de Wereldbank in Washington of De música, Dallas XV (1989) voor de esplanade voor het Morton H. Meyerson Symphony Center in Dallas.

De tentoonstelling onderzoekt ook Chillida's banden met San Diego en biedt een ander perspectief op zijn nalatenschap. Zo nam hij in 1986 deel aan een belangrijk symposium met vooraanstaande museumdirecteuren en kunsthistorici, dat samenviel met de publicatie van een belangrijke monografie over hem en de presentatie van zijn werk in de Tasende Gallery in La Jolla, waarvan directeur José Tasende Chillida vertegenwoordigde en sinds midden jaren tachtig talloze tentoonstellingen van zijn werk organiseerde.

Engel Vargas

La Jornada krant, donderdag 7 augustus 2025, p. 4

Het federale Ministerie van Cultuur (SC) heeft, via het Nationaal Instituut voor Schone Kunsten en Literatuur (INBAL), formeel het juridische proces in gang gezet om het decreet uit te vaardigen waarmee het Museo Experimental El Eco tot een artistiek monument wordt verklaard, in overeenstemming met de federale wet op archeologische, artistieke en historische monumenten en zones.

De overeenkomst werd gisteren gepubliceerd in het officiële staatscourant van de Federatie ( DOF ) met als doel om degenen die een juridisch belang bij het onroerend goed kunnen hebben - eigenaren, buren, instellingen - op de hoogte te stellen, zodat zij binnen 15 werkdagen na publicatie alle bewijsstukken en argumenten die zij relevant achten, aan INBAL kunnen voorleggen.

Uit de tekst blijkt dat het dossier van de genoemde procedure ter beschikking wordt gesteld aan potentiële belanghebbenden bij de Algemene Onderdirectie Onroerend Kunstpatrimonium van die afdeling, met de waarschuwing dat als zij dit niet doen, hun recht als uitgesloten (verloren of uitgeblust) wordt beschouwd .

Doordringbare sculptuur

Het El Eco Museum ligt aan de James Sullivan Street 43, in de wijk San Rafael, in de stad Cuauhtémoc, Mexico-Stad. Het museum maakt deel uit van het Directoraat-Generaal voor Beeldende Kunsten (DGAV) van de Nationale Autonome Universiteit van Mexico.

Het complex werd in de jaren vijftig ontworpen door de in Duitsland geboren kunstenaar en architect Mathias Goeritz (1915-1990) als een ruimte voor artistieke en architectonische experimenten, in opdracht van de Mexicaanse zakenman Daniel Mont.

Volgens de geschiedenis van het museum, die op de officiële website is gepubliceerd, ontwierp de kunstenaar het gebouw als een poëtische structuur die uitnodigt tot een emotionele ervaring van de ruimte en die het toen dominante architecturale functionalisme uitdaagt.

Goeritz ontwierp het gebouw als een doordringbare sculptuur. Deze ruimte, de creatie van een ongekend platform voor de kunsten in de context van de Mexicaanse en internationale kunst van de jaren vijftig , is gebaseerd op deze gelijkenis.

Het gebouw werd gebouwd tussen 1952 en 1953 en diende in de loop der jaren verschillende functies: het was een experimenteel museum (zonder vaste collectie), een restaurant, een nachtclub, een theater en een politieke ruimte. De oorspronkelijke structuur werd echter steeds aangepast.

In 2004 werd het gebouw overgenomen door de UNAM en na een restauratie werd het in 2005 heropend met de bedoeling om de architectonische, artistieke en pedagogische erfenis van Goeritz nieuw leven in te blazen . Met name om een gebouw tot leven te brengen dat de taal van de kunst wil uitbreiden.

De restauratie, onder leiding van architect Víctor Jiménez, bracht het gebouw terug in zijn oorspronkelijke staat en het werd geregistreerd als erfgoed van de UNAM. In 2006 kocht de universiteit een aangrenzend perceel en schreef een wedstrijd uit om het museum uit te breiden met kantoren, een auditorium en andere ruimtes. Het project werd in 2007 voltooid.

Meer dan 50 aangiften

Volgens informatie van INBAL zijn artistieke monumenten gebouwen die, op basis van een decreet uitgevaardigd door de president van de republiek, ruim vertegenwoordigd zijn in de stedelijke context, geïntegreerd zijn in een specifieke stilistische stroming, een zekere mate van vernieuwing vertonen, evenals de materialen en technieken die bij hun constructie worden gebruikt.

Uit een lijst van die instelling, die op de officiële website is gepubliceerd en is bijgewerkt tot 31 maart 2025, blijkt dat tot op heden 54 panden in het land deze verklaring hebben, waaronder het Paleis voor Schone Kunsten, het Anahuacalli Museum, de Onafhankelijkheidszuil, het Miguel Barragán Huis en de Universiteitsstad.

Met deze verklaring wordt het bezit door de staat beschermd als cultureel en artistiek erfgoed. Daarmee wordt het behoud ervan gewaarborgd en wordt het belang ervan voor Mexico erkend.

▲ Ernesto Ríos maakt keramiek, schilderijen en video-installaties met hoge temperaturen, gericht op drie concepten: codering, transformatie en perceptie. Foto met dank aan de kunstenaar.

Omar González Morales

La Jornada krant, donderdag 7 augustus 2025, p. 5

Een dialoog tussen systemen, symbolen, menselijke identiteit, poëzie en kunst staat centraal in de tentoonstelling Codes van de kunstenaar Ernesto Ríos (Morelos, 1978), te zien in de centrale galerij van het San Luis Potosí Arts Center.

"Ik heb eerst beeldende kunst gestudeerd aan het National Institute of Fine Arts and Literature, en daarna Latijns-Amerikaanse literatuur. Toen kwam er een beurs beschikbaar om een masteropleiding in het buitenland te volgen en verhuisde ik naar New York, waar ik betrokken raakte bij programmeren. Daar kwam de inspiratie voor dit project vandaan" , aldus de maker.

Codes verweven beelden van virtuele figuren met beelden van de natuur, beide gereguleerd door systematische regels waaronder bepaalde elementen worden geclassificeerd. De patronen, sequenties en vormen die biologie verenigen met de digitale omgeving, manifesteren zich in de talen van kunst, wetenschap en geheugen.

Het is iets innovatiefs, want ondanks het feit dat we al jaren computers gebruiken, zijn er dingen die voortdurend veranderen en hun intrede doen in de kunstwereld. Werken met deze nieuwe tools bracht me tot de conclusie dat we al een complex digitaal ecosysteem hebben ontwikkeld dat een verlengstuk is van ons leven , aldus de kunstenaar.

De tentoonstelling bestaat uit 33 werken, waaronder keramiek op hoge temperatuur, schilderijen en video-installaties, die zich richten op drie concepten: codering, transformatie en perceptie. Deze codes, de regels die zijn curatoriële universum sturen, verbinden levende wezens met digitale en evolutionaire contexten. Deze werken, samen met andere werken van de kunstenaar, zijn te zien op zijn website ernestorios.net.

"Voor mij was het een enorme uitdaging, omdat ik geen programmeervaardigheden had. Ik ben een kunstenaar die traditionele technieken gebruikt, maar de verandering was erg verrijkend omdat het me in contact bracht met andere disciplines en werelden. Ik leerde een andere manier om mijn stukken te produceren, en dat verbreedde mijn horizon."

Ik wilde laten zien dat de regels die ons beheersen, zowel in de materiële als in de digitale wereld, niet koud of afstandelijk hoeven te zijn; alles is met elkaar verbonden: we zijn verbonden met andere levende wezens, met materie en de ruimte. Het digitale universum is niet veel anders; het is een verlengstuk van onszelf, dat nog sneller verandert en zich aanpast, maar onze aanwezigheid blijft er bestaan , merkte hij op.

In zijn schilderijen probeert Ernesto Ríos te spelen met ruimte. Zelfs in de indeling van de werken bootst hij het gevoel na dat je voor meerdere schermen zit. Ik geloof dat de ervaringen die we opdoen een verlengstuk van onze geest zijn. Net als een versleten potlood of een penseel, is de computer een onderdeel dat een verlengstuk van ons lichaam vertegenwoordigt .

Haar keramische werk is gemaakt met behulp van de Japanse raku-techniek, die sterk reflecterende materialen oplevert die lijken op metaal. "Ik wilde dat het publiek zou reflecteren op de verandering die klei ook ondergaat en hoe we het in een metaalachtige versie hebben veranderd. Ik denk dat klei een geweldige leermeester is die ons verbindt met onze oorsprong. Met name met keramiek: we komen uit de aarde, we transformeren die, en nu is onze omgeving gemaakt van metaal."

In sommige schilderijen, zoals de Wuhan Code , heb ik een deel van de genomische frequentie van het coronavirus geïnterpreteerd en gecombineerd met de codering van digitale virussen die grote schade hebben aangericht. Zo hebben we deze digitale ecosystemen gecreëerd, door ze ritmes, cadansen en ruimtes te geven. Onze taal als soort is zichtbaar in de digitale wereld.

Ik wil dat de kijker ook zijn of haar plek in dit moment analyseert: Wat doen we tijdens deze transitie van onze soort? Deze tentoonstelling heeft me geholpen om weer in contact te komen met mijn menselijkheid. Ik geloof dat we moeten terugkeren naar deze visie dat we geen landen zijn, maar één soort, en dat we in deze oorlogstijd, waarin we ons bestaan bedreigen, kunnen reflecteren op onze terugkeer naar de aarde en dat we er deel van uitmaken , concludeerde de kunstenaar.

Eirinet Gómez

La Jornada krant, donderdag 7 augustus 2025, p. 5

Schrijven is een emotioneel gevaarlijke baan, vooral als je een verhaal schrijft met wanhopige, hulpeloze personages op de rand van waanzin , aldus Berenice Andrade Medina, auteur van Nobody Remembers Their Own Death , een roman die de Mauricio Achar Random House Prize van 2024 won.

In een interview met La Jornada legde ze uit dat de grootste uitdaging van dit werk het beheersen van de symbolische lading en biografische elementen was die tijdens het creatieve proces naar voren kwamen. Hoewel het niet autobiografisch is, zoals bij veel debuutromans, komt het voort uit een heel persoonlijke ervaring, waarbij je je eigen emoties moet onderzoeken en ze moet durven uiten .

Hij herinnerde zich dat hij ooit een workshop volgde met de schrijver Martín Solares, auteur van Los minutos negros , die hem vertelde: "Je moet het wagen je eigen moeder te vermoorden . " Ik nam het heel serieus, en hoewel mijn moeder en mijn familie nog leven, zijn die van Gregoria dat niet meer .

Met zwarte humor verweeft Nobody Remembers Their Own Death de magisch-religieuze traditie van de landengte van Tehuantepec met de hedendaagse ervaring van psychische aandoeningen. Het verhaal wordt verteld over een familie getekend door verdriet, ziekte en onzichtbare erfenissen.

Het is het verhaal van Gregoria, wiens hele familie is gestorven, blijkbaar door een vloek, en ze begint zich door diezelfde kracht achtervolgd te voelen. Gedreven door twijfel probeert ze de psychiater te vertrouwen, die haar vertelt dat alles met medicijnen behandeld kan worden , legt Andrade Medina uit.

Maar haar overtuigingen, angst en haar weeskindschap drijven haar terug naar het stadje waar haar grootouders wonen om antwoorden te zoeken. Er is sprake van cognitieve dissonantie: ze weet niet of ze de wetenschap of haar diepgewortelde overtuigingen moet geloven , voegde ze eraan toe.

De landengte, en met name Reforma de Pineda in Oaxaca – waar de familie van moederskant van de auteur vandaan komt – speelde een sleutelrol in het verhaal. "Ik heb daar een jaar gewoond tijdens mijn jeugd. Het was onderdeel van mijn dagelijks leven om mijn grootmoeder een huipil en vlechten te zien dragen, om sones (liederen) te horen op festivals en om lokale tradities te ervaren. Dit alles heeft zich diep in mijn onderbewustzijn genesteld."

"Het was een natuurlijke vaardigheid om van daaruit te schrijven. Het was gemakkelijk voor mij om eigenschappen, talen, mondelinge tradities... op te pikken en te combineren met fantasiefiguren."

De roman wisselt tussen twee vertelstijlen. Ik gebruikte de eerste persoon om het gevoel van emotionele opsluiting van de hoofdpersoon over te brengen; ik wilde dat de lezer voelde wat er in haar lichaam en geest gebeurde. De derde persoon daarentegen stelde me in staat om de familiegeschiedenis te vertellen die aan haar voorafging en die haar naar het punt leidde waar de roman begint .

De auteur was van mening dat het tot leven brengen van Nobody Remembers Their Own Death gebaseerd was op dialogen, voordrachten en feedback van haar redacteur, Eloísa Nava.

Natuurlijk schrijft de auteur, maar anderen dragen met hun lectuur bij aan de constructie van het werk.

Met de publicatie van dit boek heeft hij naar eigen zeggen een symbolische kamer gecreëerd, waarvan hij hoopt dat deze een thuis wordt.