Sprache auswählen

German

Down Icon

Land auswählen

France

Down Icon

6 Keramiker, die ihre Kunst erneuern und denen man folgen sollte

6 Keramiker, die ihre Kunst erneuern und denen man folgen sollte

Keramik, ein einst vernachlässigtes Medium, erlebt ein großes Comeback. Die kühlen, aber nicht immer meisterhaften Neobaba-Kreationen werden heute durch die Anmut skulpturaler Entwürfe ersetzt, Werke von Künstlern mit scharfem Auge und ausgefeilter Technik.

Vielseitig, das Ergebnis einer komplexen Technik, aber oft auch des Zufalls, solide und zerbrechlich, flirtend mit Skulptur, Malerei, Design, eng verbunden mit der Geste, erlebt die künstlerische Keramik im Zeitalter der Digitalisierung ein neues goldenes Zeitalter. „ Heute tauchen Künstler auf, die sich diesem Bereich oft als Autodidakten nähern, ihre eigenen Techniken erfinden und ihre eigenen persönlichen Welten definieren“, sagt Florian Daguet-Besson, ein führender Galerist im Bereich des zeitgenössischen Schaffens. Generell erleben wir eine Rückkehr des Kunsthandwerks im Allgemeinen und der Keramik im Besonderen, die ein Bedürfnis nach Sinn verkörpert. Als ich etwa im Jahr 2021 mein Geschäft als Händler eröffnete, hatte ich keine Ahnung, wie unterschiedlich die Menschen sein würden, die von meinen Vorschlägen betroffen sein würden. Dies reicht von großen Kunstsammlern über Kunden von Galerien wie der von Kamel Mennour bis hin zu einem Netzwerk von Amateuren – denn es gibt Keramikfans! Leidenschaftliche Menschen, nicht unbedingt Milliardäre, aber mit großem Wissen über dieses Medium. Kürzlich kaufte mir beispielsweise eine Dame ihr Traumstück ab und bezahlte es mit zehn Schecks, die ich über zehn Monate hinweg einlöste . »

> Entdecken Sie die Gesamtheit von F, Art of Living

Der Markt hat sich daher strukturiert. Es gibt keine große Kunst- und Designgalerie, die nicht ihren Starkünstler hat: Johan Creten bei Emmanuel Perrotin , Agnès Debizet in der Galerie Gastou, Kristin McKirdy für den Belgier Pierre Marie Giraud. Seit zwei Jahren findet die Ceramic Brussels-Messe im Januar in Brüssel statt und war von Anfang an ein großer Erfolg. Keramik ist ein neues faszinierendes Thema und wimmelt von feurigen Vorschlägen. Und dennoch wurde sie lange Zeit als eine minderwertige Kunst angesehen... In der Antike mit der Bildhauerei in Verbindung gebracht (und davor mit prähistorischen Terrakotta-Idolen), wurde sie im Westen ab dem Mittelalter in die Kategorie des „ Kunsthandwerks “ verbannt. Sie beschränkt sich dann auf die Formgebung von Behältern: Schalen, Krüge, Tassen, Vasen … Ihr wird allenfalls der Status dekorativer Kunst zuerkannt. Während der Renaissance triumphierte Bernard Palissy (ca. 1510–1590) mit Wandtellern, die mit Fischen, Krustentieren, Muscheln und anderen naturalistischen manieristischen Motiven mit farbiger Glasur verziert waren. Erst zu Beginn des 20. Jahrhunderts erlangte die Keramik in den Händen moderner Künstler wie Pablo Picasso in Vallauris oder Fernand Léger in Biot ihren Status als Kunstmedium zurück. Das erste ist ausdrucksstarker Keramik zu verdanken, die mit Augenpaaren, Solarplatten und Vasen mit weiblichen Silhouetten verziert ist. Die zweite durch figürliche und farbenfrohe Flachreliefs. Picasso zeichnete direkt auf die Keramikstücke, bevor die Kunsthandwerker der Madoura-Werkstatt sie im Ofen brannten. Workshop, der auch die Produktionen von Fernand Léger ermöglichte…

JOHANNES NAGEL, FORMALE EXPERIMENTE. TOM DACHS
Der in Deutschland geborene große Techniker ist für seine einzigartigen Stücke berühmt, bei denen die Grenzen zwischen Gebrauchskeramik und Kunstobjekt verschwimmen. TOM DACHS

Auch wenn sie nicht alle technischen Aspekte beherrschten, erweckten die beiden großen Meister die Lust am Experimentieren auf einem Gebiet, das reich an Möglichkeiten ist, wieder zum Leben. Terrakotta-Objekte werden aus modelliertem Ton hergestellt, gedreht (eine lange Tonrolle auf sich selbst aufgerollt), gedreht oder geformt und dann bei 800 bis 900 °C gebrannt. Anschließend wird die Keramik glasiert oder emailliert. Malerei auf Porzellan, Engobe, Terrakotta, Steinzeug – die Verfahren sind so zahlreich wie die Stile.

Bis vor etwa fünfzehn Jahren war Keramik für viele eine Frage der Technik. Es waren die Gewandtheit beim Modellieren, die meisterhafte Beherrschung des Brennens und die Kunst der Glasuren, die die Herangehensweise eines Künstlers an den anderen kennzeichneten“ , fährt Florian Daguet-Bresson fort. „Um das Know-how zu beherrschen, musste man eine langwierige Ausbildung absolvieren und Schüler einer führenden Persönlichkeit sein, die einem ihre Herstellungsgeheimnisse verriet. Heute erleben wir eine unglaubliche Befreiung dieser Praxis. Nicht mehr so ​​sehr die Technik dominiert, sondern der Stil jedes Künstlers. Wir erleben das Aufkommen von Talenten, die das Ergebnis spontaner Entstehung sind.

MARJORIE WAKS, EIN ARCHITEKTONISCHER ANSATZ. Adel Slimane
Der Designer ist ausgebildeter Dekorateur und entwickelt ein äußerst grafisches Werk: turmartige Lampen und von Fenstern durchbrochene Vasen. sdp

Marjorie Waks wurde in Paris geboren und wollte ursprünglich eine Karriere als Dekorateurin anstreben. Sie absolvierte eine Ausbildung am Höheren Institut für Angewandte Kunst (LISAA) und arbeitete eine Zeit lang, bevor sie das Bedürfnis verspürte, sich freier auszudrücken. Mit gerade dreißig Jahren beginnt für sie ein neues Kapitel in ihrem Leben, geleitet von der Entdeckung eines neuen Mediums: Keramik. „ Ich habe angefangen, eine Schale aus selbsthärtendem Ton auf einer Töpferscheibe zu drehen, obwohl das Material für diese Art des Modellierens überhaupt nicht geeignet ist. Ich war anfangs Autodidakt, aber ich musste einfach anfangen! “, lacht die junge Frau. Marjorie Waks nahm dann an Kursen teil und verfeinerte ihre Praxis. Sie bevorzugt Sandstein, ihr bevorzugtes Material, dessen Textur sie zum Ausdruck bringt, indem sie sich für durchscheinende Glasuren entscheidet, um ein ultragrafisches Werk zu entwickeln. Zinnenbewehrte Schalen, Vasen mit Fensterausschnitten und glockenturmförmige Leuchten – seine streng strukturierten Stücke strahlen eine Poesie des Fremdartigen aus. „ Manchmal beginne ich mit einer Skizze, aber meistens nehmen meine Stücke mithilfe der AutoCAD-Software durch 3D-Synthese Gestalt an“, erklärt der Künstler. Die Verwendung dieser Techniken entspringt meiner Ausbildung im Design und ermöglicht es mir, die Gesamtarchitektur meiner Stücke zu definieren. Allerdings ist nichts jemals endgültig; erst wenn ich den Ton bearbeite, nehmen die Stücke ihre wahre Gestalt an . »

Mit ihren Händen, mithilfe von Schabern, Kratzern und Extrudern, erzeugt sie die Beleuchtungen von Erdstreifen, die Schlieren und die Tage, die Teil ihres formalen Vokabulars sind. „ Ich bin von Natur aus sehr organisiert und verspüre das Bedürfnis, mir selbst einen Rahmen zu setzen, um voranzukommen. Meine Wiederholungen von Mustern, meine Ordnungen, tragen zu einer Art Beruhigung bei. Aus dem Wunsch heraus, ein Universum zu definieren, über das ich eine gewisse Kontrolle ausübe, befinde ich mich, so strukturiert meine Werke auch sein mögen, in einem Zustand völligen Loslassens, wenn ich sie gestalte. “ Wie Yoga oder Meditation entspricht diese intime und gemeinsame Rückkehr zur Erde für viele Künstler einer Form der Rückkehr zu den Quellen, zu einer greifbaren Schöpfung, die mit den Händen im Material arbeitet. Es ist eine Möglichkeit zum Sehen, Berühren, Gestalten … ein Gegenmittel zum Touchscreen.

Lesen Sie auch Sintra, die neue Hauptstadt der antiken Keramik

EMMANUEL BOOS, DIE KUNST DER GLASUR. Sebastian Weindel
Der in Deutschland ansässige französische Künstler und Spezialist für Emaille entwirft Keramikobjekte, Möbelfronten und Tischplatten wie träge geometrische Skulpturen. Mit freundlicher Genehmigung des Künstlers und der Galerie Jousse Entreprise

Die Technologie hat sich deutlich vereinfacht, und das ist bahnbrechend. Früher musste man den Teig vorbereiten, heute bestellt man ihn einfach online“ , bemerkt Florian Daguet-Bresson. „ Von den Farben ganz zu schweigen! » In der traditionellen Keramik werden die Farbtöne durch natürliche Materialien und Brenntechniken bestimmt: Weiß durch die Verwendung von Kaolin, Braun durch gebrannten Ton, Gelb durch die Zugabe von ockerfarbener Erde – reich an Eisenoxid und Kieselsäure –, Blau durch Kobalt- oder Lapislazuli-Pigmente… Die faszinierenden, samtigen oder fluoreszierenden Texturen der fantastischen Skulpturen der Künstlerin Claire Lindner – allesamt Verflechtungen, Knoten und Flammen – werden mit einer Pistole aufgesprüht. Auch die Brenntechniken werden vielfältiger, beispielsweise durch den Einsatz von Niedertemperaturöfen oder die Optimierung des Hochtemperaturbackens dank Wärmekontrolltechnologien, die den Energieverbrauch reduzieren und neue Textur- und Farbeffekte erzielen. Die Zubereitung in modifizierter Atmosphäre – Rauch, Sauerstoffmangel – ermöglicht interessante Oberflächen wie raue Oberflächen oder unregelmäßige Farben. Ganz zu schweigen von der zunehmend verbreiteten Verwendung von 3D-Drucksoftware zum schichtweisen Aufbau von Objekten mit komplexen Designs, die mit herkömmlichen Modellierungsmethoden nur schwer zu erreichen sind.

JONGJIN PARK, EINE MEDITATIVE POESIE. sdp
Charakteristisch für die Werke des Koreaners sind die vollkommen regelmäßigen Überlagerungen farbiger Linien und subtile chromatische Lautstärkevariationen. Ihr Studio

Jedes Talent erfindet seine eigenen Methoden “, betont Florian Daguet-Bresson. Die Arbeit von Jongjin Park ist akribisch, originell und verstörend und basiert auf einem meditativen Ansatz. Der koreanische Künstler tränkt Papierblätter nacheinander mit einer farbigen Keramikpaste, die er schichtweise aufträgt und anschließend trocknen lässt. Unglaublich langsame Arbeit. Sobald er mit dem Aufstapeln fertig ist, schiebt er es in den Ofen. Der Ton wird beim Brennen freigesetzt, während die Papierblätter für immer verschwinden, als ob sie verdunstet wären. » Das Ergebnis sind Überlagerungen extrem feiner Farblinien in einer zarten Pastellpalette, die sowohl Stärke als auch Zerbrechlichkeit ausstrahlen. Die zeitgenössische Keramik nähert sich immer mehr dem Bereich der Bildhauerei an und ihre Schöpfer erlangen den Status eines Künstlers. Doch paradoxerweise interessieren sich viele Talente nicht mehr nur für Vasen, Schalen und andere Behälter, sondern auch für dekorative Dinge.

Lesen Sie auch : „Es ist die schönste und vollständigste Privatsammlung“: 250 Ruelland-Keramiken von Cristina Cordula verkauft

OLIVIA COGNET, EINE DEKORATIVE DYNAMIK. Florian Touzet
Sie erlaubt es sich, alle Typologien und Maßstäbe zu erkunden, ob Panoramawände oder Spiegel, Lampenskulpturen, Tische, Stühle … Eine lebendige Schönheit im Dienste des Alltags. sdp

Nach einer Kindheit in Nizza an der Côte d'Azur und einer anschließenden Karriere in der Modebranche in Paris begann Olivia Cognet in Los Angeles das Tonmodellieren zu erlernen. Sie kehrte in ihre Heimat, den Süden, zurück, um dort als künstlerische Keramikerin zu arbeiten. „ Meine Arbeit entstand aus der Lust am Entdecken “, gibt die junge Frau zu. Ich wollte mich nicht auf Dekorationsobjekte oder traditionelle Möbel beschränken. Schon bald wollte ich meine Stücke in den architektonischen Raum integrieren und mit Größenverhältnissen spielen. Wandmalereien ermöglichen beispielsweise einen direkten Dialog mit dem Gebäude. Lampen verleihen dem Licht eine vibrierende Dimension. Tische, Spiegel und Statuen wiederum spiegeln diesen Wunsch wider, Alltagsgegenstände als lebendige, skulpturale Formen neu zu interpretieren, die jedoch im Gebrauch verankert sind. Ich möchte die Grenzen der Keramik erweitern und Brücken zwischen Kunst, Möbeln und Architektur schlagen. Der monumentale Maßstab ist für mich eine wahre Errungenschaft. In meiner Werkstatt fertigen wir gerade einen Kamin, einen Swimmingpool und einen acht Meter hohen Keramikleuchter! » Olivia Cognet verzichtet auf Steinzeug und verwendet stattdessen Wolle. Im Atelier Février hat sie kürzlich sogar einen Teppich namens „ Fresque “ entworfen, der ihre grafische Sprache aufgreift und fließende Formen, monumentale Volumen und ziselierte Details abwechselt.

MAXIMILIEN PELLET, MALER DER ERDE. sdp
Als Absolvent der École des Arts Décoratifs in Paris im Jahr 2014 kreiert er grafische Flachreliefs aus glasierter Keramik, die sowohl einen poppigen als auch einen modernistischen Geist aufweisen. Romain Darnaud

Ein anderer Ansatz ist der von Maximilien Pellet, der mit Ton malt. In seinem Atelier in Fontenay-sous-Bois, einem Vorort von Paris, schafft der junge Künstler seine Lackbilder. „ Schon bald interessierte ich mich für den lange verachteten Begriff des Dekors. Ich versuche, diesen Zwischenbereich zwischen Kunst und angewandter Kunst zu erkunden, der mir aufgrund seiner Unformatiertheit viele Möglichkeiten bietet“, versichert der junge Künstler. Meine Arbeiten sind sowohl naiv als auch skulptural, figurativ, aber am Rande der Abstraktion. Ich schaffe grafische Bilder mit minimalistischen Farben, die durch das Lichtspiel auf der Oberfläche glänzender Keramikfliesen zum Leben erwachen.

Maximilien Pellet wurde 1991 in Paris geboren und schloss 2014 sein Studium an der École des Arts Décoratifs de Paris ab. Seine Ausbildung im Bereich der gedruckten Bilder erklärt, wie leicht es ihm fällt, seine Visionen durch Siebdruck, Gravur und Keramik zum Ausdruck zu bringen – mittlerweile sein bevorzugtes Medium. „ Diese vielfältige Renaissance der künstlerischen Keramik zeichnet sich überall auf der Welt ab“, betont Florian Daguet-Bresson. Die Talentpools liegen in Frankreich, den USA, Japan und für viele auch in Korea. England liegt nicht weit dahinter, ist aber noch immer von einer isolierten Ästhetik geprägt; die Produktion beschränkt sich noch immer auf recht klassische Behälter wie Vasen, Schalen, Teller usw.

Mehr als die formale Recherche interessieren unsere Nachbarn auf der anderen Seite des Kanals die Motive – oft erzählend und mit einem Hauch Punk – wie etwa die des Künstlers Gayton Perry, der die Verarmung infolge des Brexit anprangert. „ Abgesehen vom postmodernen Zwischenspiel der 1980er Jahre mit den farbenfrohen und schillernden Entwürfen italienischer Künstler wie Ettore Sottsass hatten mehrere Generationen von Keramikern Schwierigkeiten, sich von der Haltung der „Baba Cool Seventies“ zu lösen, die nur aus organischen und skulpturalen Formen, rohen und strukturierten Oberflächen, dicken Glasuren und matten Finishes bestand“, bedauert Florian Daguet-Bresson. „Dieser Ansatz hielt lange an, bis zum Ende der 1990er Jahre. Erst in den letzten zehn Jahren ist ein Revival zu verzeichnen. Ich kann diese lange Zeit des Status Quo nicht wirklich erklären. Aber in der Geschichte der Kunst und der angewandten Künste blühen Talente oft in Sträußen auf. Irgendwann. Zur richtigen Zeit. JETZT.

lefigaro

lefigaro

Ähnliche Nachrichten

Alle News
Animated ArrowAnimated ArrowAnimated Arrow

Unsere Website verwendet Cookies im Rahmen der KVKK und der DSGVO, um Ihr Erlebnis zu verbessern. Für detaillierte Informationen klicken Sie hier. Indem Sie unsere Website nutzen, akzeptieren Sie Cookies.