El eternamente joven británico: David Hockney celebra la vida y su arte

Un cielo azul acero sin nubes, un bungalow minimalista de poca altura, dos palmeras junto a él, y en primer plano el agua azul verdosa de una piscina con trampolín. La escena pintada está desierta, pero el chapoteo y la espuma del agua lo dejan claro: alguien acaba de entrar y sumergirse en el agua fresca.

La pintura de 1967 "Un chapuzón más grande" y otras escenas junto a la piscina lo hicieron famoso, incluso popular. Ahora, el pintor David Hockney nos recuerda que está lejos de serlo: con una gran exposición en la Fundación Louis Vuitton de París.

El británico, nacido en 1937 en Bradford (West Yorkshire), cerca de Leeds, recibió carta blanca de la institución cultural ubicada en las afueras del Bois de Boulogne para presentar una sorpresa tras otra en nada menos que cuatro plantas de su espectacular edificio Frank Gehry. Desde el sótano hasta la azotea, Hockney, de 88 años, exhibirá obras que abarcan siete décadas, pero principalmente su obra más reciente, en once salas, a veces enormes.

La muestra supera todas las exposiciones anteriores del artista, al menos en escala. La prensa francesa la elogia a raudales, y la BBC lucha por mantener su compostura británica. Sin embargo, la mejor publicidad proviene de la administración del metro de París, que suele gustar de la publicidad.

Ahora, en cambio, su rechazo al diseño del cartel presentado está en los titulares: una foto del artista fumando frente a un autorretrato con un cigarrillo encendido. Según se dice, a Hockney, un fumador apasionado, una especie de Helmut Schmidt del arte, no le hace ninguna gracia esta reacción en la patria de los Gauloises y los Gitanes.

Hockney ya luchaba contra la intolerancia antes de que existiera el progresismo. El artista, eternamente joven, a menudo vestido con colores vibrantes y amante de la vida, recibe a los visitantes en la fachada con el lema de neón "Recuerden, no pueden cancelar la primavera". El lema "Recuerden, no pueden cancelar la primavera" es el de un hedonista que se hizo famoso en Londres durante los vibrantes años sesenta.

Como pintor activista, incluso antes de que se popularizara el término "salir del armario", Hockney demostró lo que era personalmente importante para él. Abordó sutil pero claramente el homoerotismo y la homosexualidad en 1961 con "We Two Boys Together Clinging" y en 1963 con "Two Men in a Shower".

Aunque la extensa exposición "David Hockney 25" no se concibe como una retrospectiva, se centra en obras de los últimos 25 años. Gracias en parte al apoyo de los experimentados curadores Suzanne Pagé y Sir Norman Rosenthal, reúne 400 obras: pinturas y dibujos, creados tradicionalmente con pincel, paleta y pluma, así como obras creadas en ordenador o tableta, e instalaciones de vídeo.

Desde el principio, Hockney no fue un gran aficionado a la abstracción. Aunque, o quizás precisamente porque, era popular en la década de 1950, pintó a su padre en 1955 con un estilo figurativo, moderadamente modernista, usando negro, marrón y beige. Una escena callejera sombría en 1956 parece decididamente más deprimente. Estudiante de la escuela de arte local en Bradford, se trasladó al Royal College of Art de Londres en 1959 y comenzó a añadir más luz y color a sus escenas de figuras, así como a incorporar patrones de tela. En aquella época, todavía usaba pintura al óleo, pero rápidamente la sustituyó por la acrílica.

Del mismo modo, cambia su lugar de residencia, viviendo varios años en Los Ángeles, luego en París, más tarde en la parte oriental de su Yorkshire natal, y finalmente en Normandía, antes de establecerse en Londres en 2023. Las grandes ciudades con sus museos le han presentado el arte antiguo de varias épocas y lo han inspirado a diálogos con famosos maestros, mientras que los paisajes de los EE. UU., Inglaterra y Francia le han revelado la naturaleza y sus encantos a veces simples.

Aunque también se exhiben numerosos retratos y bodegones, la exposición se centra en los paisajes. En una sala, la iluminación se atenúa para permitir que una serie de escenas nocturnas cobren protagonismo bajo la brillante luz de la luna. Hockney se muestra visible y genuinamente fascinado, sobre todo, por los campos con almiares, senderos torcidos y caminos rurales sinuosos; representa árboles nudosos en invierno, floreciendo en primavera y dando frutos, como peras, en otoño. Su elección de encuadre y perspectiva es impactante. Desde la distancia, Monet y el impresionismo resuenan, pero en las pinturas con mayor intensidad cromática, es sobre todo el último Bonnard.

Sus explosiones de color reflejan una alegría de vivir pura, y en muchos casos incluso humor. Su versatilidad es notable y su creatividad adquiere constantemente nuevas dimensiones. El asombro nunca disminuye, sobre todo porque Hockney siempre ha estado interesado en los nuevos medios electrónicos y ha aportado numerosas respuestas a la pregunta de cómo utilizarlos. Así, pinturas clásicas se alternan inesperadamente con pantallas que muestran imágenes en movimiento, documentando la creación de una obra.

“La Lluvia” es un vídeo en bucle continuo: frente a un paisaje pintado, trazos rápidos y densamente colocados imitan constantemente las gotas que caen de un fuerte aguacero, como si lo estuviéramos viendo caer desde una ventana.

A Hockney le encanta el ilusionismo y jugar con una imagen dentro de otra, lo que técnicamente se conoce como «mise-en-abyme». En una obra, por ejemplo, contemplamos una habitación llena de sillas y gente, donde un espejo del tamaño de una pared lo refleja todo. A su vez, refracta, multiplica y repite imágenes mediante disposiciones expansivas: paneles o pantallas estrechamente yuxtapuestos, por ejemplo, en tres amplias franjas de seis imágenes cada una.

Aunque la dramaturgia del espectáculo se basa en elementos sorpresa, el final sigue impactando al espectador, concretamente cuando Hockney lo invita a una sala oscura llena de proyecciones y sonidos. Las imágenes en movimiento con música de Puccini, Wagner y Richard Strauss, por ejemplo, se inspiran en sus décadas de trabajo con escenografía, que comenzó en 1975 con su trabajo en una producción de "El progreso del libertino" de Stravinsky. "Necesitamos más ópera", declara, "es más grande que la vida misma".

La exposición más reciente data de principios de este año: el autorretrato con una imagen dentro de otra imagen, que se aprecia en el incriminatorio diseño del póster fotográfico. Muestra al pintor sentado en un rincón de un jardín, con gafas amarillas sobre la nariz, un bolígrafo en una mano y un cigarrillo en la otra. Vestido con camisa blanca, corbata roja y traje estampado amarillo y rojo, Hockney luce en la solapa el botón de "Adiós al mando pronto".

“David Hockney 25”, Fondation Louis Vuitton, París, hasta el 31 de agosto, catálogo 49,90 euros.