Vienne, Berlin ou Amsterdam : quel est le meilleur orchestre du monde ?

Dans la culture comme dans le sport, le désir de superlatifs est omniprésent : qui est le pianiste le plus virtuose, qui est le chanteur le plus convaincant, quels ensembles dominent les grands concerts des plus grands orchestres internationaux ? Ces questions ont un côté ludique, car chacun sait que ces classements ne sont que des instantanés et que les préférences, les influences précoces, les modes et les traditions jouent également un rôle dans les réponses.

De plus, les comparaisons sont généralement difficiles, car les candidats au titre honorifique de Meilleur Artiste ou de Meilleur Ensemble se produisent rarement dans la même salle et à proximité. Au Festival de Lucerne, en revanche, c'est exactement ce qui se passe chaque été ; la compétition entre les meilleurs artistes est un événement régulier depuis des années. Ainsi, dans la salle de concert du KKL, vous pourrez vraiment décider, l'oreille tendue, qui mérite la couronne.

La semaine dernière, trois des plus grands orchestres européens se sont succédé au KKL. Tous trois sont régulièrement cités comme prétendants au trône dans les sondages des magazines spécialisés et dans les discussions entre spectateurs.

À Lucerne, le programme a débuté avec l'Orchestre du Concertgebouw d'Amsterdam, qui a donné deux concerts avec son futur directeur musical, Klaus Mäkelä – le Finlandais de moins de trente ans est considéré comme une étoile montante du milieu. L'Orchestre philharmonique de Berlin a ensuite donné deux soirées sous la direction de son chef actuel, Kirill Petrenko, qui a depuis longtemps quitté l'ombre de ses illustres prédécesseurs, Simon Rattle et Claudio Abbado. Enfin, l'Orchestre philharmonique de Vienne a également présenté deux programmes où l'orchestre, traditionnellement sans chef principal permanent, a collaboré avec Franz Welser-Möst, ancien directeur musical de l'Opéra de Zurich.

Le cadre des six concerts est strictement classique ; il n'y a ni format innovant ni expérimentation. On pourrait critiquer cela, mais dans l'atmosphère d'altitude de ces concerts, cela paraît hors de propos ; dans le cadre de ce qui a fait ses preuves, il s'agit d'affinements finaux. Et c'est précisément la comparabilité de cette constellation qui confère à la rencontre au sommet des meilleurs orchestres du Festival de Lucerne son attrait particulier.

Alors, quel est actuellement le meilleur orchestre du monde ?

Si la tradition et la culture sonore étaient les seules considérations, le choix se porterait rapidement entre Amsterdam et Vienne. Le Concertgebouw enchante par sa sonorité sombre, terreuse et chaleureuse ; on y perçoit encore une grande partie de ce que l'on appelle le son mixte de l'époque romantique, où tous les instruments se fondent harmonieusement tout en restant reconnaissables comme des accents de couleur individuels. Après des périodes de faiblesse ces dernières années, durant lesquelles l'orchestre phare des Pays-Bas a menacé de perdre précisément cette esthétique sonore caractéristique, il a aujourd'hui renoué avec sa tradition de jeu originelle. Sous la direction de Mäkelä, l'orchestre joue également avec une précision technique nettement accrue.

À Lucerne, l'ensemble d'Amsterdam retrouvera un ensemble qui réunit toutes ces qualités – et une autre, essentielle : la sonorité des cordes, lumineuse et ronde, unique en son genre, de l'Orchestre philharmonique de Vienne, qui demeure la référence parmi les orchestres symphoniques classiques. Ce n'est pas un hasard, car ses membres disposent d'un vivier d'instruments particulièrement précieux. Au KKL, cette qualité sonore est illustrée par l'interprétation de la Neuvième Symphonie d'Anton Bruckner. Même dans les passages les plus intenses, Franz Welser-Möst maintient un équilibre entre les cuivres et les violons, très sollicités, évitant ainsi le bourdonnement monochromatique redouté des orchestres moins importants, surtout avec Bruckner.

En revanche, la sonorité globale de l'orchestre berlinois paraît plus neutre, moins saturée par la tradition historique. On perçoit comment l'orchestre d'élite allemand a été peaufiné avec précision par Simon Rattle, puis par Petrenko. Le prix à payer est une certaine froideur et une certaine compacité sonore, qui rendent parfois le tutti concentré plus dur. Cependant, l'interprétation de la 9e Symphonie de Gustav Mahler révèle également le calibre exceptionnel des musiciens, dont beaucoup, comme le flûtiste genevois Emmanuel Pahud, poursuivent également une carrière de soliste. Tous les problèmes techniques passent au second plan ; ils semblent presque inexistants, même dans le jeu d'ensemble exceptionnellement subtil – et cela est très important, surtout au vu des partitions extrêmement exigeantes de Mahler.

Dans la Neuvième, comme dans la Première de Brahms la veille, cela donne lieu à un phénomène fascinant : au lieu de se débattre avec les difficultés du matériau, comme on l’entend parfois au Concertgebouw dans la lecture méticuleuse de la Cinquième de Mahler par Mäkelä, les Berlinois parviennent à se concentrer à chaque instant sur les nuances les plus subtiles de l’expression. Rien ici ne semble superficiellement chargé de passion romantique ; au contraire, l’émotion est savamment dosée et ainsi sublimée. Il en résulte une plus grande cohérence, un sentiment de ceci et de rien d’autre, qui ne risque pourtant jamais de se figer dans la beauté ; car un flux d’énergie vibrant est toujours palpable, animant chaque mesure.

Le violoniste suisse Christoph Streuli, membre des seconds violons, a expliqué la nature de cette énergie particulière lors d'une conférence éclairante après le concert au KKL : « L'Orchestre philharmonique de Berlin, avec son acoustique moderne, exige un effort plus intense pour faire ressortir les détails avec une précision éclatante que les salles historiques tout aussi célèbres de ses concurrents, le Concertgebouw et la Salle dorée du Musikverein de Vienne. Ces deux salles sont considérées comme des exemples parfaits d'une acoustique façonnée par l'idéal sonore romantique mentionné précédemment. Selon Streuli, cela garantit une musique très vivante et riche en substance ; c'est pourquoi, contrairement à l'Orchestre philharmonique de Berlin, une certaine retenue s'impose même ici. »

Ce conseil pratique explique peut-être l'effet quelque peu contradictoire des deux apparitions de l'Orchestre philharmonique de Vienne. Si la Neuvième de Bruckner et la Suite « Lulu » d'Alban Berg bénéficièrent de la sérénité et de la transparence naturelle de la sonorité orchestrale colorée le premier soir, la retenue fut exagérée le lendemain.

« Prague » de Mozart est ici figé de beauté, tel un objet de musée dans une vitrine. On parle trop peu de la proximité de Mozart avec la scène, le chant et son talent de composition incessamment inventif. Cela peut aussi s'expliquer par le fait que les Viennois hésitent encore à adopter les innovations issues de la pratique musicale historique, comme l'affinement de l'articulation ou la formulation rhétorique des phrases. C'est une pratique courante depuis des décennies, et pas seulement dans les ensembles de musique d'époque ; des formations comme l'Orchestre de la Tonhalle de Zurich ont depuis longtemps adopté ces évolutions stylistiques, entre autres. Le style mozartien viennois, autrefois célèbre, paraît à peine digne en comparaison ; il est devenu désuet.

L'interprétation viennoise de la « Symphonie pathologique » de Tchaïkovski mérite en revanche d'être discutée : Welser-Möst allège la pression exercée sur cette œuvre hautement autobiographique, dans laquelle, selon une interprétation courante, Tchaïkovski anticipait sa mort mystérieuse quelques jours seulement après la création. Ce contexte pèse parfois lourdement sur l'œuvre. Welser-Möst privilégie donc un ton plus pragmatique, présentant l'œuvre avec une clarté formelle et une sérénité quasi classique. Les moments clés, comme le battement de cœur qui s'estompe à la fin, sont néanmoins très éloquents.

Mais c'est aussi là que la différence fondamentale avec le concours berlinois devient palpable : alors que, surtout chez Mahler, chaque détail rayonne d'une passion intérieure, les Viennois semblent indifférents à leur propre jeu musical. On a parfois presque l'impression de se regarder jouer – peu d'orchestres possèdent la maîtrise technique nécessaire. Mais cette approche ne permet pas de pénétrer le cœur émotionnel de la musique. C'est donc, au final, Berlin qui remporte le concours lucernois entre les meilleurs ensembles.