Kalorama, giorno 3: dal leggero Damiano alla regina Jorja

"Una scommessa vincente". Questa è stata l'espressione usata dall'organizzazione del MEO Kalorama per definire la decisione di mettere Damiano David come headliner per chiudere questa edizione. E la verità è che questo sabato è stato chiaramente il giorno più popolare del festival, ma sembra essere di scarsa consolazione quando è diventato chiaro quanto vuoto fosse il Parque da Bela Vista durante l'evento (l'organizzazione, finora, non ha confermato i numeri, ma ha affermato che nel 2026 l'evento dovrebbe tornare alle sue date originali, ovvero a fine agosto ). Tornando a Damiano David, che ha chiuso le attività, il cantante italiano ha radunato una folla e ha fatto tutto ciò che ci si aspettava da lui, ma quello che ha presentato – creativamente parlando – è stato un insieme di banalità.

Lasciando in pausa la band che lo aveva portato al successo, i Måneskin, David ha dichiarato sul palco del MEO che ciò che lo ha ispirato a dedicarsi al pop rock è stata la necessità di rivelare parti di sé impossibili da esprimere in altro modo, soprattutto dopo aver attraversato un periodo difficile. Ora, ogni esperienza è soggettiva e ognuno è libero di esprimersi come preferisce, ma è sorprendente che la sua soluzione sia stata quella di liberarsi dai suoi demoni e dalle sue paure – Funny Little Fears è il titolo del suo album di debutto da solista – con una raccolta del pop più generico che ci sia passato per le orecchie negli ultimi tempi.

Non c'è niente di sbagliato nella loro musica, e la loro performance dal vivo ne è la prova: la band era anonimamente professionale e sia David che i coristi erano impeccabili, dall'apertura di The First Time alle note finali di Solitude . Ma non c'è nemmeno niente di notevole o memorabile: ogni canzone sembra essere stata elaborata da una torta algoritmica delle hit radiofoniche più commerciali degli ultimi 40 anni, senza alcun estro o audacia. Nel brevissimo campione che ha portato a Kalorama – letteralmente, visto che il concerto è durato meno di 50 minuti – tre delle canzoni avevano esattamente lo stesso aumento di ottava nell'ultimo ritornello, sintomo della stessa formula logora.

È ovvio che il pop esista come un remix permanente e che continui a rivangare il passato per sopravvivere, ma c'è un motivo per cui una Charli XCX o una Chappell Roan conquistano un posto al sole mentre una Rita Ora o una Ava Max no: freschezza, novità, carisma. Nel tentativo di essere un Harry Styles italiano, Damiano David finisce per essere un Benson Boone, anche solo per il modo sfacciato in cui cerca di imitare lo stile del rock & roll degli anni '50 e '60 in Tango e Zombie Lady , parodie al punto che nel primo si sentono persino gli "shooby-doo".

Che piacciano o meno i Måneskin, ha una personalità che qui è completamente assente, con David che la rivela solo quando parla al pubblico – anche se è per ripetere la battuta di indossare la maglia della nazionale che aveva già fatto al Super Bock Super Rock nel 2024 con la band romana. Non sorprende quindi che i momenti salienti del concerto, a parte Born with a Broken Heart – il suo singolo di maggior successo e, sì, una spanna sopra – siano state due versioni: Nothing Breaks Like a Heart , originariamente di Mark Ronson con Miley Cyrus, e Too Sweet , di Hozier. È stata la prova più grande che è un grande performer, gli mancano solo le canzoni.

Nonostante questa analisi, la verità è che il pubblico presente per vederlo – alcuni avevano già prenotato i posti fin dall'apertura del festival – se n'è andato soddisfatto di ciò che aveva visto, anche se insoddisfatto. "Non andate via nessuno, perché non glielo permetterò. Sono qui dalle quattro del pomeriggio", ha esclamato un fan quando il cantante ha annunciato che si stava dirigendo verso l'ultima canzone. Ciononostante, con il pubblico in pugno, ha sentito il bisogno di mettersi sulla difensiva. "Molti mi danno fastidio perché non sono abbastanza rock. Li odio. Suono quello che voglio, quindi fregatene", ha detto, senza capire che il problema non è non essere rock; è essere troppo mediocri.

Se il sospetto è che l'italiano sia stato responsabile della vendita di molti dei biglietti per questa giornata, lo stesso non vale per Royel Otis , ma il duo australiano composto dai chitarristi Royel Maddell e Otis Pavlovic (che si esibiscono dal vivo con una formazione allargata, con batteria e tastiere) ha messo in scena uno spettacolo competente che ha adempiuto allo scopo di intrattenere i fan degli headliner. In mezzo alla folla curiosa, uno o l'altro fan esperto cantava le canzoni, in particolare dall'album Pratts & Pain (2024), l'unico album completo di questa giovane band.

Sebbene il sound fosse un po' fuori luogo in questo giorno di festival, Royel Otis propone un pop rock alternativo – con accenni di post-punk o psichedelia – con ritornelli orecchiabili che invitano a essere cantati all'unisono. Pur essendo un po' generico, è un brano melodicamente orecchiabile, perfetto per un festival, che scatena e fa ondeggiare il corpo.

Tra i brani di Pratts & Pain e gli EP presenti nella loro playlist, hanno eseguito anche due versioni che hanno fatto reagire il pubblico – "Murder on the Dancefloor" di Sophie Ellis-Bextor e " Linger " dei Cranberries – e sono stati efficaci nel provocare il pubblico. Forse non è il modo migliore per conquistare i fan, ma è un trucco che funziona bene quanto qualsiasi altro in un'esibizione a un festival.

In netto contrasto con Damiano David, nel concerto precedente, sullo stesso palco, Jorja Smith ha dimostrato di essere troppo talentuosa per essere una figura secondaria, dopo essere stata relegata a tale status al suo ritorno nel 2019 e nel 2022 – e in entrambe le occasioni, ha regnato sovrana nei giorni in cui si è esibita. Non è stato diverso qui, sebbene possa essere stata un po', o per niente, al di sotto delle aspettative. Che fosse stata inghiottita dalla strumentazione quando ha toccato le note più basse all'inizio dell'esibizione (a causa di un microfono con volume troppo basso), o che l'abito le avesse causato un certo disagio durante l'esibizione, ci sono stati momenti in cui sembrava non essere completamente presente. Ci sono stati pochi momenti come questo, sufficienti a macchiare, ma non abbastanza da impedirle di offrire uno dei migliori concerti dell'intero festival.

Una delle più grandi voci contemporanee dell'R&B britannico, Smith potrebbe essere una sorta di Yin allo Yang che era FKA Twigs la sera prima . Mentre quest'ultima presenta uno spettacolo ricco di coreografie e oggetti di scena e ha un approccio più avanguardistico al genere, la prima è molto più classica, accompagnata da una band e coriste vecchio stile, e con la presenza di una musa greca scolpita a sud del Mediterraneo. La sua musica, sebbene non altrettanto futuristica, non è ancora una rivisitazione di suoni del passato. C'è soft funk in Where Did I Go?, hip-hop old school in Blue Nights - uno dei suoi primi successi, cantato da molti tra il pubblico -, ritmo afrobeat in Feelings e profumo giamaicano nella dancehall di Come Over .

La disparità di generi, tuttavia, è guidata da Jorja Smith, una voce con tanta potenza quanto finezza, che gestisce in modo sublime: abbiamo l'impressione che potrebbe urlare per un'ora senza troppa fatica, ma non solo non ne ha bisogno, ma è proprio negli alti e bassi di tono che apprezziamo i suoi cambiamenti. E se parliamo di varietà, cosa possiamo dire di The Way I Love You , un'improvvisa virata verso la linea di basso, un vero banger che merita di infiammare le piste da ballo? La cosa più impressionante è che non si distingue dal resto, anche per la capacità dei suoi musicisti di usare sintetizzatori analogici, in particolare il duo batterista/percussionista.

Da quel brano in poi, il pubblico è rimasto a bocca aperta, seguito da altri brani di alta qualità, come Teenage Fantasy, che inizia con un potente brano a cappella, e Be Honest, quest'ultimo senza Burna Boy (che era stato al festival l'anno prima ), che è stato ben sostituito dai coristi. On My Mind ha nuovamente provocato un canto diffuso, prima che Little Things , con i suoi bassi sinuosi e il ritmo garage britannico, si concludesse in grande stile.

Prima di allora, la giornata al Parque da Bela Vista è iniziata con nuove incursioni nel jazz, mescolando il genere – e sfruttando lo spirito libero e inventivo di questa musica – con elementi provenienti da altri ambiti sonori. Gli Yakuza di Lisbona hanno aperto la strada con la loro frenesia musicale, un jazz intriso di rock and roll che attinge anche all'elettronica. Musica ispirata al trambusto urbano di Penha de França e Picheleira, quartieri della capitale da cui provengono. Per presentare il secondo album del gruppo, uscito lo scorso anno.

Un'ora dopo, erano in prima fila sullo stesso palco ad accogliere i canadesi BadBadNotGood, che sarebbero stati i protagonisti di un tramonto lussureggiante. Alla loro quinta visita in Portogallo – l'ultima, poco più di un anno fa, si era tenuta all'Aula Magna – anche questa band porta il jazz su nuove strade – e noi ci uniamo a loro. "Vi porteremo in un viaggio", hanno detto al pubblico, mostrando cosa stavano facendo.

Mentre dietro le quinte venivano proiettate immagini dal vivo su nastro da 16 mm, che mostravano sia paesaggi analogici sia forme astratte di diversi colori e dimensioni, i BadBadNotGood hanno iniziato un viaggio sensoriale (a volte spaziale, poiché è stata menzionata l'ispirazione dalla cultura fantascientifica) che ha toccato temi tratti dai vari album del loro portfolio.

In un'epoca di stimoli continui e di capacità di attenzione ridotte, è piacevole assistere a un concerto che può assumere una piega più contemplativa o rivelare un lato più ballabile – dato che questa musica è calda, pur provenendo dal Canada – ma si tratta sempre (e solo) di musica. Chitarra, basso, sassofono, tromba, batteria, percussioni, tastiere che racchiudono mondi interi e uno strumento peculiare chiamato EVI (o Electronic Valve Instrument), che ha avuto anch'esso un ruolo di primo piano e ha apportato strati distintivi al concerto.

Un altro aspetto positivo di questa esperienza concertistica è che non è necessario conoscere le composizioni dei BadBadNotGood per apprezzarle appieno. L'idea non è riconoscere quel ritornello orecchiabile (perché non ce ne sono) o i messaggi concettuali che gli artisti cercano di trasmettere sul palco. Non servono conoscenze pregresse o contesto per apprezzare i paesaggi sonori creati dal vivo da questa mezza dozzina di musicisti; e la predisposizione del pubblico all'ascolto di musica nuova (e sconosciuta) sembra essere più aperta quando si tratta di brani strumentali.

Qua e là, il batterista Alexander Sowinski — uno dei membri ufficiali del gruppo, insieme al bassista Chester Hansen e al chitarrista/sassofonista Leland Whitty — comunicava con il pubblico, incoraggiando la celebrazione e gli applausi. Oltre ai loro brani originali, hanno reso omaggio a due dei più grandi nomi del mondo del jazz e del soul scomparsi quest'anno. Family Affair , di Sly & The Family Stone ; ed Everybody Loves the Sunshine , di Roy Ayers , sono state reinterpretate nello stile di BadBadNotGood. "Portogallo, grazie per il tuo sole oggi", ha concluso Sowinski, invocando anche un mondo con "meno stronzate", con "persone empatiche e belle", e gridando "libertà per la Palestina!"

Quest'ultima frase non sarebbe stata accolta con favore al concerto di Noga Erez . Chiariamo una cosa: la cantante trentacinquenne è israeliana, originaria di Tel Aviv. Non che questo influisca sulla qualità della sua musica o sul suo carattere, ma dato il contesto geopolitico in cui viviamo e la percezione sempre più negativa di Israele, è importante chiarire. Per chi volesse saperlo, la sua posizione sul conflitto è complessa, avendo in precedenza difeso la soluzione dei due stati e mosso critiche dirette ai governi di Netanyahu in un'intervista al Guardian. Più recentemente, ha dichiarato all'Associated Press di essere a favore della pace, ma si è rifiutata di essere costretta a rilasciare dichiarazioni pubbliche sul conflitto. Inoltre, per tutto il 2024 ha denunciato quello che considera un movimento internazionale per boicottare le sue esibizioni con i promoter a causa della sua nazionalità.

In questo caso, però, non è stato così: pur non essendo in tournée, gli organizzatori del Kalorama si sono presi la briga di rischiare. E il concerto si è svolto senza problemi: non solo Erez e i suoi due colleghi di scena hanno fatto di tutto per non affrontare la questione durante l'intera esibizione, ma – a parte una bandiera palestinese solitaria accanto a una coppia seduta sulla collina – non si sono sentite espressioni di disapprovazione o protesta. Anzi, il riferimento principale a quanto sta accadendo in Israele in questo momento è stato fatto di silenzi, più che di dichiarazioni. Dopo le prime canzoni, la cantante ha ammesso che il suo tipo di spettacolo prevedeva più elementi visivi e artisti sul palco, ma che ciò non era possibile per quella data, senza spiegarne il motivo.

Chi è Noga Erez? Una persona che unisce la sensibilità pop anni 2000 di Lily Allen con la Billie Eilish dei giorni nostri, fondendole con il sound fortemente influenzato dall'elettronica e dall'hip-hop di MIA. Pur non essendo un'artista mainstream, è il tipo di cantante per i pophead – il tipo di pubblico a cui i Pet Shop Boys hanno cantato due sere prima – con i suoi album Kidz e The Vandalist accolti con entusiasmo dalla stampa specializzata.

Indossando una camicia e pantaloni larghi e l'elastico dei boxer in vista, si è presentato a Lisbona in modo intransigente ed energico, principalmente attraverso canzoni come Fire Kites - l'unica con una piega più politica, basata su un ritmo quasi industriale - o Nails , registrata con Missy Elliott, che è stata ascoltata dall'impianto audio. Allo stesso tempo, dimostra uno stile lirico che mescola umorismo con vulnerabilità e autoironia, e ha una voracità onnivora negli stili che suona, che si tratti del reggaeton in AYAYAY , dell'elettroclash in Not My Problem , o del pop cerebrale dei Gorillaz in VIEWS . "È stato il miglior pubblico per cui abbiamo suonato da molto tempo", ha detto con un certo sollievo. Noi crediamo di sì.

Più tardi, in una fase di maturità, Branko ha approfittato del MEO Kalorama per debuttare con una nuova formazione dal vivo. Il produttore e DJ si era già esibito in una band, ma ora si è unito a lui João Gomes (alle tastiere), Danilo Lopes (alla chitarra) e un duo di cori, Inia e Bokor.

Le sue parti elettroniche strumentali, che lo avvicinano all'Africa lusofona e al Brasile, con viaggi a Londra e in altre metropoli globali, sono incarnate dagli arrangiamenti della band, senza tuttavia perdere il carattere digitale che ne è alla base e che non poteva essere trascurato. Nel corso di un'ora, Branko ha accompagnato il pubblico in un viaggio attraverso la sua discografia, da Atlas (2015) al più recente Soma (2024), senza dimenticare il passato dei Buraka Som Sistema.

Inizialmente, il pubblico sembrava tiepido. Tra la stanchezza delle ore e dei chilometri di cammino, il freddo che si sentiva a Bela Vista e i prezzi poco invitanti delle birre (che a loro volta non contribuivano a risollevare gli animi), Branko è riuscito a tirare fuori alcuni dei suoi migliori argomenti per far vibrare la sua città, come ha tenuto a sottolineare. "Metà della mia musica non esisterebbe se non fosse per Lisbona, questo è il contesto in cui ha più senso suonarla".

Nafé, Agua con Sal, Sempre, Tudo Certo, Nuvem, Mood 111, Found My Way e Agenda sono stati alcuni dei brani suonati che hanno portato al Kalorama le voci di Dino D'Santiago, Catalina García, Bryte, BIAB, Carla Prata, Cachupa Psicadélica, Mallu Magalhães ed ÉLLÀH, tra molti altri. L'eredità che Branko ha accumulato nel corso degli anni è preziosa e ci sono sempre più carte da giocare nelle esibizioni dal vivo.

Come ha fatto in altri luoghi, Branko si è assicurato di non perdere il suo legame con la base di tutto – la sua missione solista di DJ – e in un segmento finale si è diretto verso il pit del palco, avvicinandosi ai fan, per suonare qualche altro brano in modalità DJ set, tra cui un nuovo brano con la band brasiliana BaianaSystem. A quel punto, il pubblico era più che riscaldato, una missione che sembrava ardua ma non impossibile per qualcuno con l'esperienza e il talento di João Barbosa.

Sarebbe tornato sul palco, in un impegnativo gioco di alti e bassi, per chiudere in bellezza con un paio di brani più lenti (e leggeri), ovvero Reserva Pra Dois, che ha fatto echeggiare la voce di Mayra Andrade sul palco di San Miguel. La musica che Branko ha creato nel corso degli anni – con un decennio di carriera solista alle spalle – ha un'eredità sempre più ampia e la consacrazione di questo importante percorso passa anche per i posti di rilievo in festival come questo.