Скажи мне, как ты одеваешься, и я скажу, какой ты художник.

Тюрбан Рембрандта, Жорж Санд в мужском костюме, мексиканские фантазии Фриды Кало или Гилберт и Джордж в их одинаковых костюмах. Выставка «S'habiller en artiste» в Лувре-Лансе, которая продлится до 21 июля, задаётся вопросом: делает ли платье художника?

Более 200 работ на площади 1800 квадратных метров впервые объединяют в этом музее на севере Франции искусство и моду в радостном путешествии, которое вьется по розовым, лиловым и помпейским красным аркадам, где наряды, которые носили создатели во время работы, соседствуют с одеждой, вдохновленной произведениями искусства, придуманными некоторыми дизайнерами.

Итак, картины, скульптуры, одежда и костюмы, среди которых приятно прогуляться. И поскольку эта тема поднимается впервые, два куратора, Аннабель Тенез, директор музея и куратор выставки, и Оливье Габе, глава отдела предметов искусства Лувра, с полной свободой двинулись вперед, воплощая в жизнь идею, как объясняет Тенез, «пересечь историю искусства, моды и одежды с социологической точки зрения».

Тема, о которой до сих пор никто не задумывался. «И это удивительно, потому что, особенно до изобретения фотографии, написание автопортрета занимало много времени, поэтому очевидно, что даже наряд, который нужно было надеть, не был повседневным, а выбирался с особой тщательностью», — с заразительным энтузиазмом рассказывает нам по телефону Аннабель Тенес.

«Идея возникла после того, как я курировал выставку Ники де Сен-Фалль в Les Abatoire в Тулоне. В своих телевизионных интервью она всегда носила необычную одежду, поэтому я обнаружил, что она часто полагалась на своего друга Марка Боана, который в то время был стилистом Dior. Который адаптировал изделия Дома или сделал их для нее, вдохновившись ее работами. Мне было интересно, почему их никогда не изучали. Оттуда я задумался об одежде других художников: размышления, из которых мало-помалу расцвела эта выставка».

Выставка, состоящая из семи глав, охватывает широкий спектр экспонатов: от чепца Альбрехта Дюрера до длинных шарфов Элизабет Виже-ле-Брен, знаменитой Маринор Пикассо и Энди Уорхола в образе травести в светлом парике.

«Селфи» Рембрандта

В первом зале посетителя встречают три наряда от Ива Сен-Лорана, включая культовое вечернее платье с птицами, созданное в честь художника Жоржа Брака. «Он дизайнер, который больше всего цитировал историю искусства. Его работа — практически скульптура», — говорит Аннабель Тенес, «одежда художников многое говорит о том, как они хотят себя определить. Из всех них Рембрандт поразил меня больше всего, он был Синди Шерман 17 века! (имея в виду автопортреты концептуального фотографа, прим . ред.)», — шутит Тенес. Голландский мастер, прозванный «человеком тысячи костюмов», за свою жизнь изобразил себя более 80 раз, всегда в разной одежде, что и стало основой его живописного проекта: «Он умножал количество маскировок — с помощью меха, драгоценностей, восточного стиля — и документировал фазы своей жизни, сначала изобразив себя молодым человеком в роскошной одежде в XVI веке, затем стариком в 1660 году, в скромном и поношенном гардеробе». В игре ассонансов и контрастов он помещен рядом с французско-польским художником Романом Опалкой, умершим в 2011 году, который фотографировал себя на протяжении трех десятилетий, всегда в одной и той же позе и в одной белой рубашке. «Автопортрет, — продолжает он, — это манифест человека, художника, его стиля и его социального класса. Мы хорошо видим это в работах XVII и XVIII веков: часто именно одежда раскрывает экономический уровень субъекта. Затем в определенный момент простая униформа рабочих заняла место сложных тканей, таких как бархат и тафта. И вот курьез: правительство Французской революции попросило Давида представить, как должны одеваться буржуа, ремесленники или художники. Сегодня это немыслимо».

Подрыв норм

Художники играют в подрыв норм, и именно благодаря им некоторые правила в одежде стали менее строгими. «На выставке, например, можно наглядно увидеть эволюцию некоторых предметов одежды: Элизабет Виже-Лебрен изобразила Марию-Антуанетту и себя в сорочке, что вызвало большой скандал, поскольку она считалась нижним бельем.

Другая художница, Роза Бонер, изображает себя в XIX веке в брюках и крестьянской блузе. Это ее способ утвердить себя как художницу сельской местности, но чтобы нарисовать себя в брюках, ей пришлось просить специального разрешения, потому что это было запрещено». Затем возникает вопрос пола: «На картине Луиза Аббема похожа на женщину-денди, как и ее спутница Сара Бернар в garçonne ante litteram. Гораздо позже Энди Уорхол коллекционировал одежду (которую он не носил), а мы показываем его полароидные селфи в женском образе».

Тоги и авангарды

В каждом зале одежда художников представлена ​​как тематически, так и хронологически. Никто точно не знает, что носили первые художники и была ли у них какая-то одежда, которая отличала их от других. В греко-римскую древность они считались такими же ремесленниками, как и другие ремесленники, и носили тогу. А столетия спустя европейские художники XVIII и XIX веков носили его — белый цвет для женщин и красный для мужчин — чтобы создать связь с этими мифическими предками. Одним из примеров является автопортрет художницы Мари-Николь Вестье XVIII века в безупречном белом платье, держащей в одной руке мольберт, а в другой — колыбельку ребенка. «Возможно, это старейшая феминистская картина о душевном бремени, которое тяготит женщин», — улыбается куратор. Этот тип одежды вновь появляется в 2019 году у Dior от Марии Грации Кьюри и вдохновляет ее на создание слегка драпированного платья-девственницы.

Черное платье, перенятое романтиками и Гойей, стало правилом в XIX веке, иллюстрируя торжество буржуазии. На выставке также представлен редкий гипсовый слепок халата Бальзака работы Огюста Родена. «Мы знаем, что скульптор, чтобы изобразить его как можно более реалистично, пустился в безумные поиски, пока не нашел портного писателя, у которого он получил мерки, чтобы сделать точный слепок и использовать его для статуи.

«Найти рабочую «униформу» художников было непросто, — добавляет режиссер, — ее часто выбрасывали, но интересно отметить, как возникло желание, почти некое самоудовлетворение, сохранить пятна краски».

Среди первых художников, превративших одежду в произведения искусства, были художница и портниха Соня Делоне, открывшая в 1918 году собственный магазин для продажи своих творений, и Ники де Сен-Фалль, чья красная соломенная шляпа с козырьком спереди представлена ​​в экспозиции. Ее она носила для защиты от солнца и брызг, когда создавала свой Сад Таро в Тоскане.

Последний зал посвящен современным художникам, таким как Рафаэль Баронтини, Жанна Висериаль, Ацуко Танака или молодая афганка Рада Акбар, для которой платье является произведением искусства, а произведением искусства может быть платье.