De esthetiek van fragiliteit

“Het bevestigen van fragiliteit blijft, zelfs vandaag de dag, een provocerende daad.” Antoni Llena (Barcelona, ​​1942), een hoeksteen van de hedendaagse Catalaanse kunst, is tevens een van de pioniers van de conceptuele kunst in Spanje. In de jaren 60 omarmde de in Barcelona geboren kunstenaar de arte povera om een ​​esthetiek van fragiliteit en dematerialisatie te omarmen die de idee van de bestendigheid van het kunstwerk ter discussie stelt, een werk waaraan hij zijn hele carrière trouw is gebleven.

De kunstenaar – zoals hij vertelt in zijn memoires, uitgegeven door L'Avenç – heeft een verward en verdeeld leven geleid: "Ik wilde leven met mijn tegenstrijdigheden die zich ontvouwden, en ik voelde dat ik dat alleen via kunst kon doen." Meer dan een product is kunst voor Llena een proces, een poëtische gebeurtenis. Schilderen is een manier om de werkelijkheid in haar onuitgesprokenheid uit te drukken; het is je bewust worden van het falen van de poging om de wereld te vatten, erin volharden, ondanks alles.

Op vijftienjarige leeftijd, na de mislukte poging van zijn vader om het landmetersvak aan hem over te dragen, trad hij als novice in bij het kapucijnenklooster van Arenys. Deze ervaring vervreemdde hem van de wereld, maar wekte zijn geest. Later, in het klooster van Sarrià, gaf een monnik hem een ​​abonnement op de schildersbrochures I maestri del colore . Het was een vruchtbare gebeurtenis: de kunstgeschiedenis werd hem volledig onthuld en in zijn cel begon hij te schilderen. De eisen die hij aan zijn werk stelde, waren zo hoog dat hij het vaak zo vulde dat het vernietigd werd. Op een dag morste hij talkpoeder op een vernield schilderij, en hij kreeg een ingeving: "Waarom wilde ik een schilderij maken dat het absolute was, als het leven dat niet is?" Vanaf dat moment zou hij het absolute in het moment zoeken, in zijn uiterste kwetsbaarheid.

Zijn filosofie heeft geleid tot een fragiel, intiem, vluchtig, maar tegelijkertijd authentiek en poëtisch blijvend werk.

Deze verschuiving definieert haar efemere sculpturen (1964-1969), gemaakt van papier en schaduwen, die lichtheid en verdwijning verkennen; de precaire aard van het leven en de herinnering. Haar vriendschap met Antoni Tàpies, die ze ontmoette tijdens de Caputxinada toen ze hem een ​​kom soep serveerde in het klooster, is fundamenteel: "Ik ging alleen op pad, luisterend naar mezelf. Op zoek naar hetzelfde als hij, maar zonder in zijn voetsporen te treden." Tela i paper (1966) is een fundamenteel werk en de eerste poging tot een opgezette sculptuur, die Llena aan Tàpies schonk. Ook bepalend is haar ontmoeting met Alexandre Cirici Pellicer, die hem in het tijdschrift Serra d'Or in 1969 erkende als een maker die kritisch stond tegenover de sacralisering van de kunst.

Vanaf zijn vroegste werk experimenteerde Llena met armoedige materialen (papier, rubber, plastic, glas, hout, enz.) en verlevendigde deze met performatieve elementen. In Ombres de paper sobre paret (Papierschaduwen op de Muur, 1969) activeren de op de muur getekende schaduwen een spel van aanwezigheid en afwezigheid, anticiperend op omgevings- of locatiegebonden kunst en het idee van leegte aankaartend, centraal in al zijn werk. Andere werken smeken erom vernietigd of aangepast te worden, zoals dozen die gedemonteerd moeten worden, of schilderijen met talkpoeder die de afbeelding onthullen naarmate hun oppervlak oplost (Pintura sobre superfície amb pols de talk, 1967). Met deze handeling onttrekt de kunstenaar zich aan de materialistische traditie en het objectmatige karakter van het kunstwerk.

In 1969 creëerde hij samen met Jordi Galí, Sílvia Gubern en Àngel Jové Primera mort , dat wordt beschouwd als het eerste videokunstwerk in Spanje. Als pionier van de conceptuele kunst koos hij, toen deze de overhand kreeg, voor stilte: "Ik besloot het najagen van ideeën niet om te zetten in een artistieke carrière, zoals ik zovelen heb zien doen", schrijft hij.

Tien jaar later keerde hij terug naar zijn werk met de serie Retallables : zwevende papieren vormen die volume en beweging toevoegen aan de traditionele schilderkunst. Tegenover de transavant-garde, die hij clichématig en repetitief vindt, stelt hij een esthetiek van het essentiële voor: "in plaats van toe te voegen, leeg te maken."

Llena's poëzie is ook terug te vinden in onze openbare ruimtes. In 1992 richtte hij op de Plaça dels Voluntaris in het Olympisch Dorp van Barcelona David en Goliath op, een metafoor voor het kleine versus het grote en voor het verzet van de kunstenaar tegen het geïnstitutionaliseerde kunstsysteem. In 2011 bouwde hij op de Plaça Sant Miquel Homenatge als Castellers , geïnspireerd door de mythe van Sisyphus. Hij is ook de auteur van Món , dat na een wisseling van eigenaar van de gevel van El Corte Inglés aan de Plaza Catalunya werd verwijderd, naast andere sculpturen die ook in musea te vinden zijn.

“Ik wilde leven met de tegenstellingen die zich ontvouwden, en ik voelde dat ik dat alleen via kunst kon doen”, schrijft Llena.

Begin jaren 2000, toen technologische kunst de kunstwereld begon te veroveren, gaf Llena er de voorkeur aan "nieuwe dingen te zeggen met oude media". In de loop der tijd, en tot voor kort, ontwikkelde hij de tekeningenreeks SOS: Signals of Smoke from the Subsol , gemaakt met ongefixeerd gekleurd poeder, dat gedoemd was te verdwijnen. Zijn nalatenschap wordt momenteel beheerd door galerie A/34; daar overtuigde een curator van het MoMA, gefascineerd door het werk van de kunstenaar uit Barcelona, ​​de instelling in New York er in 2017 van om vijf van zijn opgezette sculpturen aan te kopen.

Llena combineert artistieke creatie met theoretische activiteit en lesgeven. Ze schreef La gana de l'artista (1999) en Per l'ull de l'art (2008), evenals artikelen in diverse media, waarin ze de artistieke praktijk bepleit als een essentiële noodzaak en een daad van verzet. "Denken dat kunst een directe sociale functie heeft, is onzin", betoogt ze, en benadrukt de intieme dimensie van de esthetische ervaring: "De waarheid van kunst zit in het hart, niet in het hoofd." Ze gaf les aan de Universiteit van Girona en EINA, en haar werk is opgenomen in collecties zoals die van het MACBA, het Reina Sofía, het Museu Tàpies, de Fundació Miró en het MoMA.

Als sleutelfiguur van het Catalaanse postmodernisme en de vernieuwing van de beeldhouwkunst en conceptuele taal in Spanje, heeft Llena vaak een marginale en kritische houding aangenomen ten opzichte van het kunstsysteem en de grillen en dynamiek van de markt gemeden. Zijn filosofie heeft geresulteerd in een werk dat kwetsbaar, intiem en vluchtig is, maar tegelijkertijd authentiek en poëtisch duurzaam. "Ik heb me nooit helemaal kapot gewerkt voor goede cijfers, om te slagen voor examens of om een ​​artistieke carrière na te streven. Ik heb geleefd, en leef nog steeds, op mijn knieën: altijd bereidwillig en dankbaar", schrijft hij in zijn Memòries de fum.

Antoni Fills Herinneringen aan rook L'Avenç 120 pagina's 16,15 euro