Zieh dich an, lass uns schlafen gehen

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„Wann habe ich angefangen, mich so dem Schlaf hinzugeben, dass ich aufhörte, mich zu wehren? Ist es wirklich möglich, dass ich einst immer voller Energie und hellwach war?“, fragt sich Banana Yoshimoto in „Deep Sleep“. Terako, die junge Protagonistin der Geschichte, schläft nach dem Selbstmord ihrer besten Freundin in langen, erholsamen Schlaf ein, in eine Art Erstarrung, die jeden Aspekt des Alltagslebens überlagert. Terakos emotionaler Filter projiziert sich auf alltägliche Ereignisse, wie sie in der Literatur in Hülle und Fülle vorkommen, berührt aber auch bestimmte Höhepunkte von Mode und Kunst, wo eben jener Trend in Mode und Kunst, der sich in verschleierter oder direkter Form von der Welt des Schlafs und seinen Erscheinungsformen inspirieren lässt: Das Bett und die ihm ähnlichen Kleidungsaccessoires haben in Museen und auf Laufstegen tatsächlich eine nicht unerhebliche Bedeutung. Wenn wir uns mit dem Ursprung von „Intimität“ befassen, einem Wort, das so eng mit Nischen und Laken verbunden ist, erfahren wir, was wir bereits instinktiv spüren, auch wenn wir uns selten die Zeit nehmen, den Wert eines so weit verbreiteten Begriffs zu ermessen. Der etymologische Test zeigt uns, dass „intimus“ „das Tiefste“ bedeutet, im logischen und mehr oder weniger spontanen Sinne einer Geste oder eines Ereignisses, eingebettet in einen Bereich der Unzugänglichkeit, des Schutzes vor den Blicken anderer, im Wesentlichen einer Dimension des Lebens, die eifersüchtig innerhalb der häuslichen Mauern gehütet wird.

Kurz gesagt, auf dem Papier wäre die Sphäre unserer intimsten Wünsche und Verhaltensweisen keine Verhandlungssache; wir einfachen Leute würden alles tun, um ihren Inhalt vor neugierigen Blicken und unerwünschter Morbidität zu schützen. Und doch zeigen uns im Gegenteil zeitgenössische Mode und Kunst, dass Intimität selbst zum Gegenstand kollektiven Teilens geworden ist, mal um sie auf die gröbste und verstörendste Weise zur Schau zu stellen, mal um sie mit der Leichtigkeit eines Gags zur Schau zu stellen. Mode und Kunst, wie man so schön sagte. Frei zwischen Garderobe und Gemälden schwebend, muss man nur den Blick auf das Ende des 18. Jahrhunderts richten, um zwei außergewöhnliche Experten in Sachen Intimität zu bewundern, mit der Absicht, die Diagnose eines kulturellen Wendepunkts zu destillieren, einer Denkweise, die des Status quo überdrüssig war, nämlich des Zeitalters der Aufklärung: Es war an der Zeit, den Kult des scheinbar „Klaren und Deutlichen“ abzulehnen und sich folglich bis zum Hals in eine Blase der Dunkelheit zu vertiefen, in die Falten des „tiefsten“ Unbewussten . Wie könnten wir dann das Werk von Francisco Goya unerwähnt lassen? Der Autor von „Der Schlaf der Vernunft gebiert Ungeheuer“ stellte Horden von Hexen und Dämonen dar, die als Inspiration für die schwarze Schneiderkunst von Cristóbal Balenciaga dienten, wenn wir unter anderem an die beiden Figuren im Hintergrund von „Majas auf dem Balkon“ denken . Apropos Betten und Kissen: Es ist die doppelte Deklination von „Maja desnuda“ und „Maja vestida“, die uns einen Blick auf Mode und gleichzeitig auf Intimität gewährt, die tief in Stil, Impulse und Wünsche eindringen kann. In der Desnuda-Variante beschreibt Goya eine junge Frau in erotischer Fülle, unverhohlen und schelmisch, wie es parallel dazu zwischen den Seiten von „Philosophie im Boudoir“ des Marquis de Sade geschieht und wie es später in „Olympia“ von Edouard Manet geschehen wird. Was die Vestida-Version betrifft, so muss eine andere blaublütige Persönlichkeit, Hubert de Givenchy, sie gut im Auge gehabt haben, der für Audrey Hepburn in „Ein süßer Fratz“ eines seiner berühmten Kostüme mit einer Bluse anfertigte, die – wie die Maja lehrt – durch ein sichtbares rosa Band unterbrochen wurde.

Was Themen „in Intimität“ voller Qualen betrifft, die gleichermaßen Vorboten von Kreaturen sind, die aus den verborgensten Winkeln des Unterbewusstseins zu stammen scheinen, ist „Der Albtraum“ von Heinrich Füssli vielleicht das klarste und eindrucksvollste Beispiel, mit dem armen Mädchen, umgeben von einer Gruppe dämonischer und dunkler Monstrositäten. Das Kleid? Ein Morgenmantel, angesichts des offensichtlichen nächtlichen Kontexts; es ist jedoch gut, sich daran zu erinnern, dass im selben Zeitraum die schweren Reifröcke und beklemmenden Korsetts des Spätbarock durch weite, leichte und luftige Kleider ersetzt wurden, die dem Déshabillé des „Alptraums“ nicht unähnlich waren, im Namen eines Trends, der unter dem Namen Empire-Stil in die Geschichte eingehen sollte. Letztlich bedeutete und bedeutet das Darstellen – und Tragen – weiter und leichter Kleidung die Anerkennung des Rechts auf eine existenzielle Selbstbehauptung, auf eine Haltung, die den Körper und seine sowohl physische als auch sexuelle Ausdrucksfreiheit feiert und den Weg für eine Mode und natürlich eine Kunst ebnet, die in der heutigen Zeit tausend andere Facetten des Lebens in Bezug auf „Dessous“ erprobt hätte. In diesem Zusammenhang müssen wir Jacques Doucet würdigen – einen Modeschöpfer, der in der Geschichte der Kleidung eigentlich wenig bekannt ist –, der die typischen Unterwäschestücke offiziell zu alltagstauglicher Kleidung machte. Ebenso hervorzuheben sind der Mut und die Kreativität von Lady Duff Gordon alias Lucile, einer englischen Modeschöpferin, die ebenfalls den Untergang der Titanic überlebte und für die Transparenzen und die „spinnennetzartigen“ Säume ihrer Kreationen bekannt ist, so Gabriele d'Annunzio, die direkt aus der Welt der Dessous stammen. Andererseits: War es nicht der Dichter selbst, der die berühmte Unterwäschelinie von Biki, einem weiteren hervorragenden Vertreter der italienischen Mode und einem der Vorreiter des Made in Italy, „Domina“ – die Herrin, die Domina, die Herrin – taufte?

Kommen wir zur jüngeren Zeit, zu einer Mischung aus Kunst und Mode, die zwischen Ende der 1960er und Anfang der 1970er Jahre dank der Protagonistinnen der Body Art die Qualitäten und die manchmal blutigen Schnittwunden nackter und roher Körper zur Schau stellt. Die extremen Performances von Gina Pane oder Marina Abramović, um nur einige Namen zu nennen, sind in ihren Zielen und Absichten vergleichbar mit der Kleidungsphilosophie von Sonia Rykiel, einer Pariser Stylistin und Schriftstellerin, die im selben Zeitraum vorschlug, Kleidung ohne Unterwäsche in direktem Kontakt mit der Haut zu tragen, und die dies mit Freiheitserklärungen in Büchern wie „Et je la voudrais nue“ (Paris, Grasset, 1979, ein Exemplar ist noch auf Amazon erhältlich) begleitete: „Ich dachte, ich würde mit Stoffen, Wolle, Farben hantieren, und stattdessen stülpte ich mein Inneres nach außen, aus meinem Bauch heraus. Ich band, ich schnitt, aber in der Zwischenzeit zerriss ich meinen Körper.“ Ja, der französische Designer rief: „Ich hätte sie gern nackt“, in derselben adamischen oder fast adamischen Verfassung wie Yoko Ono und John Lennon, zusammengerollt zwischen den Laken von Bed-in, in einer Protesthymne gegen den tobenden Vietnamkrieg, aber mit derselben Werteskala, die von einer Kunst propagiert wird, die mit Moral und Anstand nichts anzufangen weiß. Mehr Bettdecken, mehr Decken, mehr Intimität.

1976 entwarf Rykiel erneut eine Winterjacke aus einer Bettdecke und demonstrierte damit einen Modetrend, der sogar mit der extremen Experimentierfreude des Dadaismus-Meisters Marcel Duchamp konkurrieren konnte, der für seine „As-is“-Objekte – die sogenannten „Readymades“ – bekannt war und die Inspiration Nummer eins für einen anderen Laufsteg-Champion, Martin Margiela, war. Dieser wiederum trat in Rykiels Fußstapfen und schuf für die Herbst-Winter-Kollektion 1999-2000 eine Reihe von Bettdeckenmänteln mit einer effektiven Entfremdungswirkung durch die Neuerfindung von Haushaltsgegenständen, als wären sie erlöst, erlöst, aus ihrer Anonymität gerissen. Wir müssen die Realität mit anderen Augen betrachten, scheint Margiela anzudeuten, wir müssen die Erfahrung eines jeden Tages – des realen, im Kontakt mit unserer prosaischsten und vorhersehbarsten Umgebung – mit einer erneuerten Haltung leben, die in der Lage ist, zu massieren, zu wecken und lebhaftere Empfindungen hervorzurufen als die Monotonie der Gewohnheiten und Konventionen. Damit eröffnet uns die belgische Designerin ein kreatives Feld voller existenzieller Bezüge, nicht zuletzt mit den ungemachten, noch warmen Betten, die Félix González-Torres auf riesigen Plakaten in den Straßen New Yorks ziert. Ein einfaches, banales Bett, das wie Millionen anderer zu richten ist, könnte man sagen, nur dass sich in der Weiße ebendieser Laken die Konturen eines dramatischen Verlusts abzeichnen, einer Liebe, die in einer hoffnungslosen Tragödie endete: Das Bett auf den Fotos ist die Wiege, in der die Künstlerin mit ihrem an AIDS verstorbenen Partner Ross schlief. Der „Tiefschlaf“, den Yoshimoto in ihrem gleichnamigen Buch so eingehend untersucht, ist daher kein einfacher Moment der Erfrischung, sondern erhält in diesem Licht die Kraft eines viel schärferen Bewusstseins, ein Gegenmittel gegen die Patina der Gewohnheiten, selbst auf Kosten der Enthüllung, siehe González-Torres, der eigenen Qualen und Zerbrechlichkeiten.

Tracey Emin zeigt uns in „My Bed“ ebenfalls ein paradigmatisches Beispiel dafür, mit allen Objektspuren eines echten Lebens, bezeugt durch benutzte Taschentücher, Zigarettenstummel und schmutzige Wäsche, in einer Installation ohne Spiel und ohne Ironie. Bei Viktor&Rolf läuft die Sache ganz anders. 2005 kreierten die akrobatischen niederländischen Stylisten mit „Bedtime Story“ eine Kollektion, die ganz dem Schlafzimmer gewidmet war, allerdings mit den für sie typischen Tönen von Übertreibung und Verspieltheit, das heißt mit einem Triumph der Kleidungsstücke, bei denen Stereotype zu ironischen und surrealen Spielen werden: Der „Out-of-Bed“-Stil wird wörtlich wiedergegeben, mit den Models auf dem Laufsteg, geschmückt mit Kissen und Bettdecken. Als außerordentlicher Professor lehrt er Zeitgenössische Stile und Künste, Formen zeitgenössischer Mode und Zeitgenössische Mode an der Universität Bologna. Ihr jüngster Essay trägt den Titel „Die Stimme des Teufels. Zeitgenössische Kunst und Mode“ (Einaudi): eine Reflexion über die Kunstgeschichte vom Ende des 18. Jahrhunderts bis in die 2000er Jahre, die die akrobatischen Entwicklungen der Garderobe zwischen Technologie und sexueller Revolution als Kompass und Metronom nutzt.